Em uma galáxia muito distante, num mundo dominado por mulheres femistas, Sacha Baron Cohen acorda em Primeiro as Damas, nova comédia da Netflix baseada em um filme francês de 2018 (que também está no streaming). A premissa parece daquelas perfeitas para o cinema esfregar verdades desconfortáveis na cara dos homens, mas revela algo ainda mais estranho sobre a forma como a própria sociedade imagina mulheres no poder.

Nesta edição!

• Mandaloriano, Grogu e o cansaço da Força

• Sacha Baron Cohen não é um Homem Fácil

Mandaloriano, Grogu e o peso de existir para sempre

por Renan Martins Frade

No fim dos anos 1970, um jornal publicou uma ANEDOTA. Nela, um homem está sentado em um banco de praça, lendo jornal, quando outro se aproxima, senta ao lado dele e pergunta: “você já viu Star Wars?”. “Não”, responde o primeiro. O segundo então tira uma arma do casaco, aponta para ele e atira. “Pronto”, diz em seguida. “Agora sou o único no mundo que não assistiu a esse filme!”

Muita coisa aconteceu desde então, principalmente depois que George Lucas assinou os papéis de venda da franquia para a Disney, fazendo aquelas fotos ao lado do Mickey com uma cara de quem estava muito feliz por estar ali naquele momento.

É assim que chegamos a O Mandaloriano e Grogu, que estreou nos cinemas no fim de semana passado. Foi a pior abertura da saga em toda a história, com “apenas” US$ 167 milhões arrecadados. O recorde anterior era de Han Solo: Uma História Star Wars, com US$ 168 milhões no primeiro fim de semana. Mais do que números, isso mostra que o público não se empolgou.

Antes que alguém aponte o dedo, a culpa não é de Grogu. The Child, Baby Yoda ou como preferir chamar, carrega boa parte do filme nas costas. Também não é do diretor John Favreau, que conseguiu um dos poucos pontos de verdadeiro frescor nessa retomada de Star Wars na Era Disney, trazendo personagens cativantes e criando um universo que faz sentido de ser assistido de forma serializada. A culpa é mesmo do estúdio. Sem saber qual rumo seguir nos cinemas, e sem nada novo desde 2019, a Lucasfilm resolveu que era hora de alçar o Mando e seu pequeno protegido à tela grande.

Claramente, Favreau trabalhou com o que tinha. A história do filme passa a sensação de colagem de episódios pensados para fazerem parte de uma temporada de The Mandalorian. Ainda assim, o diretor se empenha em justificar a nova escala – tem IMAX, cenas de perseguição de tirar o fôlego, momentos fofos e empolgantes, tudo para criar um evento que justifique uma pausa no Disney+ ou (tentar) largar o TikTok por duas horas para ir ao cinema.

Enquanto isso, o diretor teve que lidar com a necessidade de apelar para um público maior do que o da própria série. Em parte, deu certo. Você “só” precisa ter assistido à trilogia clássica de Star Wars, entender o contexto da Nova República, saber que o tal do Baby Yoda existe e que o Mandaloriano é um ex-caçador de recompensas à serviço do novo governo. “Só”.

Tudo isso embalado por uma trilha sonora – assinada por Ludwig Göransson, que já tem três Oscars na estante – que simplesmente não deixa a história respirar, disputando a atenção com o que está na tela. Tem horas que o silêncio é o melhor caminho.

O resultado não é de todo ruim como parte da crítica faz parecer. O filme diverte, arranca suspiros e funciona como uma aventura. Perfeito para uma Sessão da Tarde, ou para assistir em família, com as crianças — e nem dá para julgar, já que até o próprio George Lucas se rendeu a isso. Como esquecer os Ewoks?

Do ponto de vista comercial, também faz sentido. O novo filme converge as iniciativas de cinema e streaming em uma só, usando a telona para divulgar o que tem no Disney+ e o público da plataforma como uma base de fãs para alavancar o longa. Fica bonito na apresentação para os investidores e, mesmo que o resultado financeiro não acompanhe, a empresa certamente vai divulgar aos quatro ventos o “recorde de audiência” quando a produção estrear no serviço de vídeo.

Só que, a essa altura, Star Wars merece mais. Na tela grande, a franquia já não parece o Grogu, cheia de vitalidade e, literalmente, força. Ela se parece mais com aquele moleque que foi impactado em 1977, ou que cresceu assistindo às reprises na TV nos anos 1980 e 1990, agora já cansado e preso à própria nostalgia.

Nos últimos anos, muitos projetos morreram pelos corredores da Lucasfilm, abandonados no que o mercado chama de “development hell”. O Mickey e a então presidente da divisão, Kathleen Kennedy também pareciam cansados.

Desde Janeiro o estúdio tem uma nova liderança, Dave Filoni (criador das Guerras Clônicas e Star Wars Rebels, entre várias outras séries) e Lynwen Brennan, agora co-presidentes. A missão? Transformar Star Wars em uma saga que realmente empolgante para o século XXI.

Não queria estar no lugar deles.

Em Primeiro as Damas, Sacha Baron Cohen não é um homem fácil

por Renan Martins Frade

Eu não sei vocês, mas, ao pensar em um mundo dominado pelas mulheres, só consigo imaginar algo melhor do que este em que vivemos. Pelo visto, não é bem assim em Primeiro as Damas, filme que acabou de estrear na Netflix.

Nele, Sacha Baron Cohen (Borat) vive um diretor de agência de publicidade misógino (o que é quase um pleonasmo) que se vê obrigado a lidar com a pressão pela diversidade. Depois de bater a cabeça, ele acorda em um mundo onde as mulheres dominam e são femistas (essa palavra não está no dicionário, mas o significado está para as mulheres assim como o machismo está para os homens). O elenco ainda tem Rosamund Pike.

A essa altura, você provavelmente está sentindo um déjà vu. Não só o cinema adora histórias de realidades paralelas que colocam as pessoas em seu “devido lugar”, como o próprio roteiro não é exatamente novidade. Primeiro as Damas é uma adaptação de Eu Não Sou um Homem Fácil, produção francesa que também está disponível na Netflix.

As duas versões caem exatamente no mesmo erro: o da masculinização feminina. Será que as mulheres precisam sempre assumir posturas, vícios e gestos historicamente associados aos homens ao ocuparem cargos de poder? É só isso que o roteiro consegue imaginar? Mulheres deixando o lugar de oprimidas para ocupar o de opressoras?

Os dois filmes até funcionam como uma espécie de exercício educativo. Ao inverter os gêneros, espectadores homens conseguem entender o quão reprováveis, ridículas e, claro, misóginas podem ser muitas atitudes do dia a dia. É desenhar para nos colocar no lugar do outro.

O problema é que a versão americana perde parte desse impacto ao trocar o toque francês pelo humor mais caricato de Baron Cohen. Faz rir, mas será que cria alguma identificação? No final, você só quer que o personagem dele se exploda.

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Para muito além de uma série ótima, Margo’s Got Money Troubles mostra um trabalho de Elle Fanning, na frente e atrás das câmeras, que a coloca em um novo patamar em Hollywood: a Meryl Streep da Geração Z. Vem ler aqui o texto do Borbs, um ser humano empolgado sim, mas jamais exagerado!

Que São Paulo está cada vez mais hostil à cultura independente a gente sabe. Mas a gentrificação e o apagamento cultural que estão ocorrendo em algumas regiões da cidade impressionam. Tudo em nome do tal mercado imobiliário que transforma qualquer coisa em “ativo financeiro”. Pior: com incentivo público, em projetos que deveriam ajudar as pessoas a comprarem suas casas próprias. A vítima mais recente é um dos últimos cinemas de rua da cidade. Mas ele não é o único.

E MAIS! Uma crônica sobre uma mochila que sumiu da exata mesma maneira que apareceu (e também sobre como é viver tão próximo ao Alzheimer).

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Você pode tentar, mas você não vai encontrar em nenhum lugar desse texto algo dizendo que a afirmação contida no título acima é um exagero, uma força de expressão, um modo de dizer. O motivo é bastante simples: não é. O que você leu é exatamente o que foi escrito: Elle Fanning é a Meryl Streep da geração Z. Uma atriz que vai do 8 ao 80 sem esforço, sem afetar, com uma simples mudança de expressão -- algo que se vê muito nos trabalhos de Meryl Streep, que mesmo quando precisa ser mais extra, ela fica dentro de um limite onde pode e consegue fazer tudo o que precisa ser feito.

Elle Fanning segue o mesmo caminho. Sua atuação em Valor Sentimental era curta, mas potente. Era possível enxergar claramente aquela atriz hollywoodiana querendo fazer um filme independente norueguês pra ampliar a carreira, ao mesmo tempo que era apenas uma garota tentando fazer algo que tivesse um pouco mais de propósito na sua vida -- e aqui eu tou falando da personagem, não dá pessoa física... ainda que me pareça plausível. Em Margo’s Got Money Troubles (Margô está em Apuros, em português, homônimo do livro que deu origem à série) é a mesma coisa, mas agora ela é a protagonista de uma série de 8 episódios com 40mins cada em média, na AppleTV, não no Mubi. Ao mesmo tempo que acompanhamos uma mãe fazendo de tudo pra sustentar um filho, vemos uma garota com pais problemáticos e muito amorosos (cada um a sua maneira) que caiu no Papinho de um professor e agora precisa lidar com todo esse turbilhão de coisas que acontecem ao mesmo tempo, inclusive o mundo se voltando contra ela.

O principal, porém, é que ela sustenta. Ela sustenta a escritora-wannabe, ela sustenta a jovem apaixonada, ela sustenta a mãe solteira, a filha, a sex worker, a garota, a mulher. Como um alien, de pijama, pelada, bombeando leite dos peitos, toda certinha num tribunal, exausta, feliz. Elle Fanning sustenta.

A série por si só é ótima. Conta a história de Margo, uma jovem universitária que sempre gostou de escrever e, depois de ouvir de um professor que poderia estar em Harvard não numa faculdade whatever de uma cidade pequena na Califórnia, acaba se apaixonando e engravida. O cara, porém, é casado, tem filhos e não quer vê-la nem pintada de verde, o que é uma ironia enorme, já que, sem dinheiro e nenhum apoio do genitor, ela abre um OnlyFans e cria a persona da Hungry Ghost, uma alienígena.

Existe um provérbio Africano que diz que é necessária uma aldeia para criar uma criança. “It takes a village”, você já deve ter lido ou ouvido. É pra onde a história vai, com uma roommate cosplayer fã de pro-wrestling (Thaddea Graham), um pai ex-lutador com problemas com drogas (Nick Offerman) e uma mãe (Michelle Pfeiffer) que nunca quis a maternidade e talvez nunca tenha conseguido ser uma mãe do jeito que se espera que uma seja, mas que faz de tudo e um pouco mais pra proteger sua cria.

Em algum momento da série, Jinx, o pai, afirma que ela não é aquilo. Margo questiona “aquilo o que?”, já que é filha de um cara que lutava lutinhas de mentira e uma ex-garçonete do Hooters. Eis Margo. Eis a série.

Fiquei muito feliz que todos os episódios são escritos e dirigidos por mulheres (ainda que a séria tenha sido “criada” por um cara, David E. Kelley, que pela primeira vez em 30 anos de casamento trabalha com Michelle Pfeiffer, sua esposa), e é tudo feito de um jeito que beira a perfeição, tanto no texto quanto na direção. A construção dos personagens, da história, a ideia de reforçar que erotismo é arte antes de qualquer coisa (e, por que não?, o papel da arte), assim como cosplays e até o pro-wrestling. É tudo tão acertado que uma segunda temporada, já confirmada, se torna absolutamente inoportuna. Os oito episódios constroem algo sólido o suficiente para que uma continuação seja desnecessária, correndo o risco de cair pra lados que possam levar a história pra lugares que nem a série e nem aqueles personagens merecem.

A gente precisa se acostumar com uma história que tenha começo, meio e fim, pra não criar nenhuma expectativa que seja impossível de ser atendida -- vale pra séries, mas vale pra filmes e qualquer outra história que a gente assista, ouça, leia. Da mesma maneira, a gente precisa se acostumar que algumas coisa deixam de ser pra gente e só nos resta deixar ir...

Quem não terá fim, porém, é Elle Fanning. Como disse o pai da Nebula e da Gamora, ela é inevitável. Em Hollywood não se faz nada sozinho, mas cuidando da carreira direitinho, como ela parece estar fazendo (a série inclusive é produzida por ela e por sua sua irmã, Dakota, através de uma produtora que elas fundaram), nossa. É conversa de empilhar prêmios, todos os possíveis e imagináveis, e ser indicada a tudo, por qualquer coisa.

Não se trata de potencial, ela já é real. Ela já está aí. Elle Fanning é. Invadiu nossos celulares, nossas TVs, nossos cinemas e nos prendeu. A gente não faz ideia, mas acabamos de entrar no mundo que ela criou… e é só o começo.

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Cês já assistiram ao documentário do Raimundos? Andar na Pedra, disponível no Globoplay, funciona como uma sessão de terapia pros quatro integrantes da banda, vivos ou não, e pra quem cresceu nos anos 90 ouvindo embasbacado com aquilo tudo. O Borbs escreveu sobre tudo isso, clique aqui pra ler!

Ele também escreveu sobre aquele especial do Justiceiro, Punisher: One Last Kill, que podia ter sido um “Punisher will return” no final da série do Demolidor. Tá tudo aqui. :P

Hoje, porém, vamos trazer aquela ideia que é meio bosta muitas vezes, mas aqui é real: o texto de hoje não precisa de introdução.

Na noite anterior a divulgação dos áudios, o Morph mandou o seguinte no nosso grupo: “o advento do cérebro de bunda mamando detergente meu deu vontade de escrever sobre estupidez coletiva”. Em coisa de 2h ou 3h o texto já tava pronto, o que significa que não tem nada sobre a história do filme do Papai… mas serve. Tá tudo conectado, afinal de contas, nesse esgoto maldito.

Então, sem nenhuma introdução…

Detergente Ypê e o retorno d’Os Lazarento

por Leonardo Alcalde

A essa altura todos vocês já sabem de cada detalhe da treta porque ninguém aqui mora em uma caverna, mas pra resumir: havia problemas na linha de produção de uma das fábricas da empresa dos produtos Ypê em Amparo / SP desde 2025, que potencialmente afetaram diversos produtos de determinados lotes, contaminando-os com a bactéria Pseudomonas aeruginosa. Houve denúncia (da Unilever, aliás), a ANVISA analisou e barrou a venda, pedindo para que os produtos fossem guardados ou recolhidos até o final das investigações. Os três neurônios funcionais da cabeça da ralé já fizeram a ligação: se ANVISA = PT e Ypê = Liberdade (porque os donos da marca fizeram doações para a campanha do Saco de Bosta em 22), o PT quer roubar nossa liberdade, vamos enfiar 5 detergentes na bunda e imitar um peru em sinal de protesto!

A repercussão que isso trouxe acordou em mim uma série de ódios que estavam adormecidos desde a época da pandemia. E se eu já produzi um rant enorme sobre obras da cultura pop que aparecem repetidamente num ciclo insistente de remakes e sequências, imagina só o gostinho de vômito de bucéfalo que me veio na boca quando eu notei que o pior filme que eu já vi na vida já tava ganhando uma sequência. Menos nociva, proporcionalmente alarmante e igualmente estúpida.

Os Lazarento voltaram

Na verdade não é bem um retorno, já que eles nunca foram embora de fato. Eles estavam ali no submundo do zap quietinhos pero no mucho, tirando a cabeça pra fora da toca vez ou outra pra balbuciar alguma idiotice meio ininteligível como “kkkk agora come abróba” ou fazer papel de otários em público sem o menor pudor pulando num pé só na frente de alguma loja de chinelas (sem conseguir chamar a atenção sequer da mocinha que trabalha lá). Algumas vezes até torciam o joelho fazendo isso, o que tornava tudo ainda mais genial.

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Também não dava pra imaginar que esse especial do Justiceiro, One Last Kill, seria tão cheio de nada. Nada pra dizer, nada pra mostrar, nada pra... nada. É tiro, porrada e sangue do começo ao fim, ao invés de uma bem mais útil cartela no fim dos créditos de algum filme ou série da Marvel.

Mas é o que temos, né?

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• Andar na Pedra: A história do Raimundos

• Justiceiro: Uma Última Morte

A gente não entende que precisa dessa série documental do Raimundos até começar a assistir

por Thiago Borbolla

Em algum momento eu tive um melhor amigo no colégio que me apresentou, primeiro, o Black Album do Metallica e, depois, Raimundos. Ele comprou o CD recém-lançado e gravou uma fita pra mim.

Tinha 10 anos, tava na quarta série. Gostava de ROCK PAULÊRA por influência do meu primo, Digão, que tinha um monte de bandas, tocava um monte de instrumentos e me botou pra ouvir Sweet Child o’Mine quando eu tinha uns 5 ou 6 anos. Eu também gostava de música sacanageira, influência do meu pai, que sempre ouvia entre sambas e pagodes, Tô Tristão, do Casseta & Planeta, Agasalha o meu Croquete, de Zé Luiz Ronco, apresentador d’A Hora do Ronco, na Band FM. Foi ele que me deu o CD dos Mamonas Assassinas, aliás.

A fita e o CD que ganhei dos meus pais, um tempo depois, nunca saíam nem do microsystem da sala, nem do meu AIWA. Eu me sentia muito em casa com aquele som e aquelas letras que eu amava cantar e repetir e se bobear faço tudo de cor até hoje. Nem aquele e nem nenhum dos outros quatro álbuns que vieram nos anos seguintes. Ok, talvez Lapadas do Povo eu tenha ouvido bem menos, mas Lavô tá Novo, Só no Forevis e o Ao Vivo, nossa.

Raimundos é uma das principais bandas da minha vida, e eu nunca tive a chance de assistir ao vivo. Primeiro porque no auge do sucesso eu era uma criança, um recém-adolescente. Segundo porque... sei lá, eu não cresci com uma cultura de ir a shows. Talvez fosse a configuração da minha infância e adolescência que não permitia que eu pudesse e quisesse, com 15 ou 16 anos, ir a um show dos caras -- não tinha quem me levasse, não tinha com quem ir e era isso.

Terceiro porque a banda acabou em 2001. Eu tinha 17 anos e lembro bizarramente bem de ouvir na rádio, Mix provavelmente, sobre a saída do Rodolfo e, na sequência, sobre os motivos da saída. Eu tenho um pouco de Fernanda Torres em mim e não aceitei nada daquilo e foi naquele exato momento que Raimundos acabou pra mim e pra tantas outras pessoas (talvez só não tenha acabado pra um único cara, mas até aí…). Fui ouvindo cada vez menos, cada vez mais sem graça, até que se tornou algo que eventualmente eu escutava porque Mulher de Fases, né?

Aí eu fui assistir a Andar na Pedra, série documental que carrega um desnecessário-mas-devem-ter-obrigado subtítulo de “A história do Raimundos”, no Globoplay. Apareceu um dia que abri o app pra assistir ao BBB ou MG1 e, pô, era a junção de dois mundos, o que eu construí, de filmes, séries e cultura pop no geral, e o que montaram pra mim, bem no início dos anos 90, de música. Demorei, mas dei o play.

Bicho... que negócio foda. Que produção absolutamente incrível, impecável. Potente. Porrada de verdade, de todos em todos. Uma verdadeira aula de como se fazer algo desse tipo, de como se contar uma história assim. Desde o primeiro segundo, da primeira vez que se ouve cada um dos integrantes até a última, quem, como eu, foi fã da banda ou gosta de história e cultura pop, começa e não consegue e nem faz questão de parar. São episódios longos, de 1h em média, mas escritos e montados bem o suficiente pra existir uma chance de você pensar que já tá em outro capítulo de tão bem que tudo funciona e se encaixa, e de tanta história (acima de tudo sobre pessoas) pra contar.

Daniel Ferro, o diretor, fechou todas as pontas, não sobrou nada. O que um diz é complementado, corroborado ou rebatido por outro, mas nada do que é dito fica pelo não dito. Isso ajuda muito na hora de você não conseguir tomar um partido, achar que estão todos certos e todos errados. Eles acertaram, fizeram cagadas enormes e a gente se conecta com tudo isso em algum momento. Ou alguns.

Ok, fica um pouco complicado sequer conseguir olhar pro Digão (não o meu primo) e não ter um certo asco que ele mesmo trouxe pra si -- o que, no doc, ele trata como um simples equívoco. Mas, mesmo não conseguindo entender como alguém consegue se converter a qualquer religião depois de adulto, a gente consegue compreender bem o que fez o Rodolfo querer sair da banda sem nem olhar pra trás. Jesus e a tal da cura de um câncer nunca diagnosticado são uma simples coincidência, uma desculpa que ele arranjou pra bancar a decisão... e eu respeito demais. A decisão, pelo menos.

Até lembrei do tempo que demorei pra encerrar as atividades do JUDAO.com.br ou outras coisas que não faziam mais sentido na minha vida. Se eu acreditasse em alguma coisa além do que tá aqui e o que a gente faz, ou tivesse como terceirizar, eu provavelmente teria terminado muito antes. Sendo eu o único responsável por mim, bom... mas de novo: respeito demais o que o Rodolfo fez. E, de certa maneira, até mesmo o perdoo.

Não que eu tenha de perdoar qualquer coisa, ou que ele precise de qualquer perdão. Mas essa é a sensação que Andar na Pedra traz. Agora a gente tá de boa, eu aqui e ele lá. Ele se diz aliviado, que agora consegue olhar pra trás e falar de tudo numa boa. Eu também. Pura terapia.

Fred era (e acho que ainda é) a voz da razão daquele quarteto, mesmo a tendo perdido em diversas situações. Dos três que estão vivos, definitivamente é quem eu gostaria mais de ouvir e conhecer -- e assistir a esse doc me lembrou de uma oportunidade que eu tive de falar com ele, de tirar uma foto, num estúdio aqui do lado de casa. Mas adivinha o que eu fiz?

E, embora seja sim um exagero, o que Rodolfo diz no fim da série é uma verdade inquestionável: Raimundos era o Canisso. O mais fodido de todos, o que fazia merdas e tinha consequências reais. O que foi trabalhar de motorista quando as coisas pegaram. O que talvez representasse, fisicamente inclusive, o que aquela banda fazia e sentia dentro e fora dos palcos. O que, pra sempre, não permitirá que uma reunião da banda aconteça.

Com depoimentos de todos os integrantes (os do Canisso foram feitos nas pré-entrevistas, online, antes da sua morte em 2023 e eu gostei muito da decisão de deixá-las apenas em áudio) e aquele tanto de imagens de arquivo (com exceção daquelas capas de álbuns animadas com IA), Andar na Pedra consegue realizar a vontade que o ex-vocalista da banda tem: a gente se esquece da música, dos músicos, dos ídolos e começa a olhá-los como seres humanos. É foda demais essa desconstrução, ainda que em nenhum momento você se esqueça dos ídolos que moldaram seu caráter, dos músicos que faziam um som tão pesado quanto brasileiro, e das músicas que você volta a ouvir imediatamente.

Eu nunca fui a um show do Raimundos e nunca mais irei, primeiro porque óbvio, segundo também. Mas pelo menos agora eu vou ouvir os primeiros álbuns que esses caras fizeram em paz. Não em público, porque eu tenho 42 anos e vivo em 2026. Mas vou poder ver e ouvir tudo de um novo ponto de vista.

Não bastasse ser um produto muito foda pelo que faz com esse pedaço da história da música e da cultura pop brasileiras, Andar na Pedra faz com que aquele baixo de Eu quero ver o Oco nos acalme. Foda demais.

Uma reunião que podia ter sido um e-mail

por Thiago Borbolla

A ideia de uma reunião que poderia ser um e-mail surgiu da quantidade de tempo e energia gastos pra se ouvir coisas que poderiam ter sido escritas numa missiva eletônica.

Online tem toda aquela coisa de colocar roupa, desligar a música, garantir que ninguém entre onde você está; presencial tem de levantar de onde você tá, até ir pra outro andar, procurar a sala, uma cadeira boa num lugar bom (quem está na frente do ar condicionado geralmente quer muito ou não quer de jeito nenhum estar lá). Mas o mais importante de tudo é: ninguém trabalha. Dez, quinze, trinta minutos que são jogados no lixo porque alguém pensou que seria melhor e mais produtivo falar alguma coisa que em 10mins seria escrito e lido e o mundo seguiria.

Punisher: One Last Kill é exatamente isso. Queriam dizer que, desde que apareceu naquela jaula do Fisk em Demolidor: Renascido, Frank Castle resolveu o que tinha que resolver e percebeu aquele não era o fim? Tá bom. Não dava pra meter um “Frank Castle will return”?

Se a desculpa era só pra mostrar a violência do personagem, dava pra ter feito de alguma outra maneira. É tanto sangue que realmente incomoda, cansa. É tudo muito gratuito. Se só queriam mostrar mesmo o que aconteceu antes de ele aparecer em Homem-Aranha: Um Novo Dia... será que precisava?

Como um episódio de série talvez funcionasse. Como um curta-metragem, talvez fosse perfeito. Mas talvez seja só uma maneira de cumprir com o contrato de alguém, sem dizer nada pra ninguém.

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Semana passada trouxemos OPINIÕES sobre as duas últimas grandes estreias dos cinemas (que ainda são as últimas grandes estreias). O Borbs escreveu sobre O Diabo Veste Prada 2, uma sequência que parece não entender nada do que é dito no primeiro — e olha que tava todo mundo lá; e o Oda escreveu sobre Mortal Kombat 2, definitivamente um dos filmes já feitos. Vai lá ler!

A gente falou aqui sobre assistir a 1h30 de um filme baseado em um jogo sem muita história e cheio de coisinhas brilhantes e como isso era bom, mas também escrevemos sobre o fato de não aceitar o medíocre, independente do que a gente gosta. Não dá pra fugir: na arte, no entretenimento puro, na sua vida, aqui mesmo nessa newsletter, absolutamente TUDO é política -- e vai ser cada vez mais, goste você ou não.

Nessa edição, o Renan escreveu sobre quão funda a fusão entre Paramount Skydance e Warner Bros Discovery vai no solo, chegando até a encontrar petróleo; e o Borbs traz as novidades do Oscar (que barrou atuações e roteiros gerados com IA), as desgraças do capitalismo e... MET Gala.

Tá tudo aí embaixo!

“Tire a política do meu entretenimento!”

por Renan Martins Frade

Tem umas coisas que as pessoas dizem quando estão conversando sobre filmes, séries, jogos que você com certeza já viu ou ouviu em algum lugar, online ou offline. “Pra que colocar política nisso”, “não tem nada a ver com política” e coisas assim. Talvez você até já tenha repetido — é sedutor o desejo de se acomodar no sofá e simplesmente esquecer da realidade. Todo mundo faz isso, em menor ou maior grau. Acontece que política, na vida, não é uma chavinha que pode ou não ser desligada, nem é uma questão de lacração ou lucro.

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Mortal Kombat 2 - O Filme não chega a ser ruim, mas é definitivamente um dos filmes já feitos. O Diabo Veste Prada 2 também é um filme ok, divertido, mas vazio do que fez o primeiro ser o que é ainda é. Oda e Borbs, respectivamente, desenvolvem mais as ideias nos textos completos que você lê nesta MALA DIRETA.

AH! A gente assistiu também à Casar com um Assassino? e percebemos que a pergunta tá bem errada em relação ao que vimos nessa série. Tá tudo aí embaixo!

Nesta edição!

• O divertido fanservice de Mortal Kombat 2 - O Filme

• O decepcionante fanservice de O Diabo Veste Prada 2

• E MAIS! Uma minissérie que questiona se é o caso de casar com alguém que matou outra pessoa, quando na verdade deveria questionar se é o caso de confiar na polícia; e o season finale de Demolidor: Renascido

Quem curte os joguinhos, vai curtir o filme. Já quem curte filmes talvez prefira outra coisa.

por André Mello

Meu primeiro contato com Mortal Kombat foi jogando o segundo jogo no Mega Drive de um vizinho. Os comandos em um controle de 3 botões eram horríveis, mas aquele jogo me deixou impressionado. Eu tinha uns 8 anos e aquilo parecia incrível.

Eu assisti ao filme de 95 no cinema e quando ele saiu na locadora, minha irmã conseguiu gravar num VHS que eu assisti tantas vezes que foi onde eu comecei a entender inglês. Papo sério. Então, Mortal Kombat tem um lugar especial no meu coração, por mais que a franquia seja uma montanha russa de altos e baixos.

Por conta disso, eu preciso falar sobre Mortal Kombat 2: O Filme de duas maneiras. Como essa pessoa que cresceu jogando e gostando da franquia, e alguém vendo um filme qualquer.

Como fanservice, é muito legal

Mortal Kombat, filme de 2021 que a Warner lançou simultaneamente nos cinemas e na HBO Max (que depois virou Max e agora é HBO Max de novo) não é um filme glorioso. Pra se ter uma noção, nem tem o torneio. Ele passa uma impressão de piloto de série de TV, ainda mais quando coloca um novo personagem que nem existe nos games.

Mesmo assim, eu me diverti. Tem umas lutas legais, uma violência caótica e o finalzinho deu o gancho para aquilo que todo mundo queria ver: MORTAL KOMBAT. O torneio finalmente começaria e o filme foi realmente um jeito de preparar o terreno.

Meio mundo desceu a lenha na produção, principalmente por terem colocado Cole Young, o tal novo personagem, como centro de toda a trama. Quando a sequência foi anunciada, com um papo de “fazer um filme para os fãs”, tava claro que o Cole seria jogado pra escanteio, o que foi confirmado com o anúncio do Karl Urban como Johnny Cage.

E aí chegamos em 2026 e Mortal Kombat 2 na telona. De fato, o filme parece ter sido feito com uma checklist de tudo o que fãs reclamaram na internet sobre o anterior pra que não fosse esquecido na sequência. Tá tudo lá, até uma homenagem à capa de Mortal Kombat 2, o jogo, logo nos créditos iniciais que me tirou um sorriso bastante sincero. É recheado de easter eggs que vai fazer os fãs olharem e pensarem “ISSO TEM NO JOGO”. Foi logo ali que eu percebi que seria esse tipo de filme.

Até certo ponto, isso é bastante legal. Não chega nem perto do caos do trailer da nova adaptação de Street Fighter, mas tá lá. Como um todo, pensando como fã, a história foi exatamente o que eu esperava que fosse e ainda tinha essas bobeirinhas pra eu lembrar e “Pô, maneiro”.

Mas aí eu preciso também pensar como alguém que vê filmes como ~profissão.

Como filme, é um dos já feitos

Mesmo com todos os seus defeitos, Mortal Kombat, o de 2021, tinha uma história bem fechadinha. Não digo que ela era particularmente inspirada, mas existia ali um começo, um meio e um fim, com personagens bem posicionados no seu desenvolvimento.

A franquia Mortal Kombat, que já foi rebootada umas duas vezes, tem um lore absurdo que poderia ser aproveitado na tela grande.

Mortal Kombat 2 - O Filme, tem um fio de história. Ele começa supondo que se você tá assistindo à Mortal Kombat e uma sequência dele, você não só já viu o primeiro como entende muito bem de todos os jogos. Só assim pra compreender como as coisas vão acontecendo com o mínimo de desenvolvimento.

Tirando a Kitana, interpretada pela atriz Adeline Rudolph, todos os outros personagens são “ideias”. Ela tem um arco válido, mostrando como seu pai foi assassinado pelo Shao Khan e tenta vingança contra ele. Só que até essa trama é tratada como se boa parte do seu desenvolvimento tivesse acontecido fora do filme. “Ah, mas todo mundo que jogou sabe”. Tudo bem, mas eu tô falando do filme e se vão usar isso ali, poderiam ter desenvolvido melhor.

Os personagens do primeiro estão de volta (até quem já morreu) e são coadjuvantes que só servem pra lutar. Existe um fio com o Liu Kang querendo trazer o meio zumbi Kung Lao de volta (o que resulta na melhor luta do filme) que é tratado em meia dúzia de palavras, sendo que poderia render muito mais — isso tudo pra dar destaque para um plano de roubo de um medalhão (que faz mais sentido só pra quem jogou) e o desenvolvimento PÍFIO de Johnny Cage, um ator canastrão que se vê no meio de um torneio pelo destino da humanidade.

Por mais que eu goste bastante do Karl Urban como ator, ele não consegue ser um Johnny Cage realmente legal. Em praticamente todo o filme, ele serve mais como alívio cômico do que alguém que quer provar ser mais que um “ator de ação”. Não consegui gostar dessa versão quase covarde do Cage, meio boba e que só se torna um herói (e olhe lá) porque o roteiro precisava disso.

E preciso ser sincero: um filme sobre um torneio de lutas até a morte ter UMA LUTA E MEIA decente é sacanagem. Quase nenhuma pancadaria empolga, com exceção dessas que eu falei. Dava pra contratar alguém pra coreografar melhor, na moral.

A dualidade do ser humano

Me sinto dividido por esse filme. Por um lado, ele tem várias coisas que eu olhei e “Pô, bacana”. Por outro, fico impressionado como o filme de 95 consegue ser superior em várias coisas. Até mesmo a nova versão da música tema clássica não é tão legal quando a original.

Assistir ao filme de 2021 e esse na sequência deve ajudar a tapar alguns buracos, mas isso só mostra que ele é um filme pra ver de bobeira em casa. Talvez assim funcione, ou você pare na metade pra começar a jogar Mortal Kombat no videogame. Quem sabe essa seja uma ideia melhor.

PS: o filme não tem cena pós-créditos, mas o final dele me deixou revoltado de tão feito nas coxas que é.

O Diabo diz que o Diabo veste Prada

por Thiago Borbolla

O Diabo Veste Prada é como um tubarão a 1 segundo de um bote certeiro. A boca aberta, os dentes afiados, não vai sobrar pra ninguém. Não existe uma única unidade de flor que deva ser cheirada naquele filme, ainda que todas sejam bonitas de se ver.

Miranda Priestly não tá fazendo nada de bom com Emily e Andy que, por sua vez, também não foi nem a melhor namorada, nem a melhor amiga do mundo. Miranda, porém, também é vítima, assim como Andy e Emily, que se completam em algum nível de escrotidão e sim, o namorado da Andrea talvez pudesse ter oferecido um pouco mais de apoio em algumas das decisões da namorada — mas não chega nem perto de ser o “verdadeiro vilão” do filme.

Ok, talvez a exceção seja Nigel. Ainda assim, precisando fechar bem os olhinhos pra tentar enxergar algo ali. Sabe, ali? Ali, ó. Iiiisso, isso mesmo.

“What are we? Some kind of Devil wearing Prada?”

O mundo da ALTA COSTURA parece mesmo bonito, interessante e, como o filme faz questão de reafirmar o tempo todo, artístico. Mas é também um moedor de pessoas, de almas, de humanidade. É exatamente como o capitalismo, onde essa tal haute couture nasceu e falhou, falha e falhará.

O Diabo Veste Prada 2 é a boca do tubarão no exato momento em que o que quer ele fosse predar consegue fugir: completamente fechada, com cada um daqueles dentes se encaixando perfeitamente entre eles, e aquela carinha de constrangimento e vergonha indo pra outro lado, como se nada tivesse acontecido.

Não sei se era possível esperar uma sequência de fato, que caminhasse com a história e suas próprias pernas e desenvolvesse os personagens. O fato de todo o elenco original estar de volta já define que estamos em um ambiente fechado e diretamente conectado com o filme de 2006. É uma reunião em que os yin-yangs se encaixam, os quebra-cabeças formam figuras belíssimas, e onde os dedos das mãos se entrelaçam e tudo se fecha.

Todos ali conseguem a sua redenção. Andy construiu uma carreira como jornalista e agora retorna pra salvar a revista Runway; sua única amiga que sobrou agora trabalha numa grande galeria de arte; Emily agora tem um cargo importante na Dior, ao invés de uma marca fictícia e, vinte anos depois, o tempo conseguiu domar Miranda Priestly. Não só domar: ela parece até ter criado um coração, o que acaba tirando a magia da atuação de Meryl Streep, que também parece fisicamente mais frágil agora. Mais, que ironia, humana.

A principal redenção, porém, é de Anna Wintour, a ex-editora-chefe da revista Vogue, em quem Miranda foi inspirada com pouco ou nenhum uso de hipérboles. Enquanto no primeiro filme muitas vezes era complicado até conseguir um lugar pra filmar cenas importantes por conta da sua influência e os seus tentáculos (lembra da festa no Museu de História Natural? Agora foram pra Milão durante a semana de moda, filmaram na Galleria Vittorio Emanuele II e Accademia di Brera…), no segundo filme temos isso aqui:

“Everybody wants this. Everybody wants to be us”

O Diabo Veste Prada não é muita coisa além de um filme Sessão da Tarde e isso está longe de ser um problema. Tem estofo, é divertido e, como pede um vídeo que viralizou recentemente, mais cores, mais arte, mais a dizer. É quase como se tivesse sido feito numa dimensão-espelho, num universo em que, apesar de todos os problemas, a gente conseguia encontrar uma luz no fim do túnel.

Sua sequência é, em compensação, tudo o que o primeiro crítica, do início ao fim, em todas as suas principais falas. Não é um filme visionário, é apenas… uma jornada de reparação e um grande publi de marcas de luxo, como se as asinhas abertas lá atrás enfim tivessem sido cortadas por quem esperou 20 anos pra poder mandar cortá-las -- e se levarmos em consideração os estúdios responsáveis pelos dois filmes, isso diz bastante coisa. O que Andy Sachs fez duas décadas atrás com a Emily, esse número dois faz com o original.

O Diabo Veste Prada 2 tambem é divertido e inegavelmente mais estiloso, muito por conta da idade e experiência de todos os envolvidos, mas também por conta de todos os envolvidos. Agora recheado de marcas e participações especiais, dentro e fora dos cinemas (eu, por exemplo e por influência da morena, assisti ao filme numa sessão especial “de conforto”, onde ganhamos uma bolsinha e uma mantinha que custa mais de $200) o que parece é que, pra falar de algumas questões realmente interessantes, como o uso de IA, de como redes sociais e bilionários estão matando em muitos níveis o jornalismo e tudo o que a gente gosta, entre outras pouquíssimas coisas, foi preciso fazer concessões. Assim como acontece com Miranda logo no começo, o filme abaixou a cabeça e aceitou imposições, sem discutir, pra conseguir seguir em frente. “Sem nós não existe vocês”, afinal.

Um círculo perfeito, iniciado 20 anos atrás, se encerra com O Diabo Veste Prada 2. Mas um círculo oco, recheado de nada, girando no próprio eixo, sem sair do lugar. Um tubarão com uma mordida poderosa dada no vazio, sem nem beliscar aquele peixinho saborosíssimo.

Sem alma, O Diabo Veste Prada 2, se algum dia for lembrado, será apenas “uma das Emilys”.

O que mais vimos por aí…

🚓 De maneira culposa, comecei a assistir à Casar com um Assassino?, minissérie ddocumental em 3 episódios que estreou no último dia 29 na Netflix. Bastante bem produzida, a série nos leva até a Escócia pra mostrar Caroline Muirhead contando a história de um namoro com uma pessoa que, com pouco tempo de relacionamento, não só pediu a moça em casamento como contou que havia atropelado, matado e enterrado uma pessoa.

Comecei sem querer, mas terminei ativamente querendo algumas respostas que nunca vieram. O tal do dilema de Caroline deveria ser menos sobre se casar ou não com um assassino e sim sobre confiar na polícia. Em qualquer polícia, sobre qualquer motivo. Seria uma história melhor e mais interessante se o foco estivesse em como quem deveria proteger as pessoas consegue piorar situações que são absolutamente horríveis.

👿 E já que estamos aqui, vamos aproveitar: a segunda temporada de Demolidor: Renascido acabou essa semana e o gostinho de PUTAQUEPARIU CARALHO PORRA BUCETA CU COMO QUE NINGUÉM NAQUELE UNIVERSO COM TROCENTAS DIMENSÕES FAZ NADA fica bem forte. Não é um gosto ruim, não. Mas o último episódio, que é gibi pra caralho, deu a sensação de que se a história fosse num ambiente um pouco mais controlado do que a FODENDO CIDADE DE NOVA YORK, desceria melhor e mais direto. Foi uma boa temporada para uma boa série.

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Além de ficar procurando justificativas pra vida e carreira do Rei do Pop, Michael se esforça um pouco demais pra escolher um vilão pra essa história e não fica muito legal pra nenhum dos envolvidos não, viu? Leia a resenha completa aqui!

Se você nunca usou um Trello da vida existe uma grande chance de você ser uma das pessoas mais sortudas da face da Terra. Se usou sabe que, de fato, a ideia de dividir em colunas o que precisa ser feito, o que tá sendo feito e o que já foi feito, ajuda bastante no trabalho. Mas é, também, uma forma de controle.

Legal pra caramba toda a sua lista de joguinhos, de livros, de filmes, de gibis de músicas que você tem pra jogar, ler, assistir e ouvir! Mas será que você tem tempo pra isso? Será que você precisa inventar tempo pra isso ou será o caso de parar, respirar e ver o que quer, na hora que quer porque quer?

Enquanto o Oda traz esta reflexão recheada de cansaço, o Borbs mostra mais um furo na bolha das IA se arrombando e que a Sony explica, bem desenhadinho com o PS4 e o PS5, a quem interessa um backlog de entretenimento. SPOILER! Não é você. :P

Precisamos respirar

por André Mello

Você já passou pela situação em que tirou um tempo pra jogar alguma coisa, abriu a sua biblioteca e bateu um certo desespero ao ver mais títulos do que você teria de vida pra aproveitar? Ou você abriu um streaming querendo assistir algo legal e simplesmente passou uma hora vendo o que tinha lá, fechou e foi mexer no celular? Pois o backlog te pegou de jeito e agora você tá soterrade de coisas pra aproveitar sem saber direito quando vai sequer instalar aquele jogo que tava em promoção.

Há algum tempo, todos nós percebemos como ter tudo relativamente fácil na nossa mão acabou mudando a forma como a gente assiste, joga, escuta, lê ou usa o nosso tempo pra se divertir. Tudo tem tempo certo, as opções são infinitas e no final parece exaustivo.

Não existe mais espaço para algo ser apenas legal ou divertido. Tudo precisa ser a melhor coisa do mundo ou é a pior, e é assim que nós sabemos o que vai de fato ocupar o nosso tempo. E nessa ideia, nós acabamos assistindo menos, curtindo menos e transformamos tudo em algo que precisa ser apenas consumido pelo ato de consumir.

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Houve um momento da história da humanidade em que não só era possível ouvir Jovem Pan, como era realmente legal fazer isso. Um tempo em que o que conhecemos hoje como música pop era chamada apenas de dance (ou poperô, se você fosse do rock e ouvisse principalmente a 89), com suas mais diversas versões de clássicos nas 7 Melhores, como Total Eclipse of the Heart, de Nikki French, e Because You Loved Me, de Suzann Rye. Um tempo tão específico que até músicas em espanhol tocavam normalmente, como La Rubia Del Avión, de Los Argentos, e, óbvio, Macarena — sem contar Se Fue e La Soledad, de Laura Pausini.

Aqueles meados dos anos 90 fizeram muito adolescente querer ser promoter quando crescesse, garantindo seus VIPs nas matinês de domingo nas DANCETERIAS. Elas existiam aos montes, tinha até dentro de shopping, e uma das mais icônicas era o Moinho Santo Antônio, ali na Mooca.

Originalmente um conjunto de fábricas e galpões, os Grandes Moinhos Minetti Gamba foram construídos em 1909 e, ao longo dos anos, abrigaram em uma área de 12 mil m² uma indústria gráfica, uma fábrica de óleo, produção de tecido, farinha, sabão, óleo vegetal e outros. Em 1994, depois de um tempo abandonado, um grupo de empresários se reuniu pra criar aquela balada que, durante a semana e aos sábados, funcionava de noite pra adultos e, aos domingos, abria suas portas no fim da tarde pros jovens pensarem que eram alguma coisa com suas polos Ralph Lauren, as meninas de Topete McDonald’s, bolsa/mochila de pelúcia com Band-Aids e pulseiras de corda de violão que os garotos colecionavam como se significassem qualquer coisa. Era lá onde inúmeras pessoas davam seus primeiros beijos — sendo que “muita gente” não inclui este que vos escreve — e também onde a catarse coletiva adolescente acontecia: de Milla, do Netinho, ao “dia em que os Mamonas morreram”, havia uma imensidão de hormônios querendo ser liberados por ali.

Além de danceteria (o conceito de balada não existia ainda, muito menos o de rolê), o lugar também recebia shows, inclusive pra molecada. Todos aqueles que citei ali (tirando Laura Pausini, infelizmente) eu não só ouvia no rádio e nas pistas do Moinho, como cheguei a ver ao vivo. Foi numa dessas que eu descobri que rubia, em espanhol, é loira e não ruiva. Era normal, afinal de contas, tipo um underground do pop.

Shakira era um desses nomes que se ouvia bastante na Jovem Pan. Estava sempre nas pistas, ajudando a despertar aqueles momentos de libertação em que milhares de adolescentes largavam seus Gudangs e saíam correndo dos mais diversos ambientes pra gritar “Perteneciste a una raza antiguaaaa” (mentira, ninguém largava nada porque não era proibido fumar em lugar fechado ainda, mesmo que menores o fizessem). Era de se esperar que, se viesse pro Brasil, haveria uma enorme comoção. Ela já tinha até gravado versões dance e em português dos maiores sucessos de Pies Descalzos!

Das 75 datas da turnê, 36 delas foram aqui. Só esses números já a colocariam entre os 10 artistas internacionais que mais fizeram shows no País até hoje, 30 anos depois, e correspondem a mais da metade de todos os outros que ela fez nesses 10950 dias.

Entre Novembro e Dezembro de 1996, ela se apresentou em cidades como Manaus, Belém, Belo Horizonte, Salvador e Barretos. Foi pra Colômbia, Europa, Chile e voltou, em Março de 1997, passando por São Paulo, Santos, Santo André, Campinas e Mogi das Cruzes. Deu uma passada na Bolívia e retornou pra mais shows em Bagé, Uruguaiana, Pelotas, entre outras cidades. Em Agosto ela voltou de novo, repetindo também algumas cidades como São Paulo, Belém, Belo Horizonte e Barretos.

Não é qualquer tipo de exagero dizer que pra onde chamaram ela foi. Algumas cidades dessa lista parecem estranhas, mas quando a gente olha pros lugares específicos dos shows tudo fica ainda mais bizarro. O rodeio de Barretos foi tranquilo perto de clubes esportivos, desses com piscinas e etc, e até Kart Indoor, como em Campos do Jordão.

O show esquecido na Matinê do Moinho

Eu falei daquele número de shows, mas ele pode ser maior. Se você olhar na Wikipedia, Setlist.fm ou em sites de fãs, vai ver que rolou um show no Moinho Santo Antônio no dia 06 ou 07 de Março de 1997 (os dois dias aparecem, mas é uma apresentação só). Me recordo bem de uma galera que eu conhecia e que conseguiu falsificar RG pra entrar. Mas, porém, contudo, entretanto, todavia, ela também fez um show no mesmo Moinho no dia 09 de Março, um Domingo de matinê. E nesse eu fui. Eu e boa parte da Zona Leste de São Paulo e arredores, porque o show foi anunciado, olha só, na Globo.

Esse vídeo, inclusive, comprova que a lista de shows deve ser maior: não falaram nada do Moinho pros adultos, apenas a matinê. E existe uma chance bem grande de você ver que ela se apresentou em outro lugar nos dias 06 e 07 de Maio…

Shakira estava usando uma calça alaranjada que brilhava, meio vinílica. Lembro que chamava a atenção e até que tinha um animal print. Lembro de olhar bem pra cima pra vê-la, o que significa que eu fiquei bem na frente e... bom, acho que do show mesmo, eu só consigo me lembrar disso. E de que eu estava estreando uma camisa listrada, amarela e azul com gola jeans especialmente nesse dia. E que eu fiquei encharcado de suor. E que eu comprei uma camiseta na banquinha de merch (era só a capa do CD silkada no tecido branco) que usei por anos a fio — camiseta que até minha vó sabia o que significava. E, o que eu sinceramente considero o mais importante, eu me lembro de estar lá.

Eu não estava sozinho, mas definitivamente o que eu vivi naquele dia é meu. Não tenho mais contato com nenhuma das pessoas que estavam comigo (já não eram meus amigos naquela época, imagina agora), mas trago na memória toda a ansiedade, a empolgação, de onde minha mãe me levou pra comprar aquela polo Ralph Lauren que hoje eu não chegaria nem perto. De todo o nervoso pra comprar o ingresso (internet era só BBS, mas pelo menos custou “só” R$20), de toda a experiência que é o que importa no fim das contas, não é? Ainda que eu seja um entusiasta de músicas ao vivo parecidas com as que eu ouço em casa, se fosse só pelas músicas mesmo eu não ia pra show nenhum. ¯\_(ツ)_/¯

Shakira moldou uma boa parte do meu caráter, ao lado da Alanis (com quem ela era comparada pela idade e por “cantar sobre dor de cotovelo”, de acordo com a Folha de S. Paulo na ocasião), e sei até hoje todas aquelas músicas (... ahogandome entre fotos y cuadernos entre cosas y recuerdos que no posso compreender), o que sempre rende bons momentos nos karaokês. Mas eu devo confessar que, com algumas exceções maravilhosas, eu fiquei ali em Pies Descalzos.

Quando ela veio pro Brasil uns dois anos atrás, com a turnê Las Mujeres Ya No Lloran, até pensei em ir, mas não era o que eu queria ver e ouvir de fato. Torci muito pra que ela fizesse como a sua par canadense e saísse comemorando os 30 anos do seu grande álbum — e só umas 4 datas no Brasil já tava bom, nem precisava daquele tanto de 1996 / 1997. Não deve rolar, mas esse show no Rio… eu não consigo sequer me imaginar num rolê desses e, da mesma maneira que se for só pra ouvir a música eu prefiro em casa, ver tudo pelo telão não é algo que me apetece muito. E eu já tenho 42 anos, né? Eu aguentei muito nos meus 13 pra poder me dar esses confortos nesse momento.

Shakira e, especialmente esse show de 09 de Março de 1997, são coisas que eu gosto muito de ter na minha vida. Gosto de falar que fui, especialmente quando estou conversando com jovens — e uma ocasião é especial demais pra mim, lá no saudoso Milo Garage. Duas garotas vieram comentar comigo que eu estava muito empolgado durante uma sequência de músicas, no momento em que tocava alguma do Pies Descalzos. “É que essa é da minha época!”. Eu já tava com 40 ou quase, elas riram e me disseram que tinham 20 e tantos anos. Contei sobre essa vinda dela ao Brasil, que eu estive lá e, risos, uma delas nem nascida era. ;D

Assisti pela TV aos shows da Madonna e da Lady Gaga como um grande evento de cultura pop que de fato são. Sábado eu vou curtir essa da Shakira pro adolescente que um dia eu fui e que fez eu ser quem eu sou hoje.

Só pra constar!

💿 E já que estamos aqui, vamos aproveitar: naqueles tempos, tudo era motivo pra gravar um CD. Fossem os CD-ROMs, que lotavam as bancas de jornal com trocentos joguinhos (muitos realmente legais), fossem os de coletâneas — toda rádio tinha um, revistas as vezes lançavam os seus e rolês como o Moinho também juntavam algumas faixas pro pessoal ouvir nos seus MICROSYSTEMS AIWA.

Infelizmente não há qualquer sinal desses álbuns na internet, mas vou deixar aqui essa playlist criada pelo DJ Ronaldo Gasparian, um dos residentes do Moinho e que, portanto, sabe muito bem o que escolheu colocar aqui.

Quer mais? Tem essa outra, maior e um pouco mais completa. ;)

Eu já tava querendo falar dessa profusão de séries e filmes feitos pro produtoras que costumam mais fazer publicidade do que qualquer outra coisa há algum tempo. Os serviços de streaming, em especial Netflix e Prime Video, tem se aproveitado bastante do orçamento relativamente menor e histórias absurdas pra uma linha de produção que tente justificar o combo de assinatura + anúncios no meio do que a gente tá vendo.

A gente já sabe, não é segredo pra ninguém, que o que importa pra eles é mais gente dentro da plataforma assistindo ao que quer que seja. Começou com o tal binge watching, vieram os roteiros montados pensando nisso específicamente e de repente estamos nessa era em que pedem pra ficar repetindo a história da série ou filme o tempo todo pro pessoal que assiste usando o celular como primeira tela.

Mas aí eu assisti à Emergência Radioativa e percebi que o problema era um pouco pior: estamos sendo alimentados, com aviãozinho e tudo, de cocô. Às vezes um cocô azul, brilhante, realmente bonito, mas cocô. E estamos gostando, só porque é o que tem! Só porque brilha. Só porque tá vindo ali, como um aviãozinho rumo ao World Trade Center.

Nem tinha terminado de escrever sobre isso ainda e surgiu a história de que a Disney vai relançar Vingadores: Ultimato nos cinemas com cenas não só inéditas como novas, pra fazer uma ponte com Vingadores: Doutor Destino (…) — o popular retcon — e pronto. A galera realmente perdeu o respeito construído nos últimos quase 20 anos, só porque “nossa, é a Marvel”.

Ok gostar do que é medíocre, do que é ruim, mas ser feito de otário é outra história.

Não é só porque a gente gosta de alguma coisa que aquilo é de fato bom

por Thiago Borbolla

Eu devia ter imaginado, depois de tanta gente falar sobre Emergência Radioativa e eu olhar praquele pôster da nova minissérie da Netflix sem sentir qualquer indício de vontade de assistir, que meu coração não me enganaria num caso assim. Que a absoluta falta de qualquer tipo de reação da minha parte deveria significar mais do que pessoas que eu conheço fazendo comentários interessantes sobre aquela história.

Ou talvez eu devesse ter me ligado que, na realidade, estavam falando da história da minissérie e não dá minissérie em si. Porque, de fato, aquela sucessão de cagadas é tão interessante quanto desesperadora e justifica o falatório. Te prende mesmo, cê acaba assistindo aos cinco episódios numa tarde de domingo com a morena sem nem perceber. Mas nosso sistema nervoso deveria entrar em colapso quando vem aquela abertura que, de verdade, não me surpreenderia se tivesse sido feita no PowerPoint. É de uma falta de cuidado, uma ignorância estética... “Coloca o nome da série e tá bom”.

Tá bom não. Cês já repararam o que essas séries “true crime” Made in Brazil de serviço de streaming lançadas nos últimos dois ou três anos tem em comum? Não, não é isso. Nem isso. É que todas são séries "de produtora”. Pode perceber: antes do nome de qualquer pessoa física, o que vemos é o nome da produtora que foi contratada pra transformar aquela história em um produto audiovisual -- contratada ou que conseguiu financiamento depois de um pitch baseado numa história um tanto chocante e que pede um orçamento ok, que eles vão fazer o possível e o impossível pra enxugar e GUESS WHAT?

Das últimas que assisti, todas eram assim. A Mulher da Casa Abandonada e principalmente Tremembé, do Prime Video; Ângela: Assassinada e Condenada, a melhorzinha, da HBO Max; e agora Emergência Radioativa, da Netflix. Todas com histórias fascinantes, todas péssimas enquanto produto audiovisual.

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O primeiro trailer de The Kaiser, longa-metragem sobre o começo do futuro heptacampeão mundial Michael Schumacher na Fórmula 1, colocou ninguém menos que Ayrton Senna como o vilão desse início de carreira do piloto alemão.

Há alguns anos, Elvis se focou na difícil relação do protagonista com o Coronel Tom Parker, seu agente. Nessa visão, foi o empresário quem ocupou esse lugar na vida do Rei do Rock; algum tempo depois, em Priscilla, o vilão era justamente Elvis Presley.

Existem poucas figuras tão polêmicas, amadas e geniais quanto Michael Jackson. É difícil entender quem ele foi e o impacto do astro na vida das pessoas quando se olha muito de perto. Mas é isso que o diretor Antoine Fuqua (O Protetor) busca fazer em Michael, que chegou aos cinemas nesta quinta (23).

O longa conta a história do astro desde os primeiros acordes do Jackson 5, passa pelo estrelato do grupo, avança pela maturidade de Michael Jackson e chega ao momento em que, ainda jovem, ele se transformou no Rei do Pop, vendendo milhões de cópias dos álbuns Thriller e Bad.

Há um foco claro, enquanto acompanhamos tudo isso, no relacionamento de Michael com o pai, Joseph Jackson, notoriamente rígido, abusivo e manipulador. Porém, em vez de escolher construir essa relação de forma sutil, o roteiro busca, a todo momento, destacar excessivamente o efeito das ações de Joe sobre o filho como se fosse um elefante em uma loja de harpas. É como se, a cada cena, o filme buscasse justificar quem Michael se tornaria no futuro, com cada medo, mania e insegurança, diluindo em pouquíssimo tempo de tela a genialidade artística e mercadológica do protagonista.

Decisões importantíssimas de carreira que, na vida real, levaram semanas, meses ou anos de negociação e maturação são transformadas no que aqui no JUDÃO a gente passou a chamar de Momento MARTHA! — tudo parece ser resolvido em diálogos curtos, quase como epifanias, quando alguém diz a frase certa, na hora certa, e tudo muda.

Quando não coloca essa missão toda antes da história, contudo, Michael brilha. Cenas do então garoto no sofá, assistindo à TV ao lado da mãe, Katherine, dizem muito mais sem precisar dizer nada.

Quando olhamos para os créditos, o motivo dessas escolhas fica claro. Além de Graham King, responsável por Bohemian Rhapsody, os produtores são Jackie, Jermaine, La Toya, Marlon e Tito, irmãos de Michael, e Prince, que é o filho mais novo, ao lado de John Branca, que gerenciou a carreira solo e hoje é o executor do espólio do músico.

O filme foi moldado justamente por quem tem interesse direto na memória do personagem e que pode ganhar muito ao limpar a barra de Michael Jackson, abalada principalmente após o lançamento do documentário da HBO, Deixando Neverland, com relatos de dois homens que teriam sido abusados pelo músico quando eram crianças. Por isso, não é surpresa um caminho que defenda o protagonista. O problema é quando passa da linha de reverência para a de justificativa.

Paris, filha mais velha de Michael, atacou publicamente a gestão de Branca e suas interferências nesta produção. Não a condeno, ainda que a motivação dela tenha outros fins por trás — um processo por pagamentos feitos pelo espólio que seriam irregulares e o fato de ter escalado Miles Teller, pouco à vontade, quase desconfortável, fora de lugar (tanto quanto a peruca que usa em cena), para interpretar a si próprio.

Jaafar Jackson como Michael Jackson, em compensação, mostram um trabalho de maquiagem, cabelo e figurino impecáveis, e certamente agradará quem gosta de ver biografias em que o protagonista está idêntico à pessoa na vida real. O DNA ajuda, claro: Jaafar é sobrinho de Michael. Ele é filho de Jermaine, um dos integrantes originais do Jackson 5.

Há também um certo peso nas costas do ator. Não estamos falando de alguém interpretando uma figura distante, mas sim o próprio tio, com quem conviveu e de quem deve sempre ouvir histórias. Em alguns momentos, é possível sentir que Jaafar está em cena, sentindo aquilo que o seu personagem deveria sentir. Em outros, parece mais preocupado em agir como Michael, caindo no lugar comum da imitação, o que pode agradar parte dos espectadores, ao mesmo tempo em que joga fora o drama real.

Por sorte, o vilão é tão forte quanto seu protagonista. Joe Jackson de Colman Domingo (Sing Sing) está impetuoso em cena. Assim, é possível entender a força daquele pai sobre os filhos e como, mesmo com eles mais velhos, os fazia lembrar a dor da cinta apenas com um olhar.

Os fãs certamente devem amar, independentemente de qualquer problema. Vão encontrar esse antagonista perfeito e uma vida de dificuldades que justifique quem Michael Jackson se tornou. Tudo embalado com uma trilha sonora genial, como não podia deixar de ser, e um visual marcante. Esse é mais um dos acertos do filme: mergulhar na obra da estrela sem nenhum receio.

Todo mundo é o vilão da história de alguém. No fim, a questão não é qual versão é verdadeira, e sim qual delas está sendo construída para prevalecer. Se Michael é o equivalente a Elvis, Deixando Neverland é a sua Priscilla.

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Um jogo brasileiro, independente, baseado em Memórias Póstumas de Brás Cubas e em todo o Machadoverso que funciona BEM DEMAIS. Leia aqui a nossa resenha de A Investigação Póstuma e vai lá jogar que vale MUITO a pena!

Agora olha nós aqui publicando resenha de um jogo indie Brasileiro, A Investigação Póstuma, baseado em Memórias Póstumas de Brás Cubas e todo o Machadismo, empolgadaços por poder participar dessa icônica história 800% Brasileira. Joguinho é legal demais!

Por falar em histórias que se passam (ou pelo menos se iniciaram nos anos 30), trouxemos também nossas impressões de Nuremberg, um filme que só se trata sobre o Tribunal que julgou os crimes da 2a Guerra Mundial no nome -- e isso não é um problema... ou é, quando você perceber sobre o que se trata de fato.

Tá tudo aí embaixo! Aproveite.

A Investigação Póstuma leva Machado de Assis pros games e funciona bem demais

por André Mello

Vou ser sincero ao falar que durante MUITO tempo não me empolguei com obras de Machado de Assis. Na minha cabeça, aquilo era “livro de vestibular” e só isso. Burrice, eu sei, mas isso se estendeu por vários anos da minha vida, até o dia que completamente do nada, encontrei uma cópia de Memórias Póstumas de Brás Cubas em algum lugar e resolvi ler por lazer mesmo.

Grande livro, eu ri e tive a certeza de que tava garoteando mesmo. E aí, do mais belo nada, me chega a informação da existência de A Investigação Póstuma, novo jogo da desenvolvedora independente brasileira MotherGaia Studios e da distribuidora CriticalLeap, disponível no Steam.

Um point and click estiloso que pega não somente Brás Cubas, mas outros elementos do Machadismo, e entrega um dos jogos mais charmosos e interessantes que joguei nos últimos meses. Na moral.

Um mistério carioca noir

A Investigação Póstuma coloca o jogador no controle de um detetive no Rio de Janeiro da década de 30. Sem saber direito o que está acontecendo, ele recebe uma carta de Brás Cubas, um bon vivant da alta sociedade carioca, o contratando para investigar sua morte.

Sem entender direito, o detetive sai do escritório e se depara com uma cena do crime onde Cubas foi encontrado morto. O jogo poderia apenas seguir com uma investigação comum, com você entrevistando suspeitos e recolhendo pistas, mas algo inesperado acontece.

De noite, o detetive adormece e é enviado para o Limbo, onde encontra o seu cliente, Brás Cubas. De um jeito debochado, ele ajuda a analisar as pistas encontradas e envia o jogador de volta para o mesmo dia.

Você vive um loop temporal em que começa a analisar diferentes momentos e personagens, já tendo informações importantes, para tentar montar o quebra-cabeças da morte de Brás Cubas. Como ele morreu? Quem o matou? Capitu traiu Bentinho?

Uma mistura gostosinha de se ver

Apesar de à primeira vista A Investigação Póstuma parecer “o jogo do Brás Cubas”, na verdade ele é “o jogo do Machado de Assis”, já que a história consegue misturar vários elementos e personagens das histórias do autor em um universo em que todos se encontram no Rio de Janeiro em 1937 e estão interligados ao mesmo mistério.

Não é necessário você conhecer todas as obras do autor, mas a narrativa pode parecer mais interessante ao encontrar um personagem ou elemento vindo de um dos livros. É o básico “Não precisa, mas se souber fica mais legal”.

Claro que nem tudo é alegria, já que por mais que o texto do jogo seja bom (e tem texto pra caralho), a trama, aliada a mecânica, acaba tornando a experiência um pouco cansativa na reta final. São vários personagens e entrevistas com eles, e apesar de tudo ser bem escrito, chega um momento em que parece ter faltado uma leve refinada pra não perder o ritmo.

Mesmo assim, A Investigação Póstuma tem todo um charme e estilo que me agradaram bastante. A ideia de usar literatura brasileira como base pra um jogo é algo que me pareceu muito interessante, principalmente pela forma como foi trabalhado no game.

Em momento algum o jogo parece “pesado” e mostra como as histórias de Machado de Assis podem ser apresentadas para um novo público. Duvido alguém que conseguiu ficar até hoje sem ler nada dele terminar o jogo e não pensar em pegar um livro. Só por isso, A Investigação Póstuma já terá valido muito a pena!

Nuremberg não é sobre Nuremberg

por Renan Martins Frade

Nuremberg é, na prática, dois filmes em um. A primeira camada é uma história baseada em fatos, sobre quando o alto comando da Alemanha Nazista foi julgado por seus crimes na Segunda Guerra Mundial, com o juiz da Suprema Corte dos EUA, Robert Jackson (Michael Shannon), e o psicólogo Douglas Kelley (Rami Malek) como guias dessa história.

Kelley, em especial, é o nosso ponto de interesse. Sua ambição é entender como o mal se forma e transformar isso em um livro. O problema é que, ao se aproximar de Hermann Göring, vivido por um Russell Crowe cheio de nuances, a linha entre observação e fascínio começa a se borrar.

Como reconstrução histórica, o filme tropeça. O diretor e roteirista James Vanderbilt opta por caminhos fáceis, simplificando conflitos e apostando em soluções e diálogos que soam mais Hollywood do que Nürnberg.

A guerra é, na prática, abordada uma única vez: quando são exibidas as duras e chocantes imagens reais dos campos de concentração e extermínio nazistas. Mas é aqui que entra a outra camada: em seu ato final, Nuremberg se revela. Quando vemos, o longa não está mais falando da Alemanha nazista e está falando do mundo de hoje.

“Há pessoas que querem estar no poder”, diz o personagem de Rami Malek, em certo momento. “Tenho bastante certeza de que há gente nos Estados Unidos que pisaria nos cadáveres de metade da população se soubesse que, com isso, conseguiria controlar a outra metade.”

Nuremberg está em cartaz nos cinemas.

Leia também!

Qual a pior coisa que você já fez na sua vida? É a pior coisa que a pessoa que você ama fez? Qual é o limite do amor? Até onde você leva esse relacionamento, quando você bota um fim em tudo isso? Essas são algumas perguntas que O Drama, um filme sobre não conhecer totalmente quem você ama, levanta. Cê já viu o filme? Vem aqui ler a nossa resenha completa!

Aproveita também pra ler sobre (e ouvir) Honora, o álbum de JAZZ do Flea -- sim, o baixista do Red Hot Chili Peppers que, aqui, até toca o instrumento que o fez famoso, mas se destaca mesmo com um TROMPETE.

Enquanto a Artemis II foi até ali rapidinho dar uma volta na Lua, os EUA ameaçaram “aniquilar uma civilização inteira” depois de perceberem que estavam se afogando na própria merda que fizeram e não se cansam de fazer. Nada disso aconteceu (quer dizer, a Artemis II realmente foi até a Lua e já tá voltando), mas e o desespero?

É parecido com o de assistir a Demolidor - Renascido e ver tudo o que o Wilson Fisk tá fazendo em Nova York e não surgir um mísero super-herói pra dar um basta naquilo. Ou uma câmara de vereadores, deputados, presidentes, cortes superiores... É desesperador perceber que tá todo mundo vendo o que o cara tá fazendo e ninguém que pode se mexe pra fazer qualquer coisa.

Exatamente como na vida real. Como que pode?

“Eu vou pro mundo da Lua”

por Renan Martins Frade

        "Astronauta, tá sentindo falta da Terra?
        Que falta que essa Terra te faz?
        A gente aqui embaixo continua em guerra
        Olhando aí pra Lua, implorando por paz.

Dia 6 de Abril de 2026. Os astronautas da missão Artemis II bateram o recorde de distância da Terra. Nunca um ser humano havia ido tão longe no espaço. Chegaram ao lado oculto da Lua. De lá, fotografaram essa bola, já não tão mais azul, que flutua na vastidão do cosmos dentro de um equilíbrio tênue.

Uma imagem que revela a nossa pequenez em meio ao infinito.

Daqui, seguimos em guerra. Donald Trump ameaçou aniquilar a civilização iraniana, o que muitos na história tentaram e ninguém conseguiu — ele “mudou de ideia” pouco depois. Israel segue bombardeando a Palestina, o Líbano, e o Irã. A Rússia ataca e invade a Ucrânia. Incontáveis civis morrem todos os dias. Em São Paulo, um motorista bêbado invade a calçada, atropela e mata duas crianças.

O feito da NASA é extraordinário. Principalmente para alguém como eu, que cresceu inspirado pelos ideais de Gene Roddenberry em Jornada nas Estrelas – ou Star Trek, para os novatos.

Na visão de Gene, a aventura espacial representava a união de todos os povos da Terra. Seria quando a infinitude do universo nos mostraria que há mais do que nos une do que nos separa. Contudo, essa união precisaria ser renovada dia a dia, minuto a minuto, nos fazendo entender – e superar – as diferenças que nos tornam únicos.

Não à toa, ele escolheu o nome da nave que nos levaria nessa viagem: Empreendimento. USS Enterprise.

A aspiração era política, também. O governo do nosso planeta se chamaria Terra Unida. Sem países ou fronteiras traçadas em mapas. Juntos, faríamos parte da Federação Unida de Planetas.

Não haveria dinheiro, ao menos no sentido tradicional. A acumulação de riqueza deixaria de ser a força motriz da sociedade, substituída pelo conhecimento e o bem-estar. A fome e a pobreza seriam extintas.

A beleza da obra de Gene é que a exploração do cosmos seria científica, mas, ao viajar pelo universo, capitão Kirk, Spock, Magro, Scott, Uhura, Tchecov, Sulu e toda a tripulação encontraria outras civilizações – algumas atrasadas, outras mais avançadas – que representavam exatamente os nossos conflitos mais terrenos. O espaço poderia ser a fronteira final, mas ela ficava muito mais próxima do que muitos gostariam de aceitar.

A viagem da Artemis II, de alguma forma, é uma esperança de que essa visão idílica se torne realidade. Acontece que a Terra nos puxa para baixo.

        "There's a starman waiting in the sky
        He'd like to come and meet us,
        But he thinks he'd blow our minds"

A gente aprende nas aulas de história: as missões Apollo, nos anos 1960 e 1970, foram parte da Guerra Fria. Os Estados Unidos queriam demonstrar a força (científica ou não) que possuíam, batendo a União Soviética em uma corrida espacial. Quando a URSS passou a enfrentar as suas próprias crises, os estadunidenses comemoraram a vitória e abandonaram o objetivo lunar.

Mais de 50 anos depois, a história – que teve as suas tragédias, como a Apollo 1 – se repete com um quê de farsa.

Depois de décadas de tentativas e pedidos da NASA, o Programa Artemis foi iniciado em 2017, após uma ordem executiva de Trump, que estava ainda em seu primeiro mandato. O que mudou foi a China: inspirada justamente pelos Estados Unidos, o país havia iniciado anos antes o seu próprio projeto de ida à Lua.

Agora, o presidente dos EUA tenta colher os frutos disso em um momento em que sua popularidade está arranhada entre os eleitores, e em ano de eleições de meio de mandato, nas quais ele tem grande chance de perder a maioria no Congresso.

É por isso que os astronautas conversaram com ele diretamente da espaçonave Orion e que as primeiras fotos do lado oculto da Lua foram divulgadas pela Casa Branca. No mesmo perfil do Instagram que, antes e depois, exaltou os resultados da “Operação Fúria Épica”, eufemismo para a guerra no Irã.

Além disso, a grande diferença da Artemis para a Apollo é a presença da iniciativa privada. Nos últimos anos, empresas iniciaram a sua corrida espacial particular, sempre com interesses mais comerciais.

A NASA tem contratos tanto com a Blue Origin (de Jeff Bezos) quanto com a SpaceX (de Elon Musk) para o desenvolvimento do módulo tripulado que irá fazer a alunissagem da Artemis IV em diante. Para os críticos, essas companhias estariam tornando as naves mais complexas do que deveriam, o que poderia atrasar a missão – inicialmente programada para 2027, agora agendada para 2028 – e deixá-la ainda mais cara.

Já Musk esfrega as mãos durante a aventura espacial. É que ele prepara um IPO (abertura de capital na bolsa) da SpaceX para breve – e o sucesso do Programa Artemis é uma vitrine sem igual, mesmo que ele não esteja envolvido com a atual viagem. Caso a oferta pública seja um sucesso, e tem tudo para ser, o bilionário se distanciará ainda mais na posição de homem mais rico da história moderna, em uma acumulação de capital sem igual.

A verdade é que muitos olham para a Lua como uma oportunidade para além da ciência e da exploração: o satélite natural esconderia outras riquezas em seu solo – como silício, alumínio, ferro, hélio e metais raros. Há até conceitos e projetos de como poderia ser feita essa extração, em uma demonstração clara de que a humanidade não aprendeu nada com os erros em seu próprio planeta.

Gene Roddenberry não tinha uma visão ingênua de nós. Ele sabia que, para chegar às estrelas, precisaríamos ver em grande parte a nossa própria ruína. A história imaginada por ele para desembocar em um futuro inspirador incluía tiranos, armas nucleares e uma Terceira Guerra Mundial.

Precisaríamos chegar ao fundo do poço terreno para entender nossa pequenez frente às estrelas. É nisso em que eu, com otimismo, me apego.

        "There is no dark side of the moon, really.
        Matter of fact it’s all dark"

Na vida real e na ficção, como todo mundo vê o que tá acontecendo e ninguém faz nada?

por Thiago Borbolla

Assim que a gente anunciou o retorno do JUDÃO, abrimos uma caixinha de perguntas lá no Instagram pra, claro, esclarecer algumas dúvidas e ouvir o que os TRANSEUNTES tinham a nos dizer. Foram perguntas legais, mensagens de encher o coração, mas teve um ali que questionou se agora o JUDÃO teria “essas coisas de ideologia e política”. Agora. Em 2026, mais de 10 anos depois que tomamos a decisão de passar a tratar a cultura pop não apenas como entretenimento, mas como ferramente de mudança real do mundo em que vivemos.

Tudo bem que ficamos quase seis anos no Limbo, mas qual JUDÃO esse cara tava lendo / ouvindo / assistindo desde 2015?

Quando a gente recebeu os oito episódios da segunda temporada de Demolidor - Renascido pra assistir e escrever sobre (o que fizemos aqui, caso você ainda não tenha visto), eu e o Oda estávamos conversando sobre o fato de que parece que não existe nenhum outro super-herói em Nova York, ficando tudo nas costas do Atrevido e, com algum esforço, o Justiceiro.

Eu ainda nem tinha assistido à primeira temporada e, na época, comentei que tava gostando um pouco mais, nesse momento, de histórias mais solo -- o que provavelmente me fez curtir mais o filme do Quarteto Fantástico, por exemplo. Odair argumentou que era diferente, nesse caso, porque não era possível que aquelas coisas acontecessem sem ninguém intervir.

Nesse meio tempo, o autocrata que foi eleito não uma, mas duas vezes para a presidência dos EUA, atacou o Irã junto com Israel, ameaçou destruir toda aquela civilização se o tal CLUSTERFUCK que ele mesmo impôs ao mundo não fosse corrigido. No Brasil, quem deveria estar apodrecendo na prisão tá em casa de boa, recebendo aliados políticos e, bem, ainda apodrecendo, mas talvez um pouco mais lentamente. Aqui em casa eu me atualizei com a série do Demolidor e, ok, consegui entender o que o Oda quis dizer.

Porque não é só uma questão de “Universo Cinematográfico da Marvel”, histórias interligadas. O que caralhos está fazendo o Homem-Aranha que vê o Wilson Fisk criar uma milícia que não segue a constituição e responde unica e exclusivamente ao próprio Wilson Fisk? Onde tá o Homem-Aranha, o Capitão América, os Thunderbolts*, os Guardiões da Galáxia, sei lá mais quem tá vivo? As cortes superiores, os vereadores, os deputados, governadora (essa até apareceu, mas vamo lá), senadores, presidente?

Como é que TODO MUNDO vê o que tá acontecendo em Nova York e ninguém, absolutamente NINGUÉM, faz qualquer coisa?

A gente aprendeu nessa última semana que o cidadão americano não consegue sair pras ruas protestar porque tem medo de perder emprego, porque Washington é muito longe e o país é grande demais, porque tem medo de apanhar da polícia. Sim, seu filhodaputa... como em QUALQUER OUTRO LUGAR DO MUNDO, como aqui na América Latina -- a não ser, claro, que você esteja protestando em favor do sistema, aí não tem com o que se preocupar.

Mas o que mais me... não vou dizer choca, porque não me surpreende, mas me deixa completamente EMBASBACADO, é que ninguém consegue enxergar o que tá acontecendo no Mundo nesse exato momento, mesmo que esteja absolutamente desenhado, escancarado, na sua frente. O Renan falou de Star Trek, e eu me lembrei de um jornalista que baseou quase toda a sua carreira em Jornada nas Estrelas e, de repente, se mostrou uma pessoa reacionária e ultradireitista. Como? Como alguém consegue assistir a Star Wars e não fazer qualquer ligação com o nazismo de antes e os nazismos de hoje, tanto nos EUA quanto em Israel? Como alguém assiste à Demolidor - Renascido e não consegue entender que Wilson Fisk é Donald Trump, que a “força tarefa” é o ICE? Como que você pode reclamar de violência e censuras em países socialistas / comunistas e não perceber que o que acontece lá é pra “defender o sistema”, exatamente como acontece nos países capitalistas, como o Brasil e os EUA, inclusive na ficção? Como que ninguém consegue se colocar minimamente no lugar do outro? Como que faz pra entalar a cabeça dentro do próprio cu, se alimentar de merda e achar que isso é tudo e tudo bem?

Me dá nervoso. Minha ansiedade ataca. Eu sinto vontade de parar de assistir. Mas, como disseram outro dia no Bluesky, “se a esperança não fosse revolucionária, não iam fazer tanto esforço pra arrancar de vocês”. É um fato. A esperança e a arte. Mesmo sabendo que a pessoa que tá do seu lado agora e que você gosta muito pode assistir a esses filmes, séries, notíciarios, ler livros e gibis e não conseguir absorver nem uma palavra, não é assim que eles vencem. É nos fazendo acreditar que tudo está indo pro caralho. Enquanto a gente desiste, eles se vendem como salvadores e muita gente compra.

Pode ser (quase com certeza vai) que a gente não consiga ver a queda desses desgraçados. Mas se a gente olhar pra Star Wars e Star Trek, ou até mesmo pra vida real, a gente consegue enxergar uma luz no fim de algum túnel. A gente sabe que uma hora vai, que eles vão cair. Vão surgir outros, mas esses caem. A gente só tem de prestar atenção e absorver e fazer a nossa parte, seja ela qual for.

Previously…

Além das edições gratuitas que publicamos semanalmente no JUDÃO, com resenhas, resgates de arquivo e outras coisinhas, toda sexta-feira a gente envia uma edição semanal exclusiva para assinantes -- essa mesma que você está lendo agora, ainda que essa específicamente esteja aberta a todos. Na semana passada a gente falou sobre os motivos pelos quais precisamos, em 2026 mesmo, de um filme da Supergirl, bem como os motivos pelos quais precisamos, em 2026 também, de Ana Paula Renault (que não, não foi perseguida e nem foi vítima de nenhum tipo de manioulação no BBB26).

Além disso, também publicamos as resenhas de O Drama, aquele filme com a Zendaya e o Robert Pattinson que o Oda chamou de “filmão” e do novo álbum solo do Flea em que ele, além de baixo, toca TROMPETE. Renan se emocionou e tudo! Tão aqui, as duas. Vem ler!

Mas amor não é só algo que a gente divide (e eventualmente projeta) com outra pessoa. Amor pode ser muitas coisas, de muitos formatos, inclusive sozinho. Amor pode ser um tipo de som muito específico, que faz sentido “quando a gente é bombardeado por tanta farsa e tanta realidade ao mesmo tempo”. Amor é foda.

Hoje a gente fala sobre ele aqui no JUDÃO. O Oda assistiu ao “filme da Zendaya com o Robert Pattinson”, enquanto o Renan ouviu o álbum solo do Flea (sim, o baixista do RHCP), no metrô, num dia que foi, definitivamente, um dos dias. Os dois escreveram o que sentiram sobre o que viram e ouviram e vocês conferem aqui embaixo.

O Drama que é não conhecer totalmente quem você ama

por André Mello

Digamos que você é uma pessoa que ainda não desistiu do amor. Você quer encontrar alguém pra amar, que que te ame de volta e com quem você possa compartilhar a vida. Bonito, claro. Só que ninguém para pra pensar com calma que por mais que exista um sentimento real, você provavelmente nunca vai conhecer alguém completamente.

Não adianta, pode ser o casal mais aberto um com o outro possível, vai ter um ponto cego. Somos seres humanos, isso é totalmente natural. Por mais que você queria compartilhar TUDO, algo fica só pra você, seja por medo de uma rejeição, por algo que pode não parecer importante. Algo sempre fica ali. Só que surge a pergunta: o que acontece quando a outra parte descobre algo que pode mudar a forma como esse amor é visto ?

É basicamente essa a história de O Drama, filme estrelado por Robert Pattinson e Zendaya e que gira em torno de um casal que, às vésperas do seu casamento, acaba descobrindo mais do que esperava um do outro.

O motivo pelo qual o caos acontece é totalmente compreensível e muito provavelmente será o centro de conversas após o lançamento do filme, mas no cerne da história, está a dúvida sobre o quanto um amor pode mudar por conta de um detalhe da vida do outro.

Serei sincero ao falar que em boa parte dos papéis que vi da Zendaya, ela interpreta personagens MUITO parecidas entre si. Tudo é muito ZENDAYA, o que poderia indicar que ela não é uma boa atriz, mas ainda é um pouco difícil vê-la desaparecer de verdade em um papel. Isso quase acontece em alguns momentos de O Drama, mas principalmente pela química inesperada que ela tem com o Robert Pattinson.

O jeito da Emma, sua personagem nesse gilme, às vezes meio tímido, cabreiro, consegue se desenvolver com o jeito meio abobalhado e inquieto de Charlie, o personagem do Pattinson. Você não duvida do casal, até o momento em que tudo é posto em xeque.

Será que a Emma é realmente aquela pessoa pelo qual o Charlie se apaixonou ou está escondendo algo muito grave? Será que tudo o que ele sabia e sentia por ela ainda vale depois de uma revelação? Será que ele, e outras pessoas, não estão sendo hipócritas?

No fim das contas, isso realmente importa?

O seu passado faz você ser quem é hoje

E aí entra uma coisa que o filme me fez pensar muito. Quando você conhece uma pessoa, não é como se ela surgisse do nada somente pra existir na sua vida. Existe um passado, experiências boas, ruins, acontecimentos que formaram aquele alguém que está na sua frente. E esse alguém, de alguma forma que pode ter sido sincera, fez com que você se apaixonasse por ela. Sendo assim, qual é o limite que você pode traçar pra algo acabar com tudo isso?

O exemplo bem específico que o filme mostra, e que gera todo o caos da história, revela uma insegurança e problemas que poderiam ser resolvidos de uma maneira mais tranquila se não fosse uma possível dúvida sobre tudo.

Só que não é exatamente isso que é amar e querer compartilhar a vida com alguém? Aquela história de “na saúde e na doença, na alegria e na tristeza” meio que deveria englobar a ideia de “essa pessoa teve uma ideia cagada lá atrás, mas hoje é esse alguém que eu admiro”. Fora que o que a pessoa fez no passado a transformou em alguém que você se apaixonou. Não seria o caso de tentar entender melhor as coisas?

E no meio do caos e do incômodo de várias cenas, eu ri, eu fiquei tenso, eu me entortei de vergonha na cadeira do cinema. E ainda por cima, saí pensando na força de um sentimento.

Filmão, hein?!

Um som pra fazer sentido no meio de tanta farsa

por Renan Martins Frade

Um dos maiores baixistas do mundo. Mas Michael Peter Balzary é muito mais do que isso.

No final de março, Flea (o nome com o qual escolheu ser conhecido pelo mundo) lançou seu primeiro álbum solo, Honora. Nele, o integrante do Red Hot Chili Peppers mergulha em suas incontáveis referências e influências – como new wave, country e, principalmente, jazz – para tirar um som que soa moderno, melancólico e retrô ao mesmo tempo.

O baixo, claro, está lá. Mas, agora sozinho, Flea pode explorar sua bela melodia e tocar com primazia o trompete, sua outra grande marca.

Isso traz uma beleza para as notas, daquelas em que você pode viajar nos acordes. A primeira vez em que ouvi Honora foi em um dia especialmente difícil, no metrô, isolado do mundo por um cancelamento de ruído. Os gestos triviais do dia a dia, ali na minha frente, ganharam contornos de ballet, com as mãos dançando no ar.

Isso não quer dizer que o álbum não seja político. “Guerra civil”, canta Flea na faixa A Plea. Mas, em meio a tanto ódio, ele indica a solução: “Construa uma ponte, acenda uma luz. [...] Faça algo lindo (paz e amor). Não me importo se for um rabisco de giz de cera num papel. Faça algo bonito e veja alguém. Dê para alguém [...] Todo mundo só quer ser amado”.

Honora ainda tem duas participações especiais. Em Wichita Lineman, um cover de Jimmy Webb, quem canta é Nick Cave. Já em Traffic Lights, o vocal, piano, sintetizador e a coautoria são de Thom Yorke, do Radiohead, com quem Flea toca na banda Atoms for Peace.

“Só de conhecê-lo, eu achei que seria um ritmo e uma sensibilidade com os quais ele se identificaria. E eu estava certo, ele se identificou”, contou Flea em entrevista ao Stereogum. “Com uma melodia linda e as palavras, sabe, sobre viver no ‘mundo invertido’ e como fazer sentido das coisas quando a gente é bombardeado por tanta farsa e tanta realidade ao mesmo tempo? Cada um tem sua forma de lidar com o mundo”.

Para quem procura as participações dos outros Peppers, Chad Smith toca bateria em Golden Wingship, e John Frusciante assume o trompete e o processamento de áudio da caixa em Frailed, além de fazer a mixagem e o processamento de Willow Weep for Me.

Mas, para mim, o auge é mesmo Maggot Brain. Flea transforma esse clássico do Funkadelic, uma viagem instrumental com guitarra distorcida criada por George Clinton, em uma melodia que vai fundo no coração, embalada pelo trompete e soando quase como um jazz contemporâneo.

Talvez seja melancolia em mim, mas eu chorei.

Leia também!

Apesar de entender tudo o que o estão reclamando sobre Super Mario Galaxy: O Filme -- sim, de fato, é um filme feito pra vender boneco e só -- quando a gente para pra pensar que um filme consegue colocar um sorriso no seu rosto nesse mundo em que a gente vive, olha... vale a pena. Resenha completa aqui!

A primeira é Kara Zor-El. Com o lançamento do novo trailer com detalhes da história (sim, você também sairia pelo universo querendo dar porrada em todo mundo que eu sei), o Renan contou um pouco da sua história com seus sobrinhos, Maitê e Pedro, e como esse filme é super (viram o que eu fiz aqui?) importante em 2026.

A segunda é Ana Paula Renault. Depois de algumas semanas de reclamações sobre favorecimentos e perseguições, a chamada Bruxona mostrou que tudo aquilo não se passa de teoria da conspiração — coisa que o Borbs não acredita. Mas acredita no capitalismo. E se a Globo tivesse coragem de fazer como a WWE…

Por que precisamos de um filme da Supergirl?

por Renan Martins Frade

Maitê é a minha sobrinha. Em junho, ela completa quatro anos. Totalmente apaixonada pela Spider-Gwen (Mulher-Aranha, Aranha-Fantasma ou Gwen-Aranha, como você preferir chamar), ela tem usado a fantasia da heroína, que demos para ela no Natal, quase como se fosse sua segunda pele. Foram incontáveis vezes que fui atingido por suas teias invisíveis — e olha que eu estou em São Paulo, ela em Manaus.

A Maitê nunca viu os dois filmes de Aranhaverso. É muito nova. Mas ela foi fisgada pela série animada Spidey e Seus Amigos Espetaculares, principalmente na versão de curtas, que está disponível no Disney+.

Pedro, meu outro sobrinho e irmão da Maitê, também é fissurado em Spidey. Ele acaba de completar dois anos, e o Homem-Aranha é seu herói favorito – ao ponto dele abraçar a estátua do personagem que tem no Le Burger, aqui em São Paulo. Deve ter sido o dia mais feliz da vida dele.

Acontece que Pedro é um menino. Ele, assim como eu, sempre pode se identificar com os super-heróis mais importantes. Apesar de suas particularidades, a maioria deles é homem e é branco. Igualzinho a nós dois. O Aranha, é verdade, sempre usou uma máscara de rosto inteiro, permitindo que qualquer um se visse por baixo dela, desde que fosse do gênero masculino.

Não que a Marvel nunca tenha tentado resolver esse problema. Nos anos 1970, por exemplo, criaram a Mulher-Aranha. Só que era uma figura meio que sem graça, distante, que nunca teve o carisma de Peter Parker. Houve outras tentativas depois, mas nada funcionou.

A Aranha-Fantasma veio como uma criação dentro de uma das melhores fases do Homem-Aranha nas histórias em quadrinhos nas últimas décadas, o Aranhaverso. Foi quase como uma brincadeira, uma forma de explorar o multiverso construindo uma realidade na qual Gwen Stacy — a namorada de Peter Parker, que morreu nos gibis ainda no começo dos anos 1970 — tornou-se a heroína.

Não demorou para a própria Marvel perceber que tinha ouro nas mãos. Afinal, a Gwen-Aranha carregou para si um carisma igual (senão maior) ao de Peter Parker. Ela estuda, se preocupa com a relação com pai, carrega suas culpas, passa pelas dificuldades de qualquer adolescente, falha, é independente, toca bateria em uma banda e o mais importante: é uma garota que pode proteger a si mesma, sem precisar de ninguém.

Resumindo: uma personagem com a qual muitas meninas podem se identificar, de verdade.

Por isso, a Spider-Gwen rapidamente ocupou um espaço que a velha Mulher-Aranha nunca conseguiu. Foi alçada a produto de consumo com o seu visual icônico, entrou nas animações de cinema do Aranhaverso com protagonismo.

Fechando o círculo virtuoso da “propriedade intelectual”, Disney e Marvel criaram Spidey e Seus Amigos Espetaculares, junto com outro grande acerto dos gibis nos últimos 15 anos, o Miles Morales. A produção também trouxe um quê de Patrulha Canina, que fisgou a garotada. Estava pronta a fórmula do sucesso.

Nunca vi uma geração que ama tanto o Homem-Aranha como a atual, independente da versão, gênero ou etnia.

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Nesta edição!

• Um filme do Mario igual ao outro filme do Mario

• O documentário vencedor do Oscar

• Joguinho bem divertido baseado em Exterminador do Futuro 2

• E MAIS! Um filme muito legal sobre autismo e um documentário sobre o Red Hot Chili Peppers que não é exatamente sobre o Red Hot Chili Peppers

O filme do Mario é exatamente o que você espera

por André Mello

Esses dias o Morph falou sobre como o cinema americano, que acaba se tornando referência pra tudo o que a gente acaba assistindo na tela grande, foi tomado por uma falta de criatividade sem igual, com sequências e adaptações se tornando o padrão.

Então, como falar que eu gostei de um filme que é uma adaptação E uma sequência? Um filme que, se for analisar friamente, tem a profundidade de um pires e é o tipo de produção equivalente a ficar balançando um molho de chaves na frente de uma criança de colo ou de um cachorro hiperativo.

Só que, mesmo sabendo de tudo isso, Super Mario Galaxy - O Filme consegue surfar o que o antecessor criou, ainda que o faça de um jeito que dá pra entender TODAS as reclamações possíveis que ele possa gerar e, mesmo assim, ser uma experiência bem divertida.

Vou ser sincero aqui e falar algo que no fundo você sabe e não vai poder reclamar. Mario praticamente não tem lore. Os jogos se resumem a “sequestraram essa princesa de novo, pqp! Vai pular em tartaruga!”. Você sabe disso, eu sei disso. O fato de terem arrumado história o suficiente pra um filme do encanador já foi uma vitória.

Talvez por isso, o fato da trama de Galaxy ser uma desculpa pra umas cenas e piadinhas divertidas, uns easter eggs da Nintendo e vender brinquedo não me incomodou tanto quanto deveria. Ainda tem uma princesa sendo sequestrada (dessa vez a Rosalina) e os bonecos vão tentar resgatá-la.

As adições do Yoshi e Bowser Jr acabam tirando um pouco de espaço do Toad, mas temos Mario e Luigi lado a lado o filme inteiro, o que funciona muito bem. Bowser Jr se mostra um personagem divertido dentro do que se propõe e o Yoshi é a escalação mais sem vergonha na cara que Hollywood poderia fazer, principalmente ao alardear a contratação do Donald Glover como voz do bicho.

Você sabe que o Yoshi tá ali pra vender brinquedo. Ele nem faz muita diferença no filme, mas basta a ceninha de como ele entra na história e eu já fiquei feliz e pensando “OLHA O HORÁCIO ALI!”.

Como no primeiro filme, tudo é muito previsível. Tudo acontece em um ritmo frenético, com algumas boas piadinhas, com os personagens pulando (muitas vezes literalmente) de uma sequência de ação para a outra. O lance de Mario Galaxy meio que tá ali pra constar, já que os planetas são vistos todos MUITO de relance. Só estão lá porque foi um jeito de usar elementos do game de Wii (que confesso nunca ter jogado direito por nunca ter tido esse console). Tudo é muito colorido e, devo dizer, muito bonito, mas não tem nada que você olhe e fale “ESTOU HIPNOTIZADO PELO CINEMA!”.

Por um motivo bem especial, porém, eu terminei o filme com um sorriso no rosto. Como milhões de pessoas no mundo, eu cresci jogando Mario. Super Mario Bros. 3 foi o primeiro jogo que eu joguei (vinha junto com o NES) e foi o primeiro que eu consegui fechar.

Os anos se passaram e, mesmo crescendo e de fato crescendo, sempre que sai um jogo do Mario, eu vou jogar e me divertir como quando eu tinha 8 anos (menos Mario Party. Jogo de psicopata do caralho). E como aconteceu com o primeiro filme do personagem da Nintendo, existe algo que vai um pouco além do “vamos só repetir e ficar colocando coisas que os adultos reconhecem”. Quer dizer, tem isso lá e nessa sequência chega perigosamente perto da sem-vergonhice da Disney, mas ainda fica uma impressão que, por baixo de tudo isso de “VAMO VENDER BONECO”, existe uma vontade de fazer algo divertido.

Como eu falei, eu consigo entender TODAS as reclamações feitas por críticos e por outras pessoas que viram o filme. Ele não vai mudar a vida de ninguém, mas às vezes faz sentido algo que tá ali pra te divertir, colocar um sorriso no rosto… e só. Com o mundo do jeito que tá, ele conseguir fazer isso por 1h e meia já considero uma vitória.

Isso pode me fazer um DESLUMBRADO PELAS LUZES DOIDAS DO CINEMA, mas eu acho que antes ser assim do que perder completamente o brilho no olhar. Nem que seja com um boneco em CGI de um encanador usando o último power-up que aparece no filme. Pra mim, aquilo já foi o suficiente pra me fazer sorrir e me deixar feliz.

Um professor contra militares nas escolas (na Rússia, mas qualquer semelhança…)

por Renan Martins Frade

Uma guerra não impacta apenas a frente de batalha. Ela atravessa a vida de todos, dos dois lados do conflito. Um Zé Ninguém Contra Putin, vencedor do Oscar de Melhor Documentário de Longa-Metragem neste ano, traz uma dessas perspectivas. Pavel Talankin — ou, como ele mesmo prefere, Pasha — é professor em uma escola na pequena cidade de Karabash, no interior da Rússia. Responsável pelos eventos e, por consequência, cinegrafista das atividades escolares, ele registra em primeira pessoa as mudanças no ensino público após a invasão da Ucrânia, em 2022, quando o Estado passa a impor aulas de “ensino patriótico”.

O filme tem, sim, suas questões éticas (nenhuma das pessoas filmadas autorizou o uso das imagens em um documentário, por exemplo), mas também mostra, de forma didática (pun intended), o impacto do fascismo na educação e a doutrinação política dentro do regime de Vladimir Putin. Há momentos tão surreais que parecem encenados: ver mercenários do Grupo Wagner ensinando alunos a usar armas, ou organizando competições de arremesso de granadas, é perturbador.

Apesar de ser uma narrativa pesada, há uma leveza: Pasha narra tudo com ternura, com o olhar de quem ama a escola, a educação e aquelas crianças, desejando para elas um futuro melhor. Ainda assim, ele não consegue evitar o que vemos registrado na tela: a mudança no olhar e nos ideais daquelas pessoas. É um filme para assistir e refletir, até porque a militarização do ensino também é tema aqui no Brasil.

Um Zé Ninguém Contra Putin está disponível no Filmelier+, canal dentro do Amazon Prime Video.

O que mais vimos e jogamos por aí…

😎 Eu lembro de ter jogado uma adaptação de Exterminador do Futuro 2 pra Mega Drive nos anos 90. Não gostei, era esquisito. Eis que, 30 anos depois, Terminator 2D - No Fate aparece na minha frente e é o jogo que eu queria ter jogado naquela época. Você basicamente revive os melhores momentos do filme em um game EXTREMAMENTE divertido de se jogar, que você fecha em até uma hora e dá vontade de jogar de novo. E ainda tem como fazer um final alternativo pra história, passando por fases de tiro na cara, controlar uma motoquinha marota e dar murro quando está nu. Grande jogo. @odametal

🎸 No final dos anos 1970, quatro jovens se conheceram em uma escola de Los Angeles. Rebeldes, arruaceiros e “perdidos”, eram apaixonados por música e acabaram influenciados pelo hard rock, pelo funk, pelo punk e pelo new wave que viria depois. Hoje, você deve conhecê-los como o Red Hot Chili Peppers, mas este documentário é sobre antes disso. O filme é, na verdade, sobre a “cola” que os uniu no começo: Hillel Slovak. Um guitarrista incrível, com um coração enorme e um tino artístico único. Foi ele, por exemplo, quem sugeriu que Flea — na época, trompetista — aprendesse a tocar baixo, um momento canônico que deu ao mundo aquele que muitos consideram seu maior baixista. O documentário é uma ótima forma de conhecer mais sobre Hillel e entender como seu impacto ainda vive no RHCP e também abre espaço para discutir o impacto do vício em drogas, já que o músico morreu de overdose. Mas há dois elefantes na sala. O primeiro é que o título do filme — A Origem do Red Hot Chili Peppers: Nosso Irmão Hillel — dá a entender que a produção teve envolvimento da banda, o que não é verdade. Dá para entender, até certo ponto, já que o nome de Slovak não teria o mesmo alcance. O outro é menos defensável: o uso de IA para recriar a voz de Hillel. Aí não, né? Disponível na Netflix.

🧩 Já imaginou receber um diagnóstico de autismo aos 35 anos? É isso que acontece com Katia (Jehnny Beth) em Uma Mulher Diferente. Na história, a documentalista acaba assumindo uma reportagem sobre o transtorno do espectro autista e, durante uma entrevista, percebe que tem as mesmas características. O filme acompanha a trajetória dela de autodescoberta, se aceitar e também ser aceita por quem está ao seu redor, alternando sensibilidade e humor. Vale dizer que o autismo em mulheres é subdiagnosticado e muita gente hoje vive a mesma situação de Katia, recebendo esse diagnóstico apenas depois dos 30, 40 ou até dos 50 anos. O filme francês acaba de entrar no catálogo da Netflix, o que é uma ótima notícia: permite que mais gente assista e entenda melhor a si mesmo e ao outro.

Leia também!

Nós já assistimos à segunda temporada de Demolidor: Renascido e escrevemos sobre como Matt Murdock enfrenta o autoritarismo de Wilson Fisk entre paralelos com a vida real e o retorno de rostos conhecidos, mostrando sua força dentro do MCU. Vai lá ler!

Mas que semaninha essa pra cultura pop, hein? Não dá pra dizer que foi uma surpresa o que fizeram com o Rock no remake live-action de Moana, mas também não dá pra aceitar aquilo. Não é possível que ninguém tenha olhado e percebido que tava parecendo DEMAIS uma peruca — ou uma caricatura de alguém usando uma peruca. Que Dwayne Johnson tá muito longe do mesmo tipo físico do personagem a quem ele emprestou a voz pela primeira vez há apenas 10 anos. Que não existe qualquer motivo pra esse filme existir.

Bom, tem gente que ainda insiste na história criada por aquela transfóbica horrível e horrenda, né? Gente além da Warner, quero dizer. Gente de verdade que tá beirando os 40 anos e não consegue superar, não consegue ler outros livros, assistir a outros filmes, comprar outros bonecos e que tá app de pegação colocando a casa a qual pertence como se aquilo fosse um teste de personalidade real. Até é, mas não do jeito que essa galera imagina.

O Morph escreveu sobre isso nessa edição do JUDÃO e acabou transformando o que era pra ser um retorno da ARRE Égua!, sua clássica coluna do antigo JUDAO.com.br, em um ARRE Bojack Horseman!. Tá fácil!

Por falar em fascismo, o Império Contra-Ataca a si mesmo. Depois um século forçando cultura pop goela abaixo do mundo e alguns anos tentando vender a ideia de que IA generativa é o futuro, o gerador de lero-lero vira arma de propaganda de guerra — e a primeira vítima pode ser a bolha.

É sobre isso o que o Renan escreve nessa edição: como Hollywood foi parar no meio da guerra entre EUA e Isreal vs. Irã e o que isso pode significar pra indústria.

Spoiler? Pouca coisa. É só olhar pra essa peruca do The Rock que já dá pra entender. Pelo menos a Ana Paula é líder!

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Quando a série do Demolidor estreou na Netflix, onze anos atrás, eu esperei até o início da madrugada pra assistir ao primeiro episódio assim que ele fosse liberado. Veria um só pra ter uma ideia de como era e tava ótimo, continuava amanhã. Acabei assistindo à temporada TODA numa bordoada só. Gosto do lado “vamos salvar o universo” do MCU, mas quando o …

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Somando as idades de todo mundo que escreveu nessa edição, chegamos em 100 anos. Não que isso signifique qualquer coisa, mas o fato de todos termos nascido bem no miolo dos anos 1980 nos coloca em pé de igualdade em uma série de vivências. Sendo Millennials, essas vivências são únicas. Quer dizer, únicas entre nós, Millennials. Porque todo Millennial viveu isso, de um jeito ou de outro.

Vivemos e crescemos na era das locadoras, da SEGA vs. Nintendo, dos DVDs, do Napster, do KaZaA, do eMule, da internet só aos sábados à partir de 00h, do Playstation vs. XBOX, do Blu-ray vs. HD-DVD, do celular que só aparecia os números na tela a um computador mais poderoso do que muitos que levaram gente pro espaço na palma das nossas mãos online 100% do tempo, dos filmes de super-herói em que eles sequer conseguiam mexer o pescoço a grande universos interconectados em filmes, séries, jogos e gibis, das séries de 24 episódios e um hiato no meio, das séries de 10 episódios de 3 anos de espaço entre as temporadas... enfim. A gente viu de tudo e a gente quer desver. A gente já nem tem idade mais pra isso! Mas como?

Essa semana aqui no JUDÃO a gente traz o ACALORADO e GERIÁTRICO debate em que mais desabafamos sobre locadoras vs. serviços de streamings vs. outros tipos de locadoras, sobre como manter amizades num mundo pós-capitalístico e sobre... bom, sobre como se empolgar com filme de hominho. Tem gente que beirando os 40 ainda consegue, impressionante. :)

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Quando a gente fala que uma pessoa tem um coração de pedra, a gente tá querendo dizer que aquilo que, em pessoas normais, serve pelo menos pra bombear o sangue pro nosso corpo e nos manter vivos e seguindo em frente, nessas pessoas não serve pra muita coisa. É literalmente um negócio imóvel, inanimado, que só ocupa espaço.

Não são exatamente pessoas ruin…

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