Um dos quadros mais conhecidos da humanidade é La Gioconda, a obra-prima de Leonardo da Vinci. Sua imagem está por toda parte: na internet, em reproduções para decoração, canecas, quebra-cabeças, meias e uma infinidade de produtos. Ainda assim, mais de 7 milhões de pessoas passam pelo Museu do Louvre todos os anos para ver de perto a pintura que o mundo conhece como Mona Lisa. O quadro se tornou sinônimo de um sorriso enigmático, chama atenção pela técnica, alimenta teorias sobre sua origem e sobreviveu a guerras para chegar até nós.

O resto é imitação.

Neste fim de semana, Moana estreou nos cinemas brasileiros e, ao assistir ao remake live-action, fiquei pensando justamente na Mona Lisa. Sim, pintura e cinema são diferentes, principalmente porque esta última ainda é uma criança de 130 anos. Ainda assim, estamos falando de arte.

Lançado em 2016, o Moana original se tornou um dos grandes expoentes da fase contemporânea das animações da Disney. Com uma técnica impecável, une a Jornada do Herói (nesse caso, da Heroína), uma história de amadurecimento e elementos do folclore da Polinésia, tudo embalado por canções de Mark Mancina, Opetaia Foaʻi e Lin-Manuel Miranda, então no auge do sucesso de Hamilton.

O resultado disso é um filme que não só inspira, mas também encontra um lugar especial entre aqueles, principalmente meninas, que estão em busca do seu lugar no mundo e de quem são.

Dez anos depois, a Disney traz uma versão com atores de carne e osso da mesma história. Assim como na animação, o semideus Maui ganha vida com Dwayne “The Rock” Johnson, enquanto Auliʻi Cravalho é substituída por Catherine Laga’aia.

E… não acrescenta nada.

Novas interpretações em live-action de animações do passado não são novidade. É um movimento que começou ainda nos anos 1990, com O Livro da Selva e 101 Dálmatas. Nos últimos anos, porém, a estratégia ganhou força dentro da Disney. Vieram A Bela e a Fera, Malévola, Dumbo, Mulan, A Pequena Sereia, Branca de Neve e diversos outros. Teve também O Rei Leão, mas esse é uma animação ultrarrealista.

A aposta é que a nostalgia transforme os remakes em eventos cinematográficos capazes de justificar uma ida ao cinema em uma época em que praticamente todo o entretenimento cabe na palma da mão. O fator geracional também tem peso: pais e mães aproveitam essas novas versões para compartilhar com os filhos personagens e histórias que marcaram a própria infância.

Contudo, a maior parte dessas produções tenta adicionar algo novo à obra original – com maior ou menor sucesso. Pode ser uma atualização para os tempos atuais, uma nova perspectiva ou um olhar diferente. É parecido com quando algum artista usa a Mona Lisa como referência do imaginário coletivo para criar algo diferente – seja paródia, crítica, homenagem ou desconstrução. Como o projeto Quadrões, da Mauricio de Sousa Produções, que colocou a Mônica como La Gioconda, por exemplo.

Não é isso o que ocorre no novo Moana. Cada cena, cada música, cada fala, cada detalhe: tudo é uma cópia quase idêntica da versão original. Isso se repete em boa parte das escolhas de direção, direção de arte e fotografia.

Em certos momentos, chega a lembrar a versão de 1998 de Psicose, estrelada por Vince Vaughn. Durante as filmagens, o diretor Gus Van Sant chegou a ter um monitor para observar o trabalho de Alfred Hitchcock e copiar detalhe por detalhe, plano por plano, do original. Dessa forma, tudo o que tinha de inovador da primeira versão se vai pelo ralo. Joga-se na zona de conforto e ninguém “erra”, mas tudo vira uma cópia. Deixa de ser arte, vira imitação.

Obviamente, o cinema é uma das manifestações artísticas mais comerciais que existem. Seu valor financeiro está nas inúmeras reproduções da obra, exibidas nas salas de cinema e, hoje, também no streaming. Mas sua importância está, sim, na originalidade: no risco assumido, na inovação, no uso da imaginação e na capacidade de encantar o público.

John Musker e Ron Clements, os diretores do Moana animado, não são Leonardo Da Vinci. Ao mesmo tempo, são, sim, artistas. Thomas Kail, na melhor das boas intenções, não atua como um – não ao menos neste remake. Na prática, é um funcionário que é competente em executar a sua função na linha de produção industrial.

Isso não quer dizer que a nova versão não encante. Afinal, ao repetir o original, ela copia e cola seus melhores momentos. E com um orçamento enorme de US$ 250 milhões, o filme pode transformar o desenho animado em CGI de forma quase impecável.

Mas tudo isso é tão vazio quanto uma caneca esquecida na lojinha de souvenirs, estampada com o sorriso amarelo da Mona Lisa.

Leia também!

Tá acompanhando a segunda temporada de X-Men ‘97? Nós do JUDÃO já assitimos aos 4 primeiros episódios e não só escrevemos um texto sobre eles — nós escrevemos DOIS textos sobre ele! Vem ler aqui!

A questão é que a crença de que o Brasil precisa vencer todas as Copas e, se não o fizer, é o maior dos fracassos, não é uma arrogância pura e simples, um PERNOSTICISMO gratuito. Vem de longe, de muito fundo e só quem nasceu e foi criado aqui consegue entender de verdade.

Mas isso foi no domingo de manhã. Os churrascos estavam ainda começando a ser preparados, as cervejas ainda não estavam muito geladas... e o que era pra ser só mais um texto sobre Copa do Mundo e Seleção Brasileira no JUDÃO virou uma conversa paralela entre zoação por resultados de Bolão e resultou numa edição extra (e aberta!) dessa newsletter onde falamos, também, sobre a eliminação do Brasil e o que vimos, ouvimos e esperamos, ou não, do futuro.

Nesta edição!

• Futebol nunca é só no Futebol, mas no Brasil é ainda mais diferente (e complicado), por

• Pra putaquepariu com esse papinho de AI MAS E AS CRIANÇAS, por

• Vai melhorar? Quem sabe um dia. Até lá, vai piorar. Por

Se não é só futebol, não pode ser só arrogância

por Thiago Borbolla

Qualquer torcedor de futebol já depositou toda a sua alegria, tranquilidade, paz e outros sentimentos que costumam ser desejados nos fins de ano numa vitória do seu time. Não precisa nem ser a conquista de um campeonato, basta vencer o clássico, ou algum jogo específico por qualquer razão, pra conseguir ficar leve por algum tempo, pra sentir que tudo de ruim que aconteceu até ali não tem mais importância, que acabou. Extravasa. Põe pra fora. Grita um CHUPA bem alto na janela. Saúde nada mental. A cura da depressão!

No dia seguinte é uma delícia encarar os colegas de trabalho sorrindo, o colégio sem ouvir qualquer tipo de zoação, andar na rua como se andasse nas nuvens, sem que nada pudesse atingir, viesse de onde viesse. Nada nem ninguém é superior a você. Aos seus, um “VAI CORINTHIANS!” ou um sorriso de quem sabe o que o outro está sentindo exata e literalmente. Vencemos. Naquele dia, no jogo; nos momentos seguintes, na vida.

O contrário também é verdadeiro. Quando o resultado não é o esperado, aquele grito vira uma bola de pelo sintético, um emaranhado de arame farpado estacionado no pescoço. Todos os gritos, aliás, já que não podemos fazer muita coisa além de aceitar a zoeira. Aceitar os sorrisos de quem anda nas nuvens e deixar a raiva passar pelo próprio corpo tal qual aquela água que a gente segura com as mãos no chuveiro e deixa cair como se fosse uma bomba. Não adianta chamar pelos feitos do passado. Ganhou trocentos jogos e campeonatos antes? Foda-se. Tem mundial? Foda-se. Hoje, foda-se.

A Seleção Brasileira nos acostumou mal. Quem tá circulando os 40 já teve oportunidade de ver e viver o Brasil vencendo duas Copas do Mundo. Acompanho jornalistas que viram e viveram a de 70, que falam sobre a de 82 com uma admiração e tristeza que nos faz sentir a mesma raiva de Paolo Rossi que eles sentiram naquela época. A gente sabe o que é comemorar o Brasil campeão da Copa. Mais ainda, a gente sabe que isso é algo completamente possível.

E saber dessas duas coisas ao mesmo tempo é perigosíssimo. Sabe o que rolou esse ano com o Wagner Moura, depois do que aconteceu em 2025 com a Fernanda Torres?

Nesse último fim de semana, a BBC publicou uma entrevista com Tim Vickery, jornalista inglês radicado no Brasil desde 1994. Ótimo profissional, ser humano ainda melhor. A chamada fala sobre uma “arrogância” no futebol por parte dos Brasileiros que não aparece em qualquer outro momento do texto, mas com certeza é o que entendem do que ele fala sobre o Brasileiro achar que sempre deve vencer a Copa, sendo que uma Copa do Mundo “é uma viagem” e a gente só se preocupa com o destino. A vitória ou nada. campeão ou fracassado.

Com um olhar mais distante, ele ainda cita a narrativa “contra tudo e contra todos” do nosso futebol no geral, de sermos reféns de um passado glorioso de três conquistas em quatro disputas e, depois, duas outras em três finais seguidas. Enfim. Vale a pena ver alguém que escolheu o Brasil e o futebol Brasileiro falando sobre esse traço importante da nossa cultura, ainda mais sabendo que a entrevista foi feita antes do jogo contra a Noruega. Ele está 888% certo no que diz, mas o mesmo distanciamento que o permite enxergar e apontar essa tal “arrogância”, não deixa ele entender o motivo pelo qual somos assim.

Gustavo Alfaro, técnico do Paraguay, deu umas declarações bem fortes depois da eliminação para a França. Nela, ele fala sobre a diferença entre os seus selecionados e os da Europa, principalmente. Questões financeiras, familiares, do quão grande e importante é o que eles fizeram -- ainda que, sejamos sinceros, o não-jogo contra Mbappé, Olise e cia. tenha sido ridículo e até desrespeitoso com tudo isso o que ele afirma e o que fizeram contra a Holanda.

Tudo isso acontece também por aqui. De Pelé a Ronaldo, só tirando talvez o Kaká e algum outro, todos tem alguma história parecida de dificuldade e perrengue familiar e profissional. A questão é que o Brasil ganhou cinco Copas do Mundo. A Seleção, mesmo com todas essas questões, conseguiu vencer essas equipes teoricamente superiores. Fez com que cada uma daquelas estrelas se tornasse parte da identidade nacional.

Fez com que a gente fosse melhor em algo mais objetivo do que beleza de país. Pegamos um esporte que eles inventaram e fizemos com que fosse nosso -- Copa do Mundo mesmo só é o que é, pra todo o mundo, por conta de Pelé e a seleção de 70. Enfrentamos, ganhamos, demos show. Paramos o País pra Seleção jogar. Apesar de tudo, ainda são audiências gigantescas na TV, mesmo em amistosos.

É verdade, porém, que desde 2002 o Brasil não consegue vencer uma equipe europeia em mata-mata de Copa do Mundo e, desde de 2006, tem sido eliminado de maneiras vexatórias diferentes. Aquela equipe que o vídeo diz que o “adversário sabia que ia perder” foi eliminada porque tomou um gol enquanto quem deveria defender arrumava o meião; em 2014 foi o 7x1 na semi, o 3x0 na disputa de terceiro lugar; em 2018 e em 2022 foi Bélgica e Croácia. E sim, Noruega tem o Haaland, tem o Odegaard… mas ainda é a Noruega. Ainda é só a Noruega.

Por mais correto e no ponto que esteja sobre sua visão da relação do Brasileiro com o futebol, que ele até diz que contrasta com a imagem de alegria exportada mundo a fora, é isso que Tim Vickery não consegue alcançar. Porque, no fim, o futebol é uma das poucas coisas que, em algum momento, conseguimos superar objetivamente o mais rico, o mais poderoso. O futebol nos dá um pouco de paz, de tranquilidade, de unidade. O futebol nos faz parar de trabalhar. Te faz abraçar desconhecidos, sair buzinando pelas ruas, gritar. Todos os seus, juntos, na esperança de um alívio, de uma distração. Dias em que nada, nem ninguém, consegue ser maior.

É literalmente a mesma ideia do Carnaval. A diferença que é que o Carnaval acontece todo ano e muita pouca gente tem consciência de classe pra enxergar aqueles dias entre Fevereiro e Março com a importância que se deve.

Futebol é um esporte, um jogo. Mas, pro Brasileiro, desde 1950, é muito mais que isso. É triste que os fãs de Neymar tenham sido feitos de trouxa e acreditado que ele fosse maior que tudo isso, mas se tudo der certo, em 2030 isso acaba e quem sabe, como diriam os Ingleses, o futebol volte pra casa ou, pelo menos, comece a percorrer esse caminho que o distanciou tanto de quem o fez ser quem é.

E as crianças?

por André Mello

Brasil foi eliminado da Copa. Você que tá lendo isso obviamente acompanhou a partida patética da Seleção, do ex-jogador que ainda estava em atividade dando chilique, querendo arrumar confusão com goleiro enquanto era eliminado, aquela coisa toda.

Só que logo depois da eliminação, dos vários memes de “AINDA BEM QUE PERDEU, ESSE MERDA!” e afins, ligo o YouTube pra ver o funeral na CazéTV e uma pergunta feita pela Fernanda Gentil ao Casemiro (o jogador velho, não o dono do canal) me deixou absurdamente puto.

Em uma tentativa fraca pra evocar emoções, a jornalista meteu um papinho de “e as crianças, o que você fala pra elas não desistirem?”. Casemiro chorou. Não vou falar como uma pergunta RUIM abalou o psicológico de um jogador que deveria ser mais forte. Eu fiquei puto com essa coisa de “MAS E AS CRIANÇAS?”.

A Seleção Brasileira entra no maior jejum sem título da Copa do Mundo desde que ganhou a primeira. Foda, 2006 a gente até achava que ia rolar pela MONSTRUOSIDADE dos jogadores convocados, mas o sonho ficou lá em 2002.

Tem gente que já tá bebendo e metendo boneco por aí que realmente nunca viu a Seleção ser campeã do mundo, que quando veem uma entrevista com algum jogador gringo sobre o peso da camisa brasileira, é tudo uma grande história do passado.

E algo que me irrita DEMAIS nesse papo de “mas e as crianças” é que é a segunda vez que a gente fica com algumas décadas sem nada.

Eu nasci em 1986. A Copa de 94 foi a primeira que eu assisti e lembro bem. Nas eliminatórias, eu já tinha uma noção do que era futebol. Lembro, ainda que vagamente, das reclamações com a seleção pré-Copa, lembro do Galvão pisando no pé do Pelé na comemoração, do Maradona sendo levado de bracinho pela enfermeira que pegaria o cara no dopping.

Apesar de ter um jejum absurdo de títulos desde 1970, não tinha essa choradeira de “mas e as crianças?”. Talvez elas precisem dessa bordoada da vida logo cedo. Não vão ver a seleção campeã em 2026, e sei lá se em 2030. Não é por isso que eles vão deixar de ver futebol.

Quando Romário, Bebeto e cia conseguiram em 94, não foram jogar pensando “todo mundo tem medo da gente”. Em 1998, até tinha a coisa de “Ih, são os campeões”, mas a França tombou no final. Em 2002, a grande aposta era um jogador que quase acabou a carreira porque tava com o joelho fodido (interessante a coincidência) e precisou fazer um corte de cabelo ridículo pra que ninguém prestasse atenção numa outra lesão. Mas eles jogaram POR ELES, assim como em 1994. Pra provar que aquela camisa ainda merecia ser temida. Desde 2006, mesmo com vários jogadores da campanha de 2002 por lá, já tavam no embalo de “olha as estrelinhas na minha camisa, vou arrumar o meião enquanto isso”.

No final do jogo contra o Japão, confronto que teve o jogador Kento Shiogai afirmando que a Seleção Brasileira não era mais a mesma, Matheus Cunha foi querer zoar e mostrar as cinco estrelas e “exigir respeito”. Matheus Cunha fez porra nenhuma no jogo do bicho pra chegar com essa marra. E esse é o maior problema dessa geração e dessa coisa de “mas e as crianças?”.

Eu quero DEMAIS que essa criançada nunca veja a vitória de uma geração RIDÍCULA de jogadores, que se preocupam mais com redes sociais do que jogar bola. Que veste a camisa da seleção por conta de esquema de empresário pra valorizar o passe e ir jogar num time de segunda prateleira de algum campeonato europeu. Que fazem publi e são garotos-propaganda de bet.

Eu quero jogador que entenda que o Brasil, o país, o povo, vive e respira futebol, mas a Seleção já se distanciou tanto dessa galera que hoje é só um personagem apagado no meio de outros países. Que em vez de ficar apontando pra cinco estrelas que ele nunca fez nada pra merecer, jogue com gana de vencer e faturar a sua própria estrela.

Quero que quando o adversário veja a camisa amarela, não pense em Pelé, em Tostão, em Garrincha, em Zico, em Sócrates, em Romário ou Ronaldo. Pense naquele jogador que tá na frente dele e que todo mundo que vem do Brasil é digno de pensar “É, fodeu”.

Enquanto essa criançada tiver como ídolo um maluco que há anos é mais conhecido pelo Instagram e por fazer merda, eu quero mais é que se lasquem.

Vai piorar antes de melhorar

por Leonardo Alcalde

A relação do Brasileiro com Copa do Mundo é aquela coisa meio tóxica. Você acha que já é um negócio superado, mas na hora H você acaba relevando por uma perigosa nostalgia e se deixa levar, toma no remiscleives de um jeito todo novo e pensa “é isso, agora não quero mais saber dessa porra”. Aí vem o novo ciclo™ e, pasmem, começa tudo de novo. E nessa já se vão seis Copas e em toda eliminação a gente ouve SEMPRE a mesma ladainha:

— Não somos mais o país do futebol!

— É hora de renovação!

— Eu não via uma eliminação tão vexaminosa desde 1900 e guaraná com rolha!

— Vamos implodir o prédio da CBF e construir uma Casa do Pão de Queijo no lugar!

— A África é logo ali!

— Esse técnico não manja nada, vamos chamar um estrangeiro!

— Pera, esse era estrangeiro, né?

Então me desculpem se eu fico um tanto cético em achar que em 4 anos alguma coisa relevante vai mudar de fato. Vai ser uma variante mais fedida da mesma bosta e depois de sermos escorraçados na 1/75 avos de final pela estreante seleção de Tuvalu veremos os comentaristas esportivos PISTOLAÇOS dizendo “pô, a eliminação contra a Noruega até que não foi tão vergonhosa assim”. Porque foi basicamente o que eu ouvi em pelo menos dois canais essa semana contemporizando as derrotas para a Bélgica e Croácia, e eu me lembro muito bem que o clima nessas ocasiões também era de terra arrasada, porque eu estava lá. Assim como eu também estava de 94 a 2002 e até por isso entendo a dificuldade de abandonar essa mentalidade de “é anormal a gente apanhar assim”, porque já é normal tem algum tempo.

E não vai acabar tão cedo.

No apito final contra a Noruega um otimismo meio desmiolado já ameaçou tomar conta de minh’alma quando eu e minha bolha todinha decretávamos o fim da era Neymar, mas sinceramente até disso já duvido. Eu não ficaria nem um pouco surpreso se em 2030 o ainda menino Ney, com 38 anos recém completados e com a segunda artroplastia de quadril terminando de cicatrizar tivesse LARGO apoio pra fazer uma (outra) última dança. Já consigo VISUALIZAR os posts “Messi jogou 2026 com 39!”, “Cronaldo tava com 41!”, “Luka Podric tinha 40!” - até porque já aposentaram tanto Messi quanto CR7 há pelo menos uma Copa. Tudo bem que eles ainda conseguiam andar em linha reta, mas enfim.

Não acredito tanto assim porque acho que o problema vai um tanto mais além. Neymar é a encarnação de toda a zeitgeist tupiniquim que intitulamos neymarzismo cultural. É a cultura da bet, do adulto infantilizado, do umbiguismo, da igreja de parede preta, do pisar na cabeça dos outros e sair fazendo LERO-LERO-LÉÉ, de chamar quem aponta tuas merdas de invejoso, da resenha, de entrar no vestiário com uma boombox enchendo o saco de todo mundo, de fazer um gol irrelevante num goleiro que tá classificado & rindo de você e sair batendo no peitinho.

Isso não termina com uma eventual aposentadoria do jogador real porque o hipotético vai viver eternamente, basta ver a quantidade de gente lamentando que “se ele tivesse entrado antes...”. Pra fazer parte desse movimento (sempre muito verde e amarelo) você não precisa nem desfrutar de nenhuma das regalias que permitem essa postura, basta você ser um PELA-SACO de quem as tem. E o que tem de pela-saco de ídolo medíocre por aí não é brincadeira não.

Falar mal da CBF e de toda a política que estrutura esse circo também já não é novidade há muito tempo, mas ao contrário de outras épocas a gente já não tem talentos individuais suficientes para empurrar os problemas com a barriga. E ironicamente muitos desses talentos hoje estão lá, engravatadinhos, sentados nas tribunas de honra lado a lado com toda essa patotinha do status quo (ou tirando uma folguinha de seu cargo público), o que certamente não soa nem um pouco transformador ou revolucionário.

O Castelo de Areia que o inebriado Fernando Vanucci atentou que precisava vir abaixo continua aí, capengando mas em pé, vinte anos depois. Vai-se a truculência da era Dunga, o bobo-alegrismo da geração 7x1, a MODORRÊNCIA quase eficiente da era Tite, vai-se o Reizinho mimado e seus pagalanxes e as supostas renovações não chegam nem na página 2.

Mas em 2030 estaremos aí de novo, porque antes de qualquer coisa somos fundamentalmente torcedores apaixonados e, portanto, uns tontos iludidos.

Tomar no cu.

Só pra constar!

⚽ Copa do Mundo é legal pra caralho e, ano que vem, tem a das Minas aqui no Brasil. A gente já escreveu aqui sobre como torcida ganha jogo e, agora, sobre estrelinhas na camisa e essa “arrogância” que, infelizmente, o pessoal não tem em relação à Seleção Feminina -- só quando os homens perdem, ou na hora de riscar o nome do Neymar da camisa e escrever o da Marta. Aproveita então que cê não tem muita coisa pra fazer e se cadastra no site da FIFA pra “registrar interesse” em ingressos e poder fazer barulho no estádio e, se tudo der certo, mostrar que as Seleção Feminina também pode vencer os ricos, os poderosos. BORA. :)

Se a Sony resolveu desligar as lojas do PS3 e do PS Vita e também parar de produzir mídia física a partir de 2028 dizendo que está apenas seguindo o comportamento do consumidor (como se ela não tivesse incentivado esse mesmo comportamento), a culpa é dele também.

Nesta edição da MALA DIRETA chamada JUDÃO, o borbs escreveu sobre o real problema da CazéTV, que fez com que suas asas acabassem derretendo, enquanto o oda grita aos oito ventos que NÃO TEM MAIS DISCO. Tá aí embaixo!

Cuidado com o que você sonha, Cazé

por Thiago Borbolla

Apelidos, espinha na cara e mansão da Barbra Streisand em Malibu são coisas que é sempre melhor deixar quieto. Fingir que não existe, mesmo, sorrir e acenar. Te chamaram de Francis e você não reclamou? Capaz de piorar, e não adianta depois reclamar e gritar pra não te chamarem de Júnior. Colocar aquelas estrelinhas coloridas na cara também... fica divertido, bonitinho, fofo, mas todo mundo sabe que ali tem uma espinha e era bem capaz de olharem pra ela sem nada por cima e sequer enxergarem. Talvez seja essa a ideia, já que JOVENS, mas como alguém ansioso, né? Aí, se tão fazendo umas fotos pra mostrar o terreno da costa da California e apenas 4 pessoas viram, é melhor evitar uma um processinho por invasão de privacidade, porque aí sim é que a sua privacidade vai pro saco.

A CazéTV transmitir a Copa de 2022 foi surpresa pra todo mundo. Streamers exibindo grandes eventos nos seus canais até era algo, especialmente competições de eSports, mas a COPA DO MUNDO DE FUTEBOL pegou a galera com as famosas calças curtas. Era só o maior evento esportivo do Mundo no YouTube, de graça pra qualquer um com acesso a internet. Casimiro Miguel chegava ao mainstream e era realmente divertido assistir às transmissões que fugiam do que estávamos acostumados, então, apesar da surpresa, fazia sentido ou, pelo menos, não era estranho.

Era o nascimento da Rede Resenha de TV e a instalação de um farol apontado diretamente para aquele canal que viria a transmitir Olimpíadas de verão, de inverno, grandes ligas internacionais, os maiores campeonatos nacionais, esportes olímpicos e culminaria na exibição, com exclusividade, de todos os 104 jogos da Copa do Mundo de 2026. Esse farol não apenas iluminava uns amigos narrando e comentando uns esportes com uma empresa que se tornaria multinacional cheia de dinheiro por trás fazendo tudo de fato acontecer. Nesses quatro anos, é como se a CazéTV e a LiveMode tivessem instalado espelhos de todos os tipos e tamanhos por todo canal e, agora, o tal farol também fazia tudo aquilo refletir. Quem gosta de Copa do Mundo não tinha outra alternativa pra assistir aos jogos. Era CazéTV ou nada.

As asinhas de fora da CazéTV se derretem

É absolutamente impossível você fazer as suas coisinhas de quem faz coisinhas como sempre fez, com quem sempre fez, quando absolutamente todos estão olhando fixamente pra você. A “resenha” é divertida pra um público, mas não pra todos. É uma escolha manter esse tipo de coisa independente do que dizem, mas também é uma escolha burra não ouvir o que tanta gente de fora daquela bolha está falando e reclamando enquanto consome o que você faz, quando o seu objetivo primário, no fim das contas, é o dinheiro.

Isso vale pra narração de inscritos, mas vale também para o anúncio de odds de casas de apostas, as bets. Porque sim, tudo isso acontece desde literalmente sempre na CazéTV. Antes, porém, não incomodava. Ainda não tínhamos uma problematização tão grande (e justíssima) da liberação de apostas, nem um controle tão grande do universo futebolístico feito por essas mesmas bets, com times, jogadores, jornalistas e influenciadores nas suas folhas de pagamento. Confederações não escapam, também. Já teve odd ao vivo nas placas de publicidade dos jogos!

A CazéTV não pode mais se considerar apenas um canal de YouTube com o nome e a caricatura de um streamer famoso, e lembrar que as pessoas não estão mais ali por ele ou por seus amigos. A CazéTV ofereceu a Copa do Mundo, uma parte importante da identidade e da cultura do Brasileiro. E as pessoas querem a Copa do Mundo.

Read more

O Oda assistiu aos primeiros quatro episódios, quase metade da temporada, se viu frente a frente com um tipo de história dos mutantes que não gosta, mas terminou dando mortal de costas e gritando “PAPAI, MIM DÊ”.

Já o Renan assistiu aos mesmos episódios e analisa por que uma série sobre mutantes, viagens no tempo, genocídio e o Apocalipse continua sendo um dos grandes fenômenos geracionais da cultura pop. Afinal, mesmo quando parece estar falando sobre o fim do mundo, X-Men continua interessado em algo muito mais humano — e talvez seja justamente esse o segredo de sua longevidade.

Muitas trapalhadas no tempo e espaço

por André Mello

X-Men ‘97 foi uma ideia excelente pra usar os mutantes fora dos quadrinhos antes de eles voltarem com tudo no cinema. Tinha o gostinho de nostalgia, aquele arrepio quando tocava a música de abertura, e ainda continuava uma história que meio que ficou pela metade lá nos anos 90.

No lugar de um reboot ou um novo desenho, veio uma continuação com o mesmo estilo de animação, boa parte dos dubladores originais, e uma vontade louca de tocar a história pros fãs. Teve até resolução pra mistério do desenho do Homem-Aranha na primeira temporada! Coisa de maluco.

A primeira temporada de X-Men ‘97 terminou com um gancho absurdo: o time dividido em três pontos do tempo, o retorno do vilão Apocalipse e mais piras cósmicas. E é aqui que nos encontramos com a estreia da segunda temporada, cujos primeiros episódios o JUDÃO já assistiu (basicamente metade dela) e vamos falar sobre.

É por isso que você tá aqui, né? Pois é aqui que eu vou falar um pouco dela, sem falar sobre ela.

Assim como muita gente, minha primeira exposição aos X-Men foi o desenho animado dos anos 90. Eu assistia a ele e Homem-Aranha e foi ali que comecei a ir atrás dos quadrinhos. O Aranha capturou a minha atenção de imediato e se tornou o meu favorito, mas sempre achei a ideia dos X-Men muito boa.

Só que, por algum motivo, todo quadrinho que eu achava na época tinha:

• Uma equipe completamente diferente daquela do desenho

• Envolvia alguma trama doida com espaço ou gente viajando no tempo.

Isso existia no desenho, mas os quadrinhos não eram particularmente agradáveis e receptivos pra um moleque bobo com seus 10 anos começar a ler. Então sempre tive uma dificuldade absurda de gostar de qualquer história dos X-Men que envolvesse muito essa patifaria toda.

Histórias “normais”: SHOW. Meteu loucura cósmica: eu já me perco.

Qual não foi a minha surpresa quando a primeira temporada terminou exatamente indo pra esses lados, me deixando com medo de me perder porque não é particularmente o tipo de história dos X-Men que eu acho divertida? Eis que, com quatro episódios assistidos, não só o meu medo sumiu, como eu finalmente me empolguei com algo mais “viajado” dos X-Men.

Com a equipe dividida em três períodos (um pessoal foi pro futuro, outros pro passado e alguns ficaram no presente), a série conseguiu contar de maneira bastante rápida o que precisava pra restabelecer a ameaça de Apocalipse, torná-lo um personagem interessante o suficiente pra história e ainda enfiar algumas surpresas e momentos “EITA PORRA”. Tudo isso em só metade da temporada.

Ainda acho a Jubileu uma personagem engraçada por motivos completamente alheios à história (eu dei uma gargalhada gostosa ao vê-la andando de patins e soltando as biribinha dela como se fossem MÍSSEIS NUCLEARES nos outros), ainda acho o Cable um personagem CHATO, mas funciona. É na trama do passado, com um jovem En Sabah Nur, porém, que o negócio finalmente brilha e envolve o espectador. Apesar de ter um foco na família Summers e a história do Cable, Xavier e Magneto continuam como os personagens mais interessantes do desenho e protagonizam o melhor momento desses primeiros episódios. No final do quarto eu já tava “CADÊ O RESTO?”.

Se você gostou da primeira temporada de X-Men ‘97, vai adorar esses episódios. Se ainda não tá vendido pra ideia da animação, vai na fé que tá tudo no Disney+ e dá pra assistir rápido. Confia.

E agora eu só quero que tomem o mesmo cuidado com esses personagens na nova versão dos mutantes no cinema. Porque se funcionar... MEUA MIGO!

Nem o fim do mundo é inevitável

por Renan Martins Frade

Não é difícil entender o fenômeno geracional que é X-Men ‘97, que inicia sua segunda temporada nesta quarta-feira (1º), com três episódios.

Para quem cresceu nos anos 1990, X-Men: The Animated Series, a original, foi marcante. Não só por ser uma adaptação fiel – na medida do possível – das histórias em quadrinhos, mas por ser curiosamente acessível. Quem conhece a intrincada cronologia da Marvel da época entende o motivo do “curioso” na frase anterior.

Acontece que a série, iniciada em 1992, começa com o feijão com arroz. Nos apresenta rapidamente um universo no qual os mutantes são temidos e vítimas de preconceito, e em que diversas forças agem para tirar vantagem disso. No centro, temos a dualidade entre o Professor Charles Xavier e Magneto: cada um, ao seu modo, buscando um lugar para a sua própria raça.

Funciona porque, sem as crianças do outro lado da tela se darem conta na época, aquela era uma metáfora do mundo. É a partir disso que a animação desenvolve sua história. Às vezes, esse contexto era apenas um pano de fundo, justificando o surgimento do vilão da vez. Em outras, era quase que totalmente esquecida enquanto os heróis enfrentavam uma ameaça cósmica ou algo do tipo. Porém, de tempos em tempos, a realidade – mesmo que em celulóide – voltava para nos pegar.

Em 2024, a nova encarnação da Marvel Animation retornou para aquelas histórias, em uma continuação direta do que ficou pendente há quase 30 anos. Era X-Men ‘97.

Mais uma vez, os roteiristas primeiro situaram o universo pelo lado político. Colocaram Magneto liderando os X-Men, criando uma tensão sobre como devemos lutar por um mundo mais justo e adicionaram elementos que conversam com a sociedade dos anos 2020. Isso enquanto acrescentavam mais da mitologia dos gibis dos anos 1990. O arco final, de três episódios – Tolerância é a Extinção – sintetiza tudo isso.

A segunda temporada, que chega agora ao Disney+, aparentemente dá uma pausa nesse caminho. Coloca os nossos heróis perdidos no tempo, com parte dos X-Men indo para o futuro distópico liderado pelo Apocalipse, enquanto o restante vai para o passado, no Antigo Egito, onde o vilão surgiu.

Dos quatro episódios que o JUDÃO assistiu, a década de 90, com suas questões político-sociais, reaparece apenas em um episódio, que tem Cable e Jubileu como protagonistas.

Acontece que X-Men ‘97 engana. O contexto social ainda está lá — afinal, o que leva um homem como En Sabah Nur, um escravizado que conquistou a liberdade e decidiu derrubar um sistema que considera injusto, a se transformar no maior vilão da história? Além disso, mais uma vez, os métodos do Professor X e do Magneto colidem. Vale qualquer coisa pelo futuro da humanidade, com os fins justificando os meios, ou a ética e a correção devem ser a bandeira número um de quem quer um futuro melhor?

Claro que não estamos falando de uma tese de doutorado. Tudo isso continua embalado por cenas de ação empolgantes, daquelas que viviam na mente dos jovens que assistiram ao desenho animado clássico – e que nem sempre correspondiam ao que realmente estava na tela. Agora, correspondem.

É por isso que X-Men continua funcionando depois de mais de três décadas. Porque, por mais que tenha viagem no tempo, genocídio mutante, Apocalipse e tudo mais, nunca deixou de ser uma história sobre pessoas. Se há uma falha, diria que é apenas a conveniência do roteiro. Quando o espectador menos atento já consegue sacar onde tudo vai dar, mas os personagens (teoricamente entre os mais inteligentes de seu universo), não.

Seja como for, uma coisa é certa: o passado pode já estar escrito, mas “não existe destino além daquele que criamos para nós mesmos”. Oops, franquia errada.

Leia também!

Saindo da sessão de Superman, em 2025, o nosso Oda estava muito empolgado com o filme, mas alguma coisa tava faltando. Já em 2026, saindo da sessão de Supergirl, o mesmo Oda finalmente entendeu o que tava faltando pra abraçar de vez o filme do primo e acabar gostando mais desse novo. Sim, ele gostou mais de Supergirl do que Superman e explicou os motivos aqui. Vai lá ler!

Saindo da sessão de Superman, em 2025, eu lembro de estar muito empolgado com os personagens e com a ideia do filme, mas tinha alguma coisa que não tava batendo como deveria. O tempo passou e eu continuei com a mesma impressão, mas ainda sem entender direito o que é que faltava pra mim ali pra achar tudo “redondinho”.

Já em 2026, saindo da sessão de Supergirl, eu acho que finalmente entendi o que tava faltando pra eu abraçar de vez o filme do seu primo e acabar gostando mais desse novo.

Sim, eu gostei mais de Supergirl do que Superman.

Sem rumo na vida

Kara Zor-El, uma das últimas kryptonianas vivas e prima do Kal-El, o Clark Kent, vive sua vida tentando sentir alguma coisa, qualquer coisa. Mesmo depois de conhecer o primo herói e até tentar um pouco essa vida, ela viaja pelo espaço em busca do próximo bar ou da próxima festa sob um sol vermelho, que a deixam vulnerável em todos os sentidos, principalmente o que a permite ficar bêbada.

Quando vê seu único elo emocional com o passado ser ameaçado, porém, ela entra em uma jornada que muda a sua vida. Bonito, né? Pois Supergirl segue uma fórmula bem fechadinha, do tipo que você meio que consegue antecipar o que vai acontecer sem muita dificuldade. Milly Alcock realmente vai muito bem no papel e faz o filme funcionar e mostra como a Kara é diferente do Clark.

Ela não tem rumo na vida, nem um lugar pra chamar de seu porque o que tinha simplesmente deixou de existir. Ela não teve uma criação como a do primo e, ao contrário dele, viu todos a quem amava, o seu mundo (ou o que restou dele) simplesmente desaparecer. Em dado momento, Kara diz abertamente preferir morrer a ser algo grandioso em outro lugar. E isso tudo acaba sendo um problema pro filme, mesmo fazendo sentido com a ideia de ela renegar o destino até perceber que ele já faz parte do que ela já é. Mas, talvez por ser algo meio sombrio pra um filme de gibi colorido, Supergirl acaba não explorando isso mais a fundo.

Comparações são inevitáveis

Peter Safran e James Gunn, chefes do DC Studios, afirmaram durante a divulgação do filme, me deixando pensativo sobre o que exatamente seria mostrado em Supergirl, que “não é mundo DC. É universo DC!”. Isso significava que as histórias do atual DCU não seriam exclusivas ao planeta Terra, algo que devo dizer, é uma ótima idéia e começar isso agora, adaptando o quadrinho Supergirl: A Mulher do Amanhã combinaria bem com o plano.

Só que é inevitável assistir ao filme e até a forma como os planetas são apresentados e não pensar que “isso aí parece meio Guardiões da Galáxia demais”. Alie isso a uma trilha sonora agitada e cheia de músicas licenciadas e essa comparação fica ainda mais evidente, especialmente com James Gunn sendo produtor da coisa toda.

Isso é ruim? Não achei, mas também tira um pouco do frescor que a história da Kara merecia. Os lugares poderiam ser apresentados de maneira diferente, talvez até mesmo pisando forte no acelerador e deixando tudo mais estilizado e próximo dos gibis de Bilquis Evely.

A ideia não se perdeu, mas poderia ter sido melhor desenvolvida nesse quesito. Pelo menos ampliou mais o que pode ser feito e mostrado em outras histórias, como a dos Lanternas Verdes, que chega logo mais ao HBO Max.

Encontrando o seu propósito

Quando saí do cinema, mandei pro Borbs um “Supergirl é melhor que Superman” pois estava realmente EMPOLGADO. Respirando fundo e dando uma acalmada, eu mudo um pouco essa frase pra “Eu gostei mais de Supergirl que de Superman”.

Superman ainda me parece um filme melhor e mais importante, talvez por ser o primeiro longa de um novo universo e servir de maneira excelente pra apresentar aqueles personagens e o que o personagem representa. Ali eu acho ele MUITO legal. Me deu vontade de ver mais daquilo tudo.

Supergirl, provavelmente por ser algo mais “comum”, me agradou como história com começo, meio e fim, mas é isso. Eu não fiquei pensando em como ou o que Kara Zor-El poderia fazer X, Y ou Z no futuro. Acredito que ela possa ser importante em próximos filmes do DCU, eu gostei da Milly Alcock no papel mas, com a cabeça fria, é um filme ok, que me agradou mais que o do primo que é “melhor” e tudo bem. No fim do dia, todo mundo saiu ganhando.

O que mais nos deixou revoltados por aí…

🐺 Jason Momoa como Lobo é uma escalação perfeita. Fico totalmente desgraçado da cabeça ao lembrar que, quando Zack Snyder o chamou para o tal do Snyderverse, o cara tava crente que seria pra esse papel, mas o visionário chegou e “AQUAMAN!”. Aí é foda mesmo.

Leia também!

Filmes não são só filmes. São memória, conforto, um lugar seguro para onde voltamos quando queremos lembrar de quem éramos ou do que sentimos. Se pra você um em específico é só um filme, pra outra pessoa não é.

Talvez seja por isso que passamos horas rolando catálogos de streaming pra escolher rever os mesmos títulos de sempre. Também pode ser por isso que tanta gente tenha medo de revisitar histórias que já pareciam perfeitas.

Toy Story 5 estreou nos cinemas, e o nos pede coragem para colocar nossas memórias em risco, enquanto a Pixar ainda consegue encontrar algo novo para dizer três décadas depois. Leia resenha completa aqui!

Em 1992 o Brasil ganhou sua primeira medalha de Ouro Olímpica no vôlei masculino AND sua primeira Liga Mundial. Além de uma torcida barulhenta, duas coisas marcaram aquela conquista: o “em cima em baixo puxa e vai aiaiai” e uma corneta imparável de Dartagnan Jatobá.

O cara era o maestro: puxava o som, o ginásio inteiro acompanhava e, em algum momento, aqueles jogadores passaram a jogar, como dizem por aí, por música. Literalmente. Deu no que deu.

Depois desses dois jogos do Brasil na Copa de 2026, ficou claro: tá faltando algo assim nos jogos da Seleção...

Previously…

Além das edições gratuitas que publicamos semanalmente no JUDÃO, com resenhas, resgates de arquivo e outras coisinhas, toda sexta-feira a gente envia uma edição semanal exclusiva para assinantes -- essa mesma que você está lendo agora, que dessa vez está aberta pra todo mundo. Na última edição, o Renan trouxe uma entrevista com a produtora-executiva de Toy Story 5, contando os detalhes da história do novo filme, desde onde veio a ideia inicial até onde ela nos levaria. Ficou bem legal e vocês deviam ler aqui. :)

Além disso, ele também escreveu sobre o filme específicamente, depois de assistir e aparentemente bateu. 30 anos depois do original, a Pixar conseguiu encontrar algo sobre o que falar e… bateu. Leia o texto completo aqui!

“Agita, cuzão! É jogo da Seleção!”

Michel Nkuka Mboladinga é congolês e ficou famoso no mundo do futebol durante a última edição da Copa Africana de Nações por assistir aos jogos da República Democrática do Congo completamente imóvel como uma estátua -- a estátua de Patrice Mulumba, símbolo da independência do país nos anos 60. Durante os 90 minutos do jogo, isso é tudo o que esse Sapeur1 faz: sobe no seu pedestalzinho e, independente do que estiver acontecendo dentro do campo, personifica o símbolo de todo um povo nas arquibancadas, sem baixar a mão direita, sem dizer uma palavra ou mudar a expressão no seu rosto.

É algo tão poderoso que, pra essa Copa do Mundo, os jogadores da seleção da RD Congo pediram que ele fosse incluído na delegação oficial, com medo de ele não conseguir entrar nos EUA por conta das restrições sanitárias relacionadas ao Ebola ou algo pior. Eles não o ouvem e nem o vêem, mas saber que ele está lá e isso os lembra do porque estão ali. Pra quem estão jogando.

A seleção da República Democrática do Congo (que a gente sempre reforça que é democrática porque existe uma outra que eu não sei se é democrática, mas não tem isso no nome) não vão muito longe na Copa do México 26 por uma série de razões, mas entrega não será uma delas, muito menos a conexão que tem com o povo, nas arquibancadas, nas suas casas ou no miolo de uma fanfest em Lisboa. Para o desenvolvimento desse texto, vou chamar isso de carisma.

Carisma este que, quando falamos sobre a seleção Brasileira, não existe -- nem da instituição, nem da equipe e ainda menos dos jogadores. Sequer temos um doido que imite galinhas e essa seja sua característica mais marcante. Talvez o jovem Endrick chegue perto de algo assim, mas aparentemente é justamente o fato de ser um pouco indomável que o deixa colado no banco de reservas. Se quiser, até dá pra aceitar o Neymar, goste ou não, como alguém carismático. Mas... né?

Até o Canarinho Pistola perdeu sua a graça, bem ele que só virou o que virou por conta do carisma.

Torcida de arquibancada a Seleção também não tem. Primeiro porque ir ao estádio implica no ato de torcer, não de ser um mero espectador. Se aquelas onze (ou menos) pessoas que estiverem em campo usando roupas parecidas com as suas derem algum tipo de espetáculo, parabéns! Mas o que importa é torcer. Gritar, cantar, empurrar, independente do resultado, independente de sol, de chuva, de qualquer coisa.

Ir a um estádio de futebol é uma questão de pertencimento, de estar entre os seus. Assistir a um jogo, esperando conforto e show, é algo completamente diferente e deve ser feito dentro de casa ou em qualquer outro lugar fora dali.

O nome disso é cultura de estádio. Ela precisa ser fomentada semana após semana, conectando times a pessoas, pessoas a pessoas, pessoas a jogadores, até que tudo seja uma coisa só, até que se sinta parte de tudo aquilo. E se em jogos de seleção isso é impossível, que seja usado o que se tem: o poropopó dos Corinthianos, os “Cazá! Cazá!” do Sport e do Vasco, daquela versão de Brasília Amarela do Inter e do Flamengo; músicas aleatórias, da mesma maneira que os Mexicanos cantam Cielito Lindo, os ingleses se empolgaram com Wonderwall e boa parte do mundo canta junto com Seven Nation Army... pô, a torcida do Fluminense se une pra cantar em uníssono uma em homenagem ao Papa João Paulo II, que não chega nem perto de falar qualquer coisa de futebol, mas os conecta de um jeito absolutamente único. E sei lá, não é como se faltasse música no Brasil. Sambas de Enredo... imagina um EVIDÊNCIAS cantado por dezenas de milhares de pessoas?

No jogo da NFL aconteceu. Por que não no jogo da seleção na Copa?

Nesse ponto, somos, além de vítimas da FIFA e seus padrões que colocam os preços na Lua, todos reféns daquela pseudo-torcida organizada que resolve se focar apenas em conquistas, ignorando toda a história recheada da amarelinha, e o máximo que consegue é emplacar uma música no comercial do iFood. Uma galera que se preocupa mais com onde as seleções Brasileiras vão levá-las ao invés de onde podem levar essas seleções.

A situação tá tão carismaticamente complicada que ao invés de uns “Vai Brasil dá um show / mete a bola na rede / e mata minha sede de gol / Mais um! Mais um!” por uma versão ainda mais dramática de Sangrando, do Gonzaguinha; um dos poucos jingles mais originais virou ASMR, teatro, instrumental clássico e Kpop (via IA). Não que se deva esperar muita coisa de publicidade, mas como dizem por aí... a gente costumava ser um País. Hoje em dia a gente tem objetivos baseados KPIs, ERs... e hexa. Só se fala no hexa. Dependendo do lugar de estádio, se fala de penta. Mas são números. Hoje temos um que nos difere do resto, mas daqui a pouco nem isso pode existir mais. Daqui um mês.

Enquanto Corinthiano, sei que torcida ganha jogo. Muitas vezes o time não é o melhor, posição por posição, elenco por elenco, mas ainda assim vence jogo -- o que aconteceu na campanha do Brasileirão de 2024, na final do Paulistão de 2025 e, depois, na Copa do Brasil, eu jamais vou me esquecer onde estava, o que fazia, o que falava. E pra mim a conquista do hexa passa por aí.

Me dói demais dizer e, pior ainda, pensar, mas... talvez o estádio devesse voltar a dizer que é “Brasileiro com muito orgulho, com muito amor”, pra ver se alguma coisa começa a se conectar.

Em 2024, Quentin Tarantino afirmou que se recusava a assistir a Toy Story 4. “Sou um grande fã da trilogia Toy Story”, disse o cineasta ao podcast Club Random. “O terceiro filme é simplesmente magnífico. É um dos melhores que já vi. E se você viu os outros dois, é devastador. Mas o problema é que, três anos depois, ou algo assim, fizeram um quarto. Não tenho a menor vontade de vê-lo. Você literalmente encerrou a história da forma mais perfeita possível, então não, não me importo se é bom ou não.”

Se eu tivesse o Tarantino no ZAP, certamente mandaria um “Calma, Taranta”. E continuaria: “Não só assista a Toy Story 4, mas também não perca Toy Story 5, que estreia nos cinemas neste fim de semana”.

Eu entendo ele. Quando assistimos a um filme que nos marca, ele fica em nossa memória. Vira um lugar bom, para o qual sempre queremos voltar. É como um afago: a nostalgia de tempos que não voltam mais, cristalizados em nossa memória como melhores do que talvez realmente tenham sido. Se você está lendo esta newsletter, certamente tem uma relação assim com o primeiro Toy Story, de 1995. Eu, por exemplo, não vi no cinema. Assisti em casa, direto da fita VHS verde, ao lado da minha mãe.

Mais do que um longa-metragem inovador para a sua época, a trilogia original foi muito bem desenvolvida, com um terceiro filme que encerra a trajetória de Andy, em um paralelo com quem cresceu assistindo às peripécias de Woody, Buzz e dos outros brinquedos. Você ri, chora, se emociona. E se lembra exatamente de quem era quando assistiu a tudo isso pela primeira vez.

Depois, vem o medo do novo. A preocupação em encontrar algo que te frustre, que estrague aquelas memórias guardadas na cristaleira da sala da sua mente. É por isso que, muitas vezes, fugimos de ver algo pela primeira vez e rolamos por horas e horas no catálogo do streaming para voltar aos mesmos títulos de sempre. Enquanto a nostalgia traz conforto, o desconhecido traz ansiedade.

Talvez eu concordasse com Tarantino, evitando Toy Story 4 a todo o custo. Contudo, inclusive por obrigações profissionais, resolvi botar minhas lembranças em risco e foi uma grata surpresa. Não porque o quarto filme tenta lidar novamente com o que os outros três fizeram, mas sim porque anda para frente. Andy já cresceu, agora temos a menina Bonnie e os brinquedos do quarto lidando com uma nova geração, uma nova dinâmica.

Toy Story 5 vai além. Não só porque finalmente lida com um fenômeno que vemos todos os dias – que é o impacto da tecnologia na vida das crianças, algo sobre o qual falamos aqui no JUDÃO na semana passada. É porque a história é também sobre a Jessie.

Apresentada em Toy Story 2, a bonequinha de pano nunca teve muito espaço depois disso. Agora, Buzz e (principalmente) Woody deixam o centro do palco para ela, permitindo que o público conheça melhor quem Jessie realmente é. A vaqueira se torna o coração do roteiro enquanto parte pelo mundo para salvar Bonnie dos perigos das telas e para finalmente construir uma amizade. Conhecemos melhor suas forças, seus medos e suas motivações ao longo dessa jornada.

E como brilha essa vaqueira, muito mais do que a estrela de xerife que agora carrega no peito.

Toy Story 5 não está no mesmo nível do terceiro ou do quarto. E tudo bem. O importante é que o roteiro não só adiciona novas camadas ao segundo longa da franquia, como também apresenta um final que dialoga muito com quem viu o original, como o Tarantino.

Eu chorei na última cena, ao pensar sobre legado, vida e quem sou. E pela coragem de colocar em risco a minha cristaleira de memórias para ter a chance de guardar mais uma dentro dela.

Coragem, Tarantino. Coragem, leitor. Vale a pena.

O que mais visitamos por aí…

🤠 Em tempos de inteligência artificial, é reconfortante visitar a exposição Toy Story ao Infinito e Além, que está rolando no Shopping Cidade São Paulo, em São Paulo, e comemora os 30 anos da franquia.

Para quem procura momentos instagramáveis, é perfeito. Dá para tirar fotos com estátuas gigantes de Woody, Buzz e outros personagens, além de interagir com ativações. Mas, como eu sei que você não é (só) disso, há um outro olhar.

É que a exposição não só destaca a história da Pixar e a importância de Toy Story para o estúdio, como apresenta muito do processo criativo para a criação dos filmes. Antes da computação gráfica, houve muito papel e caneta. Depois, muita experimentação, inovação e o uso do computador não no piloto automático, mas como uma extensão das mãos.

A exposição fica aberta de terça a domingo, e os ingressos custam R$ 50 (R$ 25 a meia).

Leia também!

Agora que Toy Story 5 estreou, e com Copa do Mundo rolando, talvez seja um pouco menos tranquilo encontrar uma boa sessão para assistir à Dia D, mas aqui nesse texto escrevemos sobre os motivos pelos quais você deveria assistir ao filme nos cinemas. Tá aqui o texto!

Lindsey Collins, produtora executiva do filme e vice-presidente sênior de desenvolvimento do estúdio, esteve em São Paulo e conversou com o JUDÃO sobre detalhes importantes da nova aventura: desta vez, o maior inimigo dos brinquedos não é crescer. É uma infância que talvez esteja acabando rápido demais, ameaçada por um objeto que temos na mão ou alcance dela o tempo todo.

Previously…

Além das edições gratuitas que publicamos semanalmente no JUDÃO, com resenhas, resgates de arquivo e outras coisinhas, toda sexta-feira a gente envia uma edição semanal exclusiva para assinantes -- essa mesma que você está lendo agora. Na semana passada, o Borbs puxou a cordinha pra descer desse bonde aparentemente sem freio e indo de encontro a um vazio que são as IAs generativas. Afinal de conta, se eles agora querem decidir até com quem a gente se relaciona…

Além disso, também gravamos um podcast (você ouviu? Vem ouvir e dizer pra gente o que achou, pra gente gravar mais!) e escrevemos sobre Dia D, o novo filme do Spielberg, e o novo FIFA, que saiu na Netflix e é bem qualquer coisa. Tá aqui os textos dos dois, ó!

Toy Story 5 é uma carta de amor ao tédio e à imaginação

por Renan Martins Frade

Talvez você não saiba, mas Toy Story 5, que estreia nos cinemas brasileiros na próxima quinta, 18, está intimamente ligado ao celular que você tem em mãos.

Em 1986, Steve Jobs se envolveu com um ainda incipiente departamento da Lucasfilm, chamado Graphics Group, que estava se tornando um estúdio de animação por seu próprio direito, sob a liderança criativa de Ed Catmull e John Lasseter. Esse estúdio é popularmente conhecido hoje como Pixar, do qual o fundador da Apple foi presidente do conselho e principal acionista até 2006.

Pouco depois, em 2007, o mesmo Jobs revelou ao mundo o primeiro iPhone. Além de decretar o fim de Nokia a BlackBerry, aquela demonstração mudou para sempre como interagimos com dispositivos portáteis, fazendo com que o Google recalculasse a rota daquilo que viria a ser o sistema operacional Android.

Agora essa história volta a se conectar. Não porque Toy Story 5 faz uma homenagem a esse começo, mas porque o filme aborda um dos grandes problemas da humanidade hoje: a dependência excessiva de telas, com impactos ainda maiores nas crianças. Um enredo que teve a sua semente plantada justamente em 2007.

“Quando pensamos em Toy Story, sempre tentamos nos colocar no lugar dos brinquedos e perguntar com o que as crianças estão lidando hoje”, comentou Lindsay Collins, produtora executiva do novo longa da franquia e vice-presidente sênior de desenvolvimento do estúdio. “As crianças estão lidando com a tecnologia. Essa é a realidade do mundo em que elas estão crescendo, e os brinquedos também teriam de lidar com isso.”

Em uma entrevista para a imprensa brasileira, realizada em Maio em São Paulo, que contou com a presença do JUDÃO, Collins compartilhou um pouco do processo de criação do filme e de como a equipe chegou ao seu tema central. “Partimos primeiro da realidade. Não estávamos pensando em passar uma mensagem. Estávamos tentando retratar como é o quarto de uma criança hoje.”

É assim que reencontramos Bonnie, que assumiu o lugar de Andy como o dono de Woody, Buzz e companhia no fim de Toy Story 3. Agora com cerca de nove anos de idade, ela é uma criança alegre e criativa, mas não tem amigos. Todo mundo da sua idade está com os olhos vidrados em tablets e celulares.

“Se fizéssemos outro Toy Story sem reconhecer que a tecnologia entrou na história, estaríamos ignorando a realidade.”

Read more

Agora, se futebol não é só futebol... o novo FIFA (o oficial, no caso) é só mais um jogo totalmente licenciado, mas bem qualquer coisa. Talvez valha mesmo a pena assistir a um República Democrática do Congo VS. Uzbequistão (é no dia 27, às 20h30). :P

Nesta edição!

• O novo filme de Steven Spielberg

• O novo FIFA que você joga na Netflix (!)

Um filme de Steven Spielberg que não é como os filmes de Steven Spielberg que estamos acostumados

por Renan Martins Frade

Considerado o maior cineasta da história, virou um clichê aclamar Steven Spielberg. Em qualquer lugar, o seu nome atrelado a uma produção é por si só um selo de qualidade, um argumento de venda.

Lembro bem quando tive o primeiro contato com a sua obra. Foi com E.T.: O Extraterrestre. Tubarão veio pouco depois. Influenciado pela minha mãe, que já adorava o trabalho do cara, fui entendendo quem estava ali do lado de trás da câmera. Aí chegou Jurassic Park. Não que precisasse de muito mais, mas Spielberg entrou tranquilamente no meu panteão pessoal da sétima arte.

Acontece que, naquela época, eu enxergava apenas a superfície. Tinha pena daquele alienígena que poderia ser meu amigo. Medo daquele tubarão ameaçador. Delirei ao ver os dinossauros rugindo para além da tela. Mas aquelas eram obras muito maiores e mais profundas do que pareciam à primeira vista.

Nesta semana, estreia nos cinemas brasileiros o novo longa-metragem de Steven Spielberg, Dia D – em uma péssima adaptação do título original, Disclosure Day (”Dia da Revelação”, em tradução livre). E, como acontece com os melhores filmes do cineasta, existe muito mais aqui do que o olhar inicial sugere.

Quem olhar só para o pôster, ou para o trailer, com o nome “Steven Spielberg” escrito em letras garrafais, já pode dizer que gostou, mesmo que não entenda muita coisa. Poucos sabem contar uma história visual neste nível. Sem falar que este é um daqueles roteiros que vai se revelando aos poucos, como uma cebola, em uma mistura de ação e suspense que te joga no meio da confusão e vai te guiando até achar um rumo.

O roteiro, assinado por Spielberg e David Koepp (que também escreveu Jurassic Park), mostra suas intenções aos poucos. A história é sobre Daniel Kellner (Josh O’Connor, de Vivo ou Morto: Um Mistério Knives Out) e Margaret Fairchild (Emily Blunt). Eles não se conhecem, mas, de repente, suas vidas ficam conectadas por uma conspiração para manter oculta a existência de alienígenas num mundo que não é exatamente o nosso, mas estamos quase lá — há grandes guerras acontecendo, e esses conflitos estão gerando tensão em todo o globo. Existe medo. Polarização. Um conflito nuclear iminente. Caos.. Jogando com as peças do tabuleiro, e influenciando nas ações dos dois protagonistas, estão Noah (Colin Firth) e Hugo (Colman Domingo).

Spielberg sempre foi alguém fascinado pela vida extraterrestre — além de E.T., ele assinou Contatos Imediatos do Terceiro Grau, Guerra dos Mundos e, se quiser dar uma forçada, Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal —, mas nenhum desses filmes é sobre os aliens. São sobre a gente. E é aí que a cebola de Dia D se abre. O diretor até faz uma forcinha para ajudar nessa compreensão com Jane (Eve Hewson, de Ponte dos Espiões), uma ex-noviça católica que perdeu suas convicções, mas não a fé, criando um paralelo entre a personagem de Emily Blunt e aquilo que o mundo necessita justamente nas mãos de Jane.

Ainda que seja conduzido por um mestre do estilo, o longa tem suas derrapadas. Chega a surpreender que algumas cenas com CGI não tão bom estejam em uma obra de Spielberg e, em determinados momentos, o diretor se deixa levar por uma pieguice que surpreende até para os seus padrões. Em outros, revela a inocência de alguém que talvez ainda não tenha percebido a pulverização da atenção no mundo de hoje e que ainda espera que, lá no fundo, exista algo bom em todos nós.

Se, ao final dessa jornada, você não tiver saído da superfície, talvez fique frustrado. Mas, se conseguiu se aprofundar na mensagem, vai perceber que Dia D nunca esconde o que quer dizer. A resposta não está guardada para a última cena, nem para uma grande revelação. Ela aparece aos poucos, camada após camada, para quem estiver disposto a descascá-las.

O que mais jogamos por aí…

⚽ O novo FIFA está entre nós. Depois de encerrar o casamento de décadas com a EA, a entidade máxima do futebol fechou um acordo de licenciamento com a Netflix (!) e assim nasceu FIFA World Cup: Launch Edition, já disponível no serviço de streaming, na aba Jogos do aplicativo para TVs e também via navegador no computador.

Quando tudo começa, a primeira impressão é até boa. Criado com base na Unreal Engine, o game não tem a pretensão de ser um título AAA. Ainda assim, é surpreendente ver tudo aparecer na tela quase de forma instantânea. Os gráficos lembram a geração Xbox 360 / PlayStation 3, mas com uma iluminação melhorada, o que é um bom resultado para um título que pode rodar em praticamente qualquer TV compatível com a versãoatual do aplicativo da Netflix.

Você também não precisa de um joystick. É possível usar o próprio celular como controle. Há um certo delay, mas, considerando toda a infraestrutura necessária para colocar algo assim de pé, não chega a comprometer a experiência.

Além disso, com o licenciamento em dia, o jogo traz as 48 seleções que disputarão a Copa do Mundo, com elencos atualizados – lembrando que o EAFC 26 só adicionou a Seleção Brasileira recentemente. Pra completar, as partidas contam com toda a identidade visual do torneio que começou hoje. O clima funciona muito bem, e dá para disputar a competição inteira em vários estádios diferentes.

As boas notícias acabam aí.

A inteligência artificial dos adversários é horrível, quase uma piada – e não há qualquer opção para aumentar a dificuldade. E isso nem é o pior. Em vez de ir no básico e trazer botões tradicionais para o controle via celular, o novo FIFA aposta em comandos por gestos na tela. Além de ser impossível decorar todos eles, mesmo quando você consegue, nada garante que o jogo vá interpretar corretamente o que foi desenhado com os dedos.

Em um jogo que exige precisão, isso se torna extremamente frustrante.

O trabalho de localização é outro que fica devendo. Há narração em português, mas ela soa artificial o tempo todo. O áudio também sofre com problemas de concatenação: em várias situações, o nome de um jogador ou de um país aparece encaixado no meio da frase de forma totalmente deslocada. Pra piorar, há alguns erros crassos na pronúncia de alguns nomes.

Tudo isso faz com que FIFA World Cup: Launch Edition não seja um passatempo digno do nosso tempo, nem da franquia que a EA construiu – que, apesar de seus problemas, nunca entregou algo tão frustrante.

Vamos torcer para que, até 2030, eles consigam ao menos encontrar a bola em campo.

Leia também!

EMBUÍDOS do espírito da Copa do Mundo, assistimos e escrevemos sobre Brasil 70: A Saga do Tri, a série sobre a conquista do tricampeonato da Copa do Mundo em 1970 que joga bonito, tecnicamente muito bem… mas não encanta mesmo assim.

Também entramos no HYPE e assistimos e escrevemos sobre um dos fenômenos desse ano, Backroom, um terror ATMOSFÉRICO que funciona não apenas por ser diferente, mas também por permanecer aberto a interpretações.

Os dois textos estão exatamente aqui, vai lá ler!

No anúncio do retorno deste JUDÃO ouvimos pedidos e questionamentos e deixamos claro que iria acontecer, só não naquele momento. Quando porém, não sabíamos. Até agora.

Resolvemos aproveitar este momento mais do que propício de lançamento de qualquer coisa pra gravar um episódio PILOTO que começa com a gay do OVNI e termina com Copa do Mundo. Como chegamos de um lugar a outro cabe a você ouvir.

Read more

No texto, ele citou por exemplo o filme 2 Coelhos, que era cheio dos efeitos especiais e serviu pra mostrar ao mercado o que aquela galera poderia fazer. Ninguém pode questionar o que a O2 Filmes consegue realizar, mas eles resolveram mostrar ainda mais o seu poder com Brasil 70, em específico, com os jogos e os estádios — todos gravados no Estádio Niterói, em Carapicuíba (SP).

A quem interessar possa, existe um making of mostrando como tudo foi feito no serviço de streaming. E vale a pena, pra quem gosta de ver como as coisas são feitas.

Quanto ao roteiro, história e atuações, bem… aí vocês podem ler o texto do Renan aí embaixo. ;)

Nesta edição!

• Jogar bonito não ganha jogo, como mostra a minissérie Brasil 70

• Backrooms, o não-filme baseado numa ideia surgida no 4Chan

Rodrigo Santoro salva Brasil 70 do empate

por Renan Martins Frade

Dramas esportivos são complicados. De alguma forma, precisam respeitar os acontecimentos reais ao mesmo tempo que precisam estar à altura da memória coletiva sobre o que ocorreu e sobre quem eram aquelas pessoas — algo que nem sempre corresponde à realidade. Por fim, é necessário criar conflitos que movimentem a narrativa e a encaixem dentro das fórmulas da ficção. E tudo isso depende de atuações convincentes pra dar certo.

Brasil 70: A Saga do Tri se perde entre todos esses objetivos.

Como recriação de época, a minissérie é quase perfeita. Uniformes, carros, objetos de cena e boa parte dos cenários estão impecáveis. A caracterização do elenco funciona muito bem, e a escolha de atores com experiência no futebol ajuda na recriação das jogadas mais importantes da Copa do Mundo do México. Até aí, porém, isso renderia um ótimo documentário.

O problema é que falta liga aos conflitos escolhidos para mover os personagens, especialmente aqueles envolvendo o próprio Pelé. Em parte por causa do roteiro, mas também pelas atuações.

A opção por privilegiar atributos físicos em detrimento da capacidade dramática cobra seu preço. O principal sintoma está justamente em Pelé. Lucas Agrícola se esforça, mas entrega pouco nesse aspecto. Curiosamente, a interpretação quase dá a volta: a inexperiência do ator acaba lembrando a forma engessada como o Rei costumava se expressar em público. Ainda assim, o resultado se aproxima mais da imitação do que da construção de personagem.

O que Brasil 70 acerta em cheio é a escalação de Rodrigo Santoro como João Saldanha, o jornalista que treinou a Seleção até poucos meses antes da Copa, montou a base do time campeão e acabou demitido por não abaixar a cabeça ao ditador de plantão em Brasília. Santoro entrega a força necessária ao personagem, e o roteiro consegue incorporar diversos acontecimentos reais da trajetória de João Sem Medo, como o episódio em que aproveita o sorteio dos grupos, no México, para entregar um dossiê com três mil nomes de presos políticos e denúncias de tortura e assassinatos cometidos pelo regime.

Tudo isso perde força, porém, porque Zagallo, que deveria funcionar como seu contraponto e antagonista, acaba diluído por uma representação que flerta com o humor. Não é uma falha de Bruno Mazzeo, que interpreta o técnico do tri. A própria escolha do ator para o papel já é um sintoma dessa abordagem.

Brasil 70: A Saga do Tri é um bom passatempo para entrar no clima da Copa do Mundo deste ano enquanto conhece – ou relembra – a nossa história nos gramados do mundo. Mas, se você quiser magia de verdade…

O que mais vimos por aí…

🚪 Backrooms: Um Não-Lugar talvez seja um “não-filme”. No bom sentido. Tudo começou com os backrooms, conceito surgido no 4Chan em 2019 que inspirou o youtuber Kane Parsons a criar uma série de vídeos virais. A A24 viu potencial na ideia e convidou o jovem diretor – hoje com apenas 20 anos – para comandar uma versão em longa-metragem. E assim chegamos ao filme que agora está em cartaz nos cinemas brasileiros.

O que chama a atenção é a forma como Parsons transforma aquelas salas estranhas, acarpetadas e iluminadas por uma luz fluorescente pálida em uma manifestação concreta de nossas mentes fraturadas, da solidão e da maneira como a memória registra os cenários de nossas vidas de forma fragmentada e muitas vezes sem sentido.

O personagem principal, Clark (Chiwetel Ejiofor), é o nosso guia por esse mergulho em recintos intermináveis e em como tudo aquilo reflete os conflitos dentro de sua própria mente. Já Mary (Renate Reinsve) é a terapeuta que tenta resgatar seu paciente daquele labirinto, tanto metafórica quanto literalmente. Mas há um limite para sua atuação: o verdadeiro monstro na sala.

Backrooms é um terror atmosférico que funciona não apenas por ser diferente, mas também por permanecer aberto a interpretações. Cada espectador projeta suas próprias experiências naquilo que vê, assim como acontece com as imagens que deram origem ao fenômeno. Por isso, tudo perde força no último ato, quando Parsons tenta oferecer alguma explicação para aqueles fenômenos. Não precisava.

Se esse final te incomodar, o próprio filme sugere uma alternativa: relembre o que viu de outra forma. Só não é muito saudável…

Leia também!

Semana passa publicamos também uma resenha feat. reflexão sobre o que fizeram e estão fazendo com o Star Wars desde de 2012 a partir da estreia de O Mandaloriano e Grogu. Já leu? Se não leu, vai lá ler!

Pra trás do que, exatamente? E a ia chegou onde, especificamente? Porque um dos últimos efeitos dessa história é tirar a opção de arrastar pra direita ou pra direita e trocar por um agente de IA que vai fazer os matches por você, baseado numa lista de coisas que você quer e espera. Ok que o swipe não é das melhores ideias realmente, mas deixar uma parte da sua vida, da sua humanidade, nas mãos de um robô é, acima de tudo, perigoso.

Você pode nunca receber um convite pra uma suruba porque um robô não vai deixar

por Thiago Borbolla

Ficar desempregado involuntariamente é horrível. Começa no momento em que alguém te comunica que, a partir de agora, você não tem mais um salário pra receber no fim do mês. Se for PJ, então, pior ainda, porque você perde toda e qualquer segurança que tinha pra absolutamente tudo -- comer, cuidar da saúde, se divertir e até mesmo trabalhar. O mundo desaparece sob seus pés e, se você for por portador de CID F41, você cai num buraco negro.

Mais ruim que tudo isso, porém, é ter de procurar um emprego. Lida-se com toda a insegurança e ansiedade do desemprego enquanto é preciso muitas vezes se humilhar, a começar do fato que de repente o LinkedIn se torna a rede social que você mais acessa. Tantas notificações, tantos textos errados, um clima insuportável que é bem rápido perceber que sim, Instagram, Facebook e X são toxicos, mas não chegam aos pés daquele umbral que conecta num mesmo lugar o pior da humanidade.

Piora, claro. Entre as muitas vagas que você encontra por lá, um número bastante elevado exige que se faça uma série de dinâmicas que automaticamente colocam um questionamento muito válido de que se tudo aquilo vale a pena. Testes de lógica, testes de escrita, gravação de vídeos em formatos específicos... e IA. Porque existe sim muito poço pra se afundar.

Absolutamente todas essas dinâmicas, hoje em dia, são avaliadas por um agente de IA. Não sei exatamente o que elas estão programadas pra buscar, mas definitivamente não é o que se tem pra entregar e que muito provavelmente seria de fato uma boa adição aos quadros daquela empresa. Até inventaram o termo ATS (Applicant Tracking System) para a criação e leitura automatizada de currículos, que parece que funcionam na base do SEO. Não existe mais alguém que bata o olho na lista de coisas que você já realizou profissionalmente e se interesse por algo; hoje existe uma IA programada pra encontrar palavras-chave dentro de um formato pré-definido e azar de quem não souber fazer isso. Azar de quem não tiver grana pra pagar uma outra IA que possa fazer isso -- o que, é bom que se diga, não garante absolutamente nada, também.

Outro dia apareceu na minha caixa de entrada um e-mail com o título “Você foi recomendado para a vaga Chef Executivo | Presencial (São Paulo - SP) 🚀”, enviado por uma dessas plataformas onde ser humanos profissionais são colocados pra serem obliterados. “Seu perfil encontrado no banco de talentos é compatível com uma vaga aberta no(a) XXXX”. Não posso negar que meu arroz é o melhor arroz do mundo. Ou melhor, os dois melhores do mundo, porque a versão de microondas também é ótima. Meus mistos-quentes e meus baurus são dignos de canções. Mas, no geral, eu não faço muita coisa além de colocar suprimentos pré-preparados numa AirFryer. E, também sem medo de errar, posso afirmar que meu currículo lista principalmente minhas experiências como jornalista e publicitário, com texto em específico.

É tudo tão ruim, tão torto, tão desgraçado, que estamos sendo contratados por geradores de lero-lero. Um pega tudo o que você fez e organiza direitinho pra outra aceitar. É só no final que surge alguém pra filtrar ainda mais o que já foi filtrado, depois que muita gente foi completamente amassada, moída e remoída, no processo.

Verdade seja dita, porém, a gente pode viver sem trabalho. Fomos desenhados biologiamente pra ficar pegando frutinhas em árvores e brincando com cachorros, não pra pagar a próxima viagem pro Guarujá ou Europa de alguém que se coloca numa posição do que acredita ser de elite. Não nascemos pra lotar um escritório de gente mal paga e sem nenhum direito trabalhista só porque uma pseudo-hippie gosta ver aquele lugar, que ela paga pra satisfazer a ela mesma, cheio de gente. Não viemos a esse mundo pra sermos publicitários e o tempo todo tentar vender algum produto que ninguém precisa, em momentos inoportunos. Pra ver doido dançar enquanto anuncia Bet e desgraça a cabeça de tanta gente.

A gente tá aqui pelo amor. Pelo toque na pele um do outro, pra ouvir a voz no ouvido, pra derreter com sorrisos e em risos. Pra ver olhos brilhando, pra caminhar juntos. Seja romanticamente, fraternalmente ou como amizade, estamos aqui pra não estarmos sozinhos. Pra compartilhar emoções, experiências... e até isso estão querendo tirar da gente.

Read more

Em uma galáxia muito distante, num mundo dominado por mulheres femistas, Sacha Baron Cohen acorda em Primeiro as Damas, nova comédia da Netflix baseada em um filme francês de 2018 (que também está no streaming). A premissa parece daquelas perfeitas para o cinema esfregar verdades desconfortáveis na cara dos homens, mas revela algo ainda mais estranho sobre a forma como a própria sociedade imagina mulheres no poder.

Nesta edição!

• Mandaloriano, Grogu e o cansaço da Força

• Sacha Baron Cohen não é um Homem Fácil

Mandaloriano, Grogu e o peso de existir para sempre

por Renan Martins Frade

No fim dos anos 1970, um jornal publicou uma ANEDOTA. Nela, um homem está sentado em um banco de praça, lendo jornal, quando outro se aproxima, senta ao lado dele e pergunta: “você já viu Star Wars?”. “Não”, responde o primeiro. O segundo então tira uma arma do casaco, aponta para ele e atira. “Pronto”, diz em seguida. “Agora sou o único no mundo que não assistiu a esse filme!”

Muita coisa aconteceu desde então, principalmente depois que George Lucas assinou os papéis de venda da franquia para a Disney, fazendo aquelas fotos ao lado do Mickey com uma cara de quem estava muito feliz por estar ali naquele momento.

É assim que chegamos a O Mandaloriano e Grogu, que estreou nos cinemas no fim de semana passado. Foi a pior abertura da saga em toda a história, com “apenas” US$ 167 milhões arrecadados. O recorde anterior era de Han Solo: Uma História Star Wars, com US$ 168 milhões no primeiro fim de semana. Mais do que números, isso mostra que o público não se empolgou.

Antes que alguém aponte o dedo, a culpa não é de Grogu. The Child, Baby Yoda ou como preferir chamar, carrega boa parte do filme nas costas. Também não é do diretor John Favreau, que conseguiu um dos poucos pontos de verdadeiro frescor nessa retomada de Star Wars na Era Disney, trazendo personagens cativantes e criando um universo que faz sentido de ser assistido de forma serializada. A culpa é mesmo do estúdio. Sem saber qual rumo seguir nos cinemas, e sem nada novo desde 2019, a Lucasfilm resolveu que era hora de alçar o Mando e seu pequeno protegido à tela grande.

Claramente, Favreau trabalhou com o que tinha. A história do filme passa a sensação de colagem de episódios pensados para fazerem parte de uma temporada de The Mandalorian. Ainda assim, o diretor se empenha em justificar a nova escala – tem IMAX, cenas de perseguição de tirar o fôlego, momentos fofos e empolgantes, tudo para criar um evento que justifique uma pausa no Disney+ ou (tentar) largar o TikTok por duas horas para ir ao cinema.

Enquanto isso, o diretor teve que lidar com a necessidade de apelar para um público maior do que o da própria série. Em parte, deu certo. Você “só” precisa ter assistido à trilogia clássica de Star Wars, entender o contexto da Nova República, saber que o tal do Baby Yoda existe e que o Mandaloriano é um ex-caçador de recompensas à serviço do novo governo. “Só”.

Tudo isso embalado por uma trilha sonora – assinada por Ludwig Göransson, que já tem três Oscars na estante – que simplesmente não deixa a história respirar, disputando a atenção com o que está na tela. Tem horas que o silêncio é o melhor caminho.

O resultado não é de todo ruim como parte da crítica faz parecer. O filme diverte, arranca suspiros e funciona como uma aventura. Perfeito para uma Sessão da Tarde, ou para assistir em família, com as crianças — e nem dá para julgar, já que até o próprio George Lucas se rendeu a isso. Como esquecer os Ewoks?

Do ponto de vista comercial, também faz sentido. O novo filme converge as iniciativas de cinema e streaming em uma só, usando a telona para divulgar o que tem no Disney+ e o público da plataforma como uma base de fãs para alavancar o longa. Fica bonito na apresentação para os investidores e, mesmo que o resultado financeiro não acompanhe, a empresa certamente vai divulgar aos quatro ventos o “recorde de audiência” quando a produção estrear no serviço de vídeo.

Só que, a essa altura, Star Wars merece mais. Na tela grande, a franquia já não parece o Grogu, cheia de vitalidade e, literalmente, força. Ela se parece mais com aquele moleque que foi impactado em 1977, ou que cresceu assistindo às reprises na TV nos anos 1980 e 1990, agora já cansado e preso à própria nostalgia.

Nos últimos anos, muitos projetos morreram pelos corredores da Lucasfilm, abandonados no que o mercado chama de “development hell”. O Mickey e a então presidente da divisão, Kathleen Kennedy também pareciam cansados.

Desde Janeiro o estúdio tem uma nova liderança, Dave Filoni (criador das Guerras Clônicas e Star Wars Rebels, entre várias outras séries) e Lynwen Brennan, agora co-presidentes. A missão? Transformar Star Wars em uma saga que realmente empolgante para o século XXI.

Não queria estar no lugar deles.

Em Primeiro as Damas, Sacha Baron Cohen não é um homem fácil

por Renan Martins Frade

Eu não sei vocês, mas, ao pensar em um mundo dominado pelas mulheres, só consigo imaginar algo melhor do que este em que vivemos. Pelo visto, não é bem assim em Primeiro as Damas, filme que acabou de estrear na Netflix.

Nele, Sacha Baron Cohen (Borat) vive um diretor de agência de publicidade misógino (o que é quase um pleonasmo) que se vê obrigado a lidar com a pressão pela diversidade. Depois de bater a cabeça, ele acorda em um mundo onde as mulheres dominam e são femistas (essa palavra não está no dicionário, mas o significado está para as mulheres assim como o machismo está para os homens). O elenco ainda tem Rosamund Pike.

A essa altura, você provavelmente está sentindo um déjà vu. Não só o cinema adora histórias de realidades paralelas que colocam as pessoas em seu “devido lugar”, como o próprio roteiro não é exatamente novidade. Primeiro as Damas é uma adaptação de Eu Não Sou um Homem Fácil, produção francesa que também está disponível na Netflix.

As duas versões caem exatamente no mesmo erro: o da masculinização feminina. Será que as mulheres precisam sempre assumir posturas, vícios e gestos historicamente associados aos homens ao ocuparem cargos de poder? É só isso que o roteiro consegue imaginar? Mulheres deixando o lugar de oprimidas para ocupar o de opressoras?

Os dois filmes até funcionam como uma espécie de exercício educativo. Ao inverter os gêneros, espectadores homens conseguem entender o quão reprováveis, ridículas e, claro, misóginas podem ser muitas atitudes do dia a dia. É desenhar para nos colocar no lugar do outro.

O problema é que a versão americana perde parte desse impacto ao trocar o toque francês pelo humor mais caricato de Baron Cohen. Faz rir, mas será que cria alguma identificação? No final, você só quer que o personagem dele se exploda.

Leia também!

Para muito além de uma série ótima, Margo’s Got Money Troubles mostra um trabalho de Elle Fanning, na frente e atrás das câmeras, que a coloca em um novo patamar em Hollywood: a Meryl Streep da Geração Z. Vem ler aqui o texto do Borbs, um ser humano empolgado sim, mas jamais exagerado!

Que São Paulo está cada vez mais hostil à cultura independente a gente sabe. Mas a gentrificação e o apagamento cultural que estão ocorrendo em algumas regiões da cidade impressionam. Tudo em nome do tal mercado imobiliário que transforma qualquer coisa em “ativo financeiro”. Pior: com incentivo público, em projetos que deveriam ajudar as pessoas a comprarem suas casas próprias. A vítima mais recente é um dos últimos cinemas de rua da cidade. Mas ele não é o único.

E MAIS! Uma crônica sobre uma mochila que sumiu da exata mesma maneira que apareceu (e também sobre como é viver tão próximo ao Alzheimer).

Read more

Você pode tentar, mas você não vai encontrar em nenhum lugar desse texto algo dizendo que a afirmação contida no título acima é um exagero, uma força de expressão, um modo de dizer. O motivo é bastante simples: não é. O que você leu é exatamente o que foi escrito: Elle Fanning é a Meryl Streep da geração Z. Uma atriz que vai do 8 ao 80 sem esforço, sem afetar, com uma simples mudança de expressão -- algo que se vê muito nos trabalhos de Meryl Streep, que mesmo quando precisa ser mais extra, ela fica dentro de um limite onde pode e consegue fazer tudo o que precisa ser feito.

Elle Fanning segue o mesmo caminho. Sua atuação em Valor Sentimental era curta, mas potente. Era possível enxergar claramente aquela atriz hollywoodiana querendo fazer um filme independente norueguês pra ampliar a carreira, ao mesmo tempo que era apenas uma garota tentando fazer algo que tivesse um pouco mais de propósito na sua vida -- e aqui eu tou falando da personagem, não dá pessoa física... ainda que me pareça plausível. Em Margo’s Got Money Troubles (Margô está em Apuros, em português, homônimo do livro que deu origem à série) é a mesma coisa, mas agora ela é a protagonista de uma série de 8 episódios com 40mins cada em média, na AppleTV, não no Mubi. Ao mesmo tempo que acompanhamos uma mãe fazendo de tudo pra sustentar um filho, vemos uma garota com pais problemáticos e muito amorosos (cada um a sua maneira) que caiu no Papinho de um professor e agora precisa lidar com todo esse turbilhão de coisas que acontecem ao mesmo tempo, inclusive o mundo se voltando contra ela.

O principal, porém, é que ela sustenta. Ela sustenta a escritora-wannabe, ela sustenta a jovem apaixonada, ela sustenta a mãe solteira, a filha, a sex worker, a garota, a mulher. Como um alien, de pijama, pelada, bombeando leite dos peitos, toda certinha num tribunal, exausta, feliz. Elle Fanning sustenta.

A série por si só é ótima. Conta a história de Margo, uma jovem universitária que sempre gostou de escrever e, depois de ouvir de um professor que poderia estar em Harvard não numa faculdade whatever de uma cidade pequena na Califórnia, acaba se apaixonando e engravida. O cara, porém, é casado, tem filhos e não quer vê-la nem pintada de verde, o que é uma ironia enorme, já que, sem dinheiro e nenhum apoio do genitor, ela abre um OnlyFans e cria a persona da Hungry Ghost, uma alienígena.

Existe um provérbio Africano que diz que é necessária uma aldeia para criar uma criança. “It takes a village”, você já deve ter lido ou ouvido. É pra onde a história vai, com uma roommate cosplayer fã de pro-wrestling (Thaddea Graham), um pai ex-lutador com problemas com drogas (Nick Offerman) e uma mãe (Michelle Pfeiffer) que nunca quis a maternidade e talvez nunca tenha conseguido ser uma mãe do jeito que se espera que uma seja, mas que faz de tudo e um pouco mais pra proteger sua cria.

Em algum momento da série, Jinx, o pai, afirma que ela não é aquilo. Margo questiona “aquilo o que?”, já que é filha de um cara que lutava lutinhas de mentira e uma ex-garçonete do Hooters. Eis Margo. Eis a série.

Fiquei muito feliz que todos os episódios são escritos e dirigidos por mulheres (ainda que a séria tenha sido “criada” por um cara, David E. Kelley, que pela primeira vez em 30 anos de casamento trabalha com Michelle Pfeiffer, sua esposa), e é tudo feito de um jeito que beira a perfeição, tanto no texto quanto na direção. A construção dos personagens, da história, a ideia de reforçar que erotismo é arte antes de qualquer coisa (e, por que não?, o papel da arte), assim como cosplays e até o pro-wrestling. É tudo tão acertado que uma segunda temporada, já confirmada, se torna absolutamente inoportuna. Os oito episódios constroem algo sólido o suficiente para que uma continuação seja desnecessária, correndo o risco de cair pra lados que possam levar a história pra lugares que nem a série e nem aqueles personagens merecem.

A gente precisa se acostumar com uma história que tenha começo, meio e fim, pra não criar nenhuma expectativa que seja impossível de ser atendida -- vale pra séries, mas vale pra filmes e qualquer outra história que a gente assista, ouça, leia. Da mesma maneira, a gente precisa se acostumar que algumas coisa deixam de ser pra gente e só nos resta deixar ir...

Quem não terá fim, porém, é Elle Fanning. Como disse o pai da Nebula e da Gamora, ela é inevitável. Em Hollywood não se faz nada sozinho, mas cuidando da carreira direitinho, como ela parece estar fazendo (a série inclusive é produzida por ela e por sua sua irmã, Dakota, através de uma produtora que elas fundaram), nossa. É conversa de empilhar prêmios, todos os possíveis e imagináveis, e ser indicada a tudo, por qualquer coisa.

Não se trata de potencial, ela já é real. Ela já está aí. Elle Fanning é. Invadiu nossos celulares, nossas TVs, nossos cinemas e nos prendeu. A gente não faz ideia, mas acabamos de entrar no mundo que ela criou… e é só o começo.

Leia também!

Cês já assistiram ao documentário do Raimundos? Andar na Pedra, disponível no Globoplay, funciona como uma sessão de terapia pros quatro integrantes da banda, vivos ou não, e pra quem cresceu nos anos 90 ouvindo embasbacado com aquilo tudo. O Borbs escreveu sobre tudo isso, clique aqui pra ler!

Ele também escreveu sobre aquele especial do Justiceiro, Punisher: One Last Kill, que podia ter sido um “Punisher will return” no final da série do Demolidor. Tá tudo aqui. :P

Hoje, porém, vamos trazer aquela ideia que é meio bosta muitas vezes, mas aqui é real: o texto de hoje não precisa de introdução.

Na noite anterior a divulgação dos áudios, o Morph mandou o seguinte no nosso grupo: “o advento do cérebro de bunda mamando detergente meu deu vontade de escrever sobre estupidez coletiva”. Em coisa de 2h ou 3h o texto já tava pronto, o que significa que não tem nada sobre a história do filme do Papai… mas serve. Tá tudo conectado, afinal de contas, nesse esgoto maldito.

Então, sem nenhuma introdução…

Detergente Ypê e o retorno d’Os Lazarento

por Leonardo Alcalde

A essa altura todos vocês já sabem de cada detalhe da treta porque ninguém aqui mora em uma caverna, mas pra resumir: havia problemas na linha de produção de uma das fábricas da empresa dos produtos Ypê em Amparo / SP desde 2025, que potencialmente afetaram diversos produtos de determinados lotes, contaminando-os com a bactéria Pseudomonas aeruginosa. Houve denúncia (da Unilever, aliás), a ANVISA analisou e barrou a venda, pedindo para que os produtos fossem guardados ou recolhidos até o final das investigações. Os três neurônios funcionais da cabeça da ralé já fizeram a ligação: se ANVISA = PT e Ypê = Liberdade (porque os donos da marca fizeram doações para a campanha do Saco de Bosta em 22), o PT quer roubar nossa liberdade, vamos enfiar 5 detergentes na bunda e imitar um peru em sinal de protesto!

A repercussão que isso trouxe acordou em mim uma série de ódios que estavam adormecidos desde a época da pandemia. E se eu já produzi um rant enorme sobre obras da cultura pop que aparecem repetidamente num ciclo insistente de remakes e sequências, imagina só o gostinho de vômito de bucéfalo que me veio na boca quando eu notei que o pior filme que eu já vi na vida já tava ganhando uma sequência. Menos nociva, proporcionalmente alarmante e igualmente estúpida.

Os Lazarento voltaram

Na verdade não é bem um retorno, já que eles nunca foram embora de fato. Eles estavam ali no submundo do zap quietinhos pero no mucho, tirando a cabeça pra fora da toca vez ou outra pra balbuciar alguma idiotice meio ininteligível como “kkkk agora come abróba” ou fazer papel de otários em público sem o menor pudor pulando num pé só na frente de alguma loja de chinelas (sem conseguir chamar a atenção sequer da mocinha que trabalha lá). Algumas vezes até torciam o joelho fazendo isso, o que tornava tudo ainda mais genial.

Read more

Também não dava pra imaginar que esse especial do Justiceiro, One Last Kill, seria tão cheio de nada. Nada pra dizer, nada pra mostrar, nada pra... nada. É tiro, porrada e sangue do começo ao fim, ao invés de uma bem mais útil cartela no fim dos créditos de algum filme ou série da Marvel.

Mas é o que temos, né?

Nesta edição!

• Andar na Pedra: A história do Raimundos

• Justiceiro: Uma Última Morte

A gente não entende que precisa dessa série documental do Raimundos até começar a assistir

por Thiago Borbolla

Em algum momento eu tive um melhor amigo no colégio que me apresentou, primeiro, o Black Album do Metallica e, depois, Raimundos. Ele comprou o CD recém-lançado e gravou uma fita pra mim.

Tinha 10 anos, tava na quarta série. Gostava de ROCK PAULÊRA por influência do meu primo, Digão, que tinha um monte de bandas, tocava um monte de instrumentos e me botou pra ouvir Sweet Child o’Mine quando eu tinha uns 5 ou 6 anos. Eu também gostava de música sacanageira, influência do meu pai, que sempre ouvia entre sambas e pagodes, Tô Tristão, do Casseta & Planeta, Agasalha o meu Croquete, de Zé Luiz Ronco, apresentador d’A Hora do Ronco, na Band FM. Foi ele que me deu o CD dos Mamonas Assassinas, aliás.

A fita e o CD que ganhei dos meus pais, um tempo depois, nunca saíam nem do microsystem da sala, nem do meu AIWA. Eu me sentia muito em casa com aquele som e aquelas letras que eu amava cantar e repetir e se bobear faço tudo de cor até hoje. Nem aquele e nem nenhum dos outros quatro álbuns que vieram nos anos seguintes. Ok, talvez Lapadas do Povo eu tenha ouvido bem menos, mas Lavô tá Novo, Só no Forevis e o Ao Vivo, nossa.

Raimundos é uma das principais bandas da minha vida, e eu nunca tive a chance de assistir ao vivo. Primeiro porque no auge do sucesso eu era uma criança, um recém-adolescente. Segundo porque... sei lá, eu não cresci com uma cultura de ir a shows. Talvez fosse a configuração da minha infância e adolescência que não permitia que eu pudesse e quisesse, com 15 ou 16 anos, ir a um show dos caras -- não tinha quem me levasse, não tinha com quem ir e era isso.

Terceiro porque a banda acabou em 2001. Eu tinha 17 anos e lembro bizarramente bem de ouvir na rádio, Mix provavelmente, sobre a saída do Rodolfo e, na sequência, sobre os motivos da saída. Eu tenho um pouco de Fernanda Torres em mim e não aceitei nada daquilo e foi naquele exato momento que Raimundos acabou pra mim e pra tantas outras pessoas (talvez só não tenha acabado pra um único cara, mas até aí…). Fui ouvindo cada vez menos, cada vez mais sem graça, até que se tornou algo que eventualmente eu escutava porque Mulher de Fases, né?

Aí eu fui assistir a Andar na Pedra, série documental que carrega um desnecessário-mas-devem-ter-obrigado subtítulo de “A história do Raimundos”, no Globoplay. Apareceu um dia que abri o app pra assistir ao BBB ou MG1 e, pô, era a junção de dois mundos, o que eu construí, de filmes, séries e cultura pop no geral, e o que montaram pra mim, bem no início dos anos 90, de música. Demorei, mas dei o play.

Bicho... que negócio foda. Que produção absolutamente incrível, impecável. Potente. Porrada de verdade, de todos em todos. Uma verdadeira aula de como se fazer algo desse tipo, de como se contar uma história assim. Desde o primeiro segundo, da primeira vez que se ouve cada um dos integrantes até a última, quem, como eu, foi fã da banda ou gosta de história e cultura pop, começa e não consegue e nem faz questão de parar. São episódios longos, de 1h em média, mas escritos e montados bem o suficiente pra existir uma chance de você pensar que já tá em outro capítulo de tão bem que tudo funciona e se encaixa, e de tanta história (acima de tudo sobre pessoas) pra contar.

Daniel Ferro, o diretor, fechou todas as pontas, não sobrou nada. O que um diz é complementado, corroborado ou rebatido por outro, mas nada do que é dito fica pelo não dito. Isso ajuda muito na hora de você não conseguir tomar um partido, achar que estão todos certos e todos errados. Eles acertaram, fizeram cagadas enormes e a gente se conecta com tudo isso em algum momento. Ou alguns.

Ok, fica um pouco complicado sequer conseguir olhar pro Digão (não o meu primo) e não ter um certo asco que ele mesmo trouxe pra si -- o que, no doc, ele trata como um simples equívoco. Mas, mesmo não conseguindo entender como alguém consegue se converter a qualquer religião depois de adulto, a gente consegue compreender bem o que fez o Rodolfo querer sair da banda sem nem olhar pra trás. Jesus e a tal da cura de um câncer nunca diagnosticado são uma simples coincidência, uma desculpa que ele arranjou pra bancar a decisão... e eu respeito demais. A decisão, pelo menos.

Até lembrei do tempo que demorei pra encerrar as atividades do JUDAO.com.br ou outras coisas que não faziam mais sentido na minha vida. Se eu acreditasse em alguma coisa além do que tá aqui e o que a gente faz, ou tivesse como terceirizar, eu provavelmente teria terminado muito antes. Sendo eu o único responsável por mim, bom... mas de novo: respeito demais o que o Rodolfo fez. E, de certa maneira, até mesmo o perdoo.

Não que eu tenha de perdoar qualquer coisa, ou que ele precise de qualquer perdão. Mas essa é a sensação que Andar na Pedra traz. Agora a gente tá de boa, eu aqui e ele lá. Ele se diz aliviado, que agora consegue olhar pra trás e falar de tudo numa boa. Eu também. Pura terapia.

Fred era (e acho que ainda é) a voz da razão daquele quarteto, mesmo a tendo perdido em diversas situações. Dos três que estão vivos, definitivamente é quem eu gostaria mais de ouvir e conhecer -- e assistir a esse doc me lembrou de uma oportunidade que eu tive de falar com ele, de tirar uma foto, num estúdio aqui do lado de casa. Mas adivinha o que eu fiz?

E, embora seja sim um exagero, o que Rodolfo diz no fim da série é uma verdade inquestionável: Raimundos era o Canisso. O mais fodido de todos, o que fazia merdas e tinha consequências reais. O que foi trabalhar de motorista quando as coisas pegaram. O que talvez representasse, fisicamente inclusive, o que aquela banda fazia e sentia dentro e fora dos palcos. O que, pra sempre, não permitirá que uma reunião da banda aconteça.

Com depoimentos de todos os integrantes (os do Canisso foram feitos nas pré-entrevistas, online, antes da sua morte em 2023 e eu gostei muito da decisão de deixá-las apenas em áudio) e aquele tanto de imagens de arquivo (com exceção daquelas capas de álbuns animadas com IA), Andar na Pedra consegue realizar a vontade que o ex-vocalista da banda tem: a gente se esquece da música, dos músicos, dos ídolos e começa a olhá-los como seres humanos. É foda demais essa desconstrução, ainda que em nenhum momento você se esqueça dos ídolos que moldaram seu caráter, dos músicos que faziam um som tão pesado quanto brasileiro, e das músicas que você volta a ouvir imediatamente.

Eu nunca fui a um show do Raimundos e nunca mais irei, primeiro porque óbvio, segundo também. Mas pelo menos agora eu vou ouvir os primeiros álbuns que esses caras fizeram em paz. Não em público, porque eu tenho 42 anos e vivo em 2026. Mas vou poder ver e ouvir tudo de um novo ponto de vista.

Não bastasse ser um produto muito foda pelo que faz com esse pedaço da história da música e da cultura pop brasileiras, Andar na Pedra faz com que aquele baixo de Eu quero ver o Oco nos acalme. Foda demais.

Uma reunião que podia ter sido um e-mail

por Thiago Borbolla

A ideia de uma reunião que poderia ser um e-mail surgiu da quantidade de tempo e energia gastos pra se ouvir coisas que poderiam ter sido escritas numa missiva eletônica.

Online tem toda aquela coisa de colocar roupa, desligar a música, garantir que ninguém entre onde você está; presencial tem de levantar de onde você tá, até ir pra outro andar, procurar a sala, uma cadeira boa num lugar bom (quem está na frente do ar condicionado geralmente quer muito ou não quer de jeito nenhum estar lá). Mas o mais importante de tudo é: ninguém trabalha. Dez, quinze, trinta minutos que são jogados no lixo porque alguém pensou que seria melhor e mais produtivo falar alguma coisa que em 10mins seria escrito e lido e o mundo seguiria.

Punisher: One Last Kill é exatamente isso. Queriam dizer que, desde que apareceu naquela jaula do Fisk em Demolidor: Renascido, Frank Castle resolveu o que tinha que resolver e percebeu aquele não era o fim? Tá bom. Não dava pra meter um “Frank Castle will return”?

Se a desculpa era só pra mostrar a violência do personagem, dava pra ter feito de alguma outra maneira. É tanto sangue que realmente incomoda, cansa. É tudo muito gratuito. Se só queriam mostrar mesmo o que aconteceu antes de ele aparecer em Homem-Aranha: Um Novo Dia... será que precisava?

Como um episódio de série talvez funcionasse. Como um curta-metragem, talvez fosse perfeito. Mas talvez seja só uma maneira de cumprir com o contrato de alguém, sem dizer nada pra ninguém.

Leia também!

Semana passada trouxemos OPINIÕES sobre as duas últimas grandes estreias dos cinemas (que ainda são as últimas grandes estreias). O Borbs escreveu sobre O Diabo Veste Prada 2, uma sequência que parece não entender nada do que é dito no primeiro — e olha que tava todo mundo lá; e o Oda escreveu sobre Mortal Kombat 2, definitivamente um dos filmes já feitos. Vai lá ler!

A gente falou aqui sobre assistir a 1h30 de um filme baseado em um jogo sem muita história e cheio de coisinhas brilhantes e como isso era bom, mas também escrevemos sobre o fato de não aceitar o medíocre, independente do que a gente gosta. Não dá pra fugir: na arte, no entretenimento puro, na sua vida, aqui mesmo nessa newsletter, absolutamente TUDO é política -- e vai ser cada vez mais, goste você ou não.

Nessa edição, o Renan escreveu sobre quão funda a fusão entre Paramount Skydance e Warner Bros Discovery vai no solo, chegando até a encontrar petróleo; e o Borbs traz as novidades do Oscar (que barrou atuações e roteiros gerados com IA), as desgraças do capitalismo e... MET Gala.

Tá tudo aí embaixo!

“Tire a política do meu entretenimento!”

por Renan Martins Frade

Tem umas coisas que as pessoas dizem quando estão conversando sobre filmes, séries, jogos que você com certeza já viu ou ouviu em algum lugar, online ou offline. “Pra que colocar política nisso”, “não tem nada a ver com política” e coisas assim. Talvez você até já tenha repetido — é sedutor o desejo de se acomodar no sofá e simplesmente esquecer da realidade. Todo mundo faz isso, em menor ou maior grau. Acontece que política, na vida, não é uma chavinha que pode ou não ser desligada, nem é uma questão de lacração ou lucro.

Read more

Morta…

Read more

Se você nunca usou um Trello da vida existe uma grande chance de você ser uma das pessoas mais sortudas da face da Terra. Se usou sabe que, de fato, a ideia de dividir em colunas o que precisa ser feito, o que tá sendo feito e o que já foi feito, ajuda bastante no trabalho. Mas é, também, uma forma de controle.

Legal pra caramba toda a sua lista de joguinhos, de livros, de filmes, de gibis de músicas que você tem pra jogar, ler, assistir e ouvir! Mas será que você tem tempo pra isso? Será que você precisa inventar tempo pra isso ou será o caso de parar, respirar e ver o que quer, na hora que quer porque quer?

Enquanto o Oda traz esta reflexão recheada de cansaço, o Borbs mostra mais um furo na bolha das IA se arrombando e que a Sony explica, bem desenhadinho com o PS4 e o PS5, a quem interessa um backlog de entretenimento. SPOILER! Não é você. :P

Precisamos respirar

por André Mello

Você já passou pela situação em que tirou um tempo pra jogar alguma coisa, abriu a sua biblioteca e bateu um certo desespero ao ver mais títulos do que você teria de vida pra aproveitar? Ou você abriu um streaming querendo assistir algo legal e simplesmente passou uma hora vendo o que tinha lá, fechou e foi mexer no celular? Pois o backlog te pegou de jeito e agora você tá soterrade de coisas pra aproveitar sem saber direito quando vai sequer instalar aquele jogo que tava em promoção.

Há algum tempo, todos nós percebemos como ter tudo relativamente fácil na nossa mão acabou mudando a forma como a gente assiste, joga, escuta, lê ou usa o nosso tempo pra se divertir. Tudo tem tempo certo, as opções são infinitas e no final parece exaustivo.

Não existe mais espaço para algo ser apenas legal ou divertido. Tudo precisa ser a melhor coisa do mundo ou é a pior, e é assim que nós sabemos o que vai de fato ocupar o nosso tempo. E nessa ideia, nós acabamos assistindo menos, curtindo menos e transformamos tudo em algo que precisa ser apenas consumido pelo ato de consumir.

Read more